martes, 22 de mayo de 2018

EVOLUCIONANDO A TRAVÉS DE UN LENTE

Por: Tito Aillón
En la pasada edición de la feria de arte Artchico III (2017) la cual contó  con una sección para fotografía (Artbase foto)  donde  varios artistas en la técnica expusieron sus trabajos. La cuestión fue que hubo varios trabajos que atrajeron mi atención. Dentro de ellos encontré tres trabajos pertenecientes a un artista que no se encontraba en el país; y a quien hoy, luego de varios meses de búsqueda, presento en “En el Taller”, una de las etiquetas de mi blog.

VALDIVO / FOTO TITO AILLÓN
Oswaldo Gonzalez, cuyo seudónim es Valdivo, Bogotano de nacimiento, amante de gatos y coleccionista de objetos. Estudió: diseño industrial (Colombia), dirección de cine y fotografía (España).

Oswaldo quien dice estar en el proceso de ser artista, porque según sus propias palabras: “artista es un término que se usa a diestra y siniestra,  que se usa tanto para cosas banales como para cosas profundas y conceptuales {…} No me considero artista porque creo que el concepto de la palabra incluye algo que se va construyendo, es una palabra a la que se le dan miles de significados: el que pensaste para tu obra y el que le da quien la observa”.  

FOTO: VALDIVO/ OBRA: PERVERSA
/AÑO 2017 /SERIE OBJETOS EXQUISITOS
Por lo tanto, su obra fotográfica,  me aclara, tiene un comienzo pero espera que no un final;  por ello la deja a la merced del observador para que la digiera y tenga sus propios conceptos, ya sea que le agrade o no. Eso hace que la obras se auto desarrollen después de su concepción.

Desde hace un año y medio está desarrollando su proyecto sobre la intervención objetual; en el cual experimenta con objetos y alimentos juntándolos muchas veces en composiciones digitales y otras veces en composiciones físicas interviniendo directamente el objeto para luego realizar la fotografía, dándoles así  una re significación a través de una nueva composición.
FOTO: VALDIVO/ OBRA:COMIENDO SOLO
/AÑO 2017 /SERIE OBJETOS EXQUISITOS
Ahora, del trabajo que yo conocí, en el año 2017, al trabajo 2018 hay cambios  sustanciales. Oswaldo (Valdivo) me explica que él comenzó usando fondos  planos o de colores llamativos en sus fotografías. El reto que se propuso para este nuevo viaje conceptual, es resaltar el objeto, ponerlo como eje central de la obra, sin perder de vista el significado que tiene el color en su trabajo.

Parte de este trabajo lo podremos conocer en el mes de septiembre en Ensambles 1966t  como preámbulo a su lanzamiento general en el mes de octubre en la  feria de arte  Artchico IV – 2018.
FOTO: VALDIVO/ OBRA:DOMINGO
/AÑO 2017 /SERIE OBJETOS EXQUISITOS

Para mayor información sobre el artista visite su pagina:  www.valdivo.com

miércoles, 16 de mayo de 2018

DESCONECTADOS

POR TITO AILLON TOVAR

Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida y muerte: el movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble clave. Danza y canto se funden como símbolos de la vida; quietud y silencio como símbolos de la muerte.

En Egipto (siglo XX a.C.) la voz humana era considerada como el instrumento más poderoso para alcanzar las fuerzas del mundo invisible.

Durante los momentos más íntimos, el ser humano busca desconectarse, de lo que llamamos, el mundanal ruido, para poder intimar con su propio ser.
JANIS JOPLIN,/ GEMA AZURITA
/FOTO: OSCAR  MONSALVE
DESCONECTADOS

Este es el nombre con que el artista bogotano  Maquiamelo nos presenta su nuevo trabajo, en el cual nos muestra una serie  de iconos musicales ya fallecidos tallados  en gemas, con lo que nos recuerda  que la belleza y la fama son algo tan efímero como la vida misma.

En mi opinión personal, con las nuevas esculturas, Maquiamelo rinde un tributo representado con hermosas lápidas, en donde las  almas de los músicos terminan representadas  en destellos de colores. Tal vez evidenciando la añoranza de la calma y la quietud  que en realidad trae  la música una vez que los artistas dejan de mostrarse como “estrellas de rock” para buscar en su fuero más íntimo la verdad de su propio ser. En ese  momento, un artista desnuda su alma y sentimientos para recordar sus raíces, amores, alegrías y tristezas; porque no hay  persona que añore más sus inicios que los músicos.

Maquiamelo desnuda las piedras al pulirlas al igual que un músico expone su piel y sentimientos en un rito  personal para recordar quien fue, sus miedos, alegrías y desazones; todas esas cualidades del ser,  que lo hacen un individuo único y especial, que sin embargo, precisa de la sanción publica para surgir.

JANIS JOPLIN expresó alguna vez: 
“On stage, I make love to 25,000 different people, then I go home alone” (En el escenario le hago el amor a 25.000 personas diferentes. Luego me voy sola a casa).

Maquiamelo me comenta que esta es una serie que no se aparta de sus trabajos anteriores, series de las cabezas reducidas. Sobre el título, me dice que  lo deja a la libre interpretación del observador desprevenido. Con ello el artista bogotano busca generar cuestionamientos a cerca de máximas (*1) tan populares como todo depende del cristal con que se mire. A partir del acercamiento a sus nuevas piezas, y teniendo en cuenta que “Desconectados” puede referirse a cualquier campo de la vida, como por ejemplo, la medicina, la música, o la religión. 

Lo que si advierte el artista  es que definitivamente la calma y paciencia  para esculpir cada pieza,  reconociendo las características de cada material  que se puso como reto intervenir, rindió  fruto al lograr las vívidas representaciones de los iconos musicales.

Personalmente creo que cada gema elegida para tallar la imagen de determinado artista corresponde a una especie de camino de limpieza por el cual Maquimelo quiere encausar a los íconos que eligió representar. Tal es el caso de la representación de Janis Joplin (1943 –1970) cantante estadounidense de rock and roll y blues, poseedora de una magnífica voz, quien pasó a la historia como la primera mujer en ser considerada una gran estrella del rock and roll así como un icono femenino del movimiento hippie de los 60s. Joplin se encontró sin vida  por una sobre dosis de heroína. Su imagen fue tallada sobre una  roca de azurita (*2)

Otro ejemplo veraz que apoya mi percepción  es la escultura de Amy Winehouse, (1983-2011) cantante y compositora británica destacada por sus mezclas de diversos géneros musicales, entre los que destacan el jazz, R&B, soul y ska. Se la conoce por ser una contralto cuyo registro vocal fue descrito como «acústicamente poderoso». Winehouse ganó 5 premios Grammy, tres de ellos por: Canción del año, Grabación del año y Mejor artista nuevo. También se le encontró sin vida por una sobre dosis de alcohol. Su imagen fue tallada sobre una  roca de pirita. (*3)

En la serie también se encuentran  músicos como: Prince, Gustavo Cerati, Freddie Mercury, Elvis Presley, John Lennon, David  Bowie, Jimi Hendrix, y  Kurt Cobain; músicos que Maquiamelo nos presentará en su nuevo trabajo “Desconectados” en el cual el autor nos  sigue dejando un montón de simbolismos en su trabajo, colores, gemas, pirámides, energía y muerte. Con lo que pone de manifiesto la fragilidad del ser humano cuando trasgrede los límites del entendimiento.

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1. máximas : Frase de origen popular o culto repetida tradicionalmente de forma invariable, en la cual se expresa un pensamiento moral, un consejo o una enseñanza.     

2. La azurita es un mineral de cobre que pertenece concretamente al grupo de los carbonatos y que también se denomina malaquita azul o chesilita. La Azurita ha sido siempre una piedra sagrada para los indígenas Norte Americanos; siempre la han usado para contactar con los guías espirituales indígenas sintiendo su presencia y comprendiendo sus mensajes. En Egipto fue un símbolo de status social y espiritual. Los Mayas también la usarían para estimular e inspirar el ser místico y facilitar la transferencia de información, conocimiento y sabiduría a través del pensamiento. 

3. La pirita es piedra dentro del grupo de los sulfuros. El mismo está formado por hierro en un 46.52% y por azufre en un 53.48%. Este mineral se usa como un excelente escudo de energía. Es capaz de bloquear la energía negativa y La Pirita te ayuda a ver más allá de las fachadas, las máscaras, las apariencias….dejándote ver claro qué está detrás de las palabras y las acciones.

sábado, 5 de mayo de 2018

EXPOSICIÓN LOS ARQUITECTOS SALVAJES

Arquitectura y Arte Contemporáneo En Colombia

La muestra fue inaugurada el pasado  jueves 03 mayo y finalizara hasta el 9 de junio del 2018,  ubicada en la sala de Sala de exposiciones de la Cámara de Momercio Bogotá, sede Chapinero  (CALLE 67 NRO. 8-32, PISO -1)
Curaduría: Halim Badawi.

La muestra busca visibilizar estas genealogías ocultas y examinar algunas de las relaciones entre arte, arquitectura y ciudad a través de una selección de fotografías, instalaciones, esculturas, dibujos, pinturas y libros de artistas contemporáneos, situando algunos contrapuntos históricos.

Se incluyen obras de Jorge Ortiz, Ida Esbra, Leo Matiz, Miguel Ángel Rojas, Andrés Orjuela, Andrés Matías Pinilla, Gustavo Niño, Camilo Bojacá, Juan Camilo Uribe, John Castles, Eugenia Pérez y el Grupo Utopía.

También se incluyen piezas artísticas con un carácter más histórico de Ricardo Borrero Álvarez, Auguste Lemoyne, Rómulo Rozo, Eduardo Ramírez-Villamizar y el arquitecto Alberto Wills Ferro, además de la participación del artista español Alejandro Marote, invitado a entablar un diálogo con los artistas locales.

La exposición se constituye en una primera revisión a esta larga tradición del proyecto moderno y del arte colombiano.


Algunas Obras
Ricardo Borrero Alvarez / Ruinas de antiguo Hospital San juan de Dios,1928
oleo sobre tabla,coleccion fundacion Arkne. foto Tito Aillon T




Ricardo Borrero Alvarez Callejuela  Bogotana ,ca1901
oleo sobre tabla,colección fundación Arkne. foto Tito Aillon T


Andres Orjuela: un Bolovar fuerte y 25 centavos ,2006
grabado sobre yeso, coleccion del artista; foto Tito Aillon T




Andres Matias Pinilla,. Un viaje a América en 6 colore.2017
tela,acrílico,oleo y marco de madera con hojilla de oro. foto Tito Aillon T


Andres Matias Pinilla,. A la memoria del muerto.
 foto Tito Aillon T
Juan Camilo Uribe. Proyecto G2- Rio grande 2
(con el sagrado corazón de jesus)1989 
foto Tito Aillon T
Camilo Bojaca. Jardin de Malezas,2014
Intervención en el lugar,foto Tito Aillon T

viernes, 4 de mayo de 2018

NOTAS PENDIENTES

PIEDAD TRUJILLO LEÓN "EL DOLOR TRANSFORMADO EN ARTE" 
POR: TITO AILLON TOVAR

A veces  la vida nos pone pruebas que superan nuestras capacidades, enfermedades, rupturas dolorosas, fracasos, problemas económicos, la muerte de un ser querido, etc., dichas pruebas nos llevan al límite y con ello a un cuestionamiento interno que nos pone frente a una encrucijada dejarnos vencer por las pruebas y  aceptar el fracaso o sobreponerse y salir fortalecido de este golpe de la vida

Artista en la pasada Ediccion de ArtChico III

 Allí es donde llega la resiliencia, esa facultad interna que nos lleva a reestructurar nuestros recursos psicológicos en función de las nuevas circunstancias y de nuestras necesidades. De esta manera, las personas resilientes no solo son capaces de sobreponerse a las adversidades que les ha tocado vivir si no también de ser conscientes de que ya nunca se volverá a ser el mismo.

El resiliente hará un mosaico con los trozos rotos, y transformará su experiencia dolorosa en algo bello o útil, sacando de lo vil lo precioso.

Este el caso de la artista ecuatoriana Piedad Trujillo León, quien sufrió la pérdida de su hijo y “termina plasmando un  viaje emocional por el ser y su pérdida convirtiendo su dolor más intenso en colores y líneas”. El resultado de su catarsis fueron obras presentadas en la pasada feria Artchico III.



PROYECTO TESIS 20 AÑOS

En la tarde de ayer se inauguró en el museo de arte contemporáneo en el minuto de Dios la explosión tesis 20 años. En la cual encontramos ar...