Este nuevo evento digital surge del modelo de trabajo de
ARTBO | Feria y busca dar continuidad a lasestrategia de reactivación a través de componentes como Galerías, Foro,
Estudio Referentes, Articularte, Arte cámara y una plataforma comercial con
nuevas funcionalidades.
Durante seis días, podrá visitar de manera digital más de 30
galerías del país a través de recorridos virtuales y momentos de
relacionamiento con los directores de estos espacios. Además, los días 30 y 31
de octubre y 1 de noviembre invitaremos a nuestro público local a visitas presenciales
en las galerías participantes.
“ El foco en nuestras galerías colombianas responde, por un
lado, al objetivo de resaltar propuestas de calidad y una oferta de obras
diferenciada y acotada en el marco de las nuevas dinámicas digitales del
mercado del arte, y, por otro, a mantener una promesa de valor para nuestras
galerías, coleccionistas y público general.”
La programación completa de esta iniciativa la publicaremos próximamente,
al igual que el cronograma de 2021 y las nuevas estrategias que lo acompañarán.
En este
tiempo de confinamiento y distanciamiento social a causa de Covid-19, Artchicó da un paso
adelante al asumir la realización de una nueva edición de su feria de arte en
este 2020 desde un espacio virtual acompañados por artistas, curadores y galerías que le apuestan a esta iniciativa.
Siguiendo
los parámetros de “quédate en casa”, “si yo me cuido, te cuido” y “si nos quedamos en casa volveremos más
fuertes”, las directivas de Artchicó quisieron apostarle al acercamiento
virtual al arte lanzando la sexta edición de la feria para la segunda quincena
del mes de junio. El objetivo primordial
es, por supuesto, seguir apoyando la culturay no dejarnos apabullar por las circunstancias que vivimos, buscando fortalecernos
emocionalmente para salir juntos adelante. Es por eso, que la directiva de Artchicó
realizará una donación importante para apoyar a los artistas colombianos en
situación de vulnerabilidad.
Imagen facilitada a Ensambles1966t por la organización de la feria / Obra Rito XIX # 3, 2019 de la Artista Española Soledad Córdoba.
La feria se
estará realizando del 16 al 21 de junio, y
contará con la
presencia de 20 Galerías Nacionales e Internacionales. Tanto los coleccionistas como elpúblico en general podrán ver a las
galerías participantes y podrán admirar y/o adquirir las obras entrando a la
página web de la feria: www.artchicó.com
Las plataformas virtuales nos permiten llegar al público mundial con una importante
selección de galerías de arte de Argentina, Ecuador, España, Canadá, Colombia, Estados Unidos, Francia,
México, Venezuela y junto a esto la 6ta edición de la Feria de arte se ha unido
estratégicamente al portal Español Arte Informado, para llegar a más
coleccionistas y público internacional”Jesús Olarte,
director de la feria.
Imagen facilitada a Ensambles1966t por la organización de la feria / Obra Fragmenta, 2017 de la Artista
Italiana Micaela Lattanzio.
Este es el nombre
con el cualel escultor Bogotano Maquiamelorealiza un homenaje con una obra de su autoría al artista Enrique Grau Araujo, sumándoseasí a la celebración del centenario de
nacimiento del artista.
“Grau, sueños de Bahía Grande” fue donada a la Casa Museo Grau por el
escultor como un homenaje sentido para con el maestro Grau, la obra es una
porcelana y oro del rostro del maestro.
La idea de la pieza se comenzó a gestar durante la estadía de Maquiamelo en
Turín (Italia) en el 2019 y se terminó de concebir en el 2020 después estudiar fotografías de archivo e
imágenes del maestro.
Maquiamelo me da su apreciación: “la obra nos deja ver a un Grau soñador, donde lo
divino estárepresentadoen la mitad dorada en oro yel blanco brillante de la porcelana que nos habla del alma y espíritu
del Maestro Grau”
Como aporte más
personalhacia su creación el artista representa
el amor de Grau por Cartagena. Un caracol
encontrado por el escultor Bogotano en "playa escondida" en Barú un par
deaños atrás, al cual le saca un molde
y lo vacía en oro aparece en la pieza y termina siendo el hilo conductor entre el maestro Grau ,
sus queridas playas y su mar añorado. Allí
donde su ojo culto encontró arte en las razas, en lo cotidiano y en lo autóctono de su Cartagena.
Imagenes facilitada por el artista para Ensambles1966t.
Ficha técnica
Título: Grau, Sueños de Bahía Grande
Dimensiones: 20 x 12,9 x 12,9 cms
Materiales: Porcelana y oro
Edición 1 de 2 Año: 2020
Debido a la coyuntura que nos apremia por estos
días la casa museo grau invitan a
personas a que aprecien la escultura
homenaje del Maestro en su página oficial www.museocasagrau.com y sus redes sociales o en la página oficial del artista
Maquiamelo: www.maquiamelo.com
La edición
número 59 de la Bienal de Venecia será postergada hasta el año 2022 y se realizara entre el 23 de abril y el 27
de noviembre, como consecuencia de la pandemia del
coronavirus.
Así lo informó la Bienal de Arte a través en su
página web, donde también anunció el aplazamiento de la Bienal de Arquitectura,
a realizarse este año.
La cámara de comercio de Bogotá luego de los análisis
pertinentes toma la decisión de aplazar la edición número 16 de ARTBO, que se
realizaría del 15 al 18 de octubre.
La Feria se aplazará hasta que las condiciones permitan
garantizar la seguridad y salud de visitantes y
todos los involucrados con la realización de La Feria Internacional de Arte
de Bogotá, al igual que las condiciones de mercado que requieren los
expositores.
Para el segundo semestre del año la cámara de comercio esta
planeando una versión digital de la
Feria que incluirá espacios dedicados a las galerías, una oferta especial de
obras, así como secciones especiales.
Sobre el resto del programa ARTBO:
Artbo Salas: tendrá un ciclo de exposiciones cuya fecha de
inauguración se estipulará teniendo en cuenta el levantamiento progresivo de
las restricciones.
Artbo Tutor: creó un cronograma de actividades digitales que
se implementará en el segundo semestre del año.
Artbo Fin de Semana: se llevará a cabo de manera digital en
el mes de julio, buscando mantener un enfoque en la comercialización y
actividades de los espacios participantes, así como el acceso al conocimiento a
través del foro académico y la participación de agentes del sector en un
conjunto de actividades que resignificarán la esencia del proyecto original.
Movimiento pictórico francés de principios de siglo xx de
escasa duración.
Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.
La palabra tiene origen en el vocabulario francés, donde ‘fauves’
significa fiera.
Nombre dado por el crítico francés louis vauxcelles a un grupo
pintores, tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los
trabajos expuestos en el salón de otoño de parís de 1905, a causa de la
«salvaje» violencia expresiva del color, el nombre asignado era en origen un
calificativo peyorativo, pero fue asumido por el público e introducido en la
historia del arte sin connotaciones despectivas.
Características:
Uso de color intenso (rojo, verde, amarillo, azul y rojo).
Búsqueda de establecer armonía, tranquilidad, claridad y
equilibrio en las obras de arte.
Temas favoritos: escenas urbanas y rurales, retratos,
interiores, desnudos y escenas al aire libre.
Uso del color según la técnica de divisionismo. Es decir,
los tonos no se mezclan en la paleta. Se colocan puros en el cuadro uno al lado
del otro.
Los contornos se presentan marcados, incluso con una línea
gruesa de color negro y nada más tenemos que observar.
Rechazaban de forma unánime el concepto de belleza tradicional.
El canon se sustituyó por la libertad expresiva. Hay que recordar que Freud
acababa de definir el inconsciente con lo que esto supuso de revulsivo en la
vida intelectual de entonces.
Admiraban las expresiones artísticas de África y Oceanía a
través de un incipiente comercio de arte que empezaba a despuntar en los
elitistas círculos de París. Las máscaras, los roleos de tatuajes y la desnudez
de estas culturas fascinaron a estos artistas.
Se elimina la perspectiva, los claroscuros y, en estadios
avanzados del movimiento, se reduce al mínimo el “decorado” de los cuadros. La
luz llega de los colores, pero no del juego de las sombras.
Las formas se simplifican y se recurre a lo natural, a lo
primitivo e instintivo.
Con el solo uso del color se intenta captar los
sentimientos. Para ello se utiliza el simbolismo de los objetos.
Por supuesto, estas características se dan de forma
particular y peculiar en cada uno de los artistas más señeros*1 del movimiento.
El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza,
uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de
convencionalismos. El artista es un Demiurgo*2, moldea, crea su obra a partir
de un principio generador parecida a la naturaleza.
Henri Matisse fue su representante por excelencia y estuvo
acompañado por otros artistas con los que compartió una nueva visión de la
pintura y un deseo constante por aprender y experimentar. Él junto a André
Derain y Maurice de Vlaminck lideraron el grupo, en el que también se
incluyeron Albert Marquet, Henri Manguin, Charles Camoin, Jean Puy, Raoul Dufy,
Othon Friesz, Georges Braque, Georges Rouault y Kees van Dongen.
Los aportes del movimiento fueron directos o indirectos, más
allá de su apogeo en Francia y no se puede determinar a ese país solamente. Además
no fue una causa exclusiva o única para las siguientes transcendencias tales
como el fauvismo belga, fauvismo ibérico y el fauvismo húngaro respectivamente.
Hay agrupaciones de artistas que tiene una diversidad de
tipos de arte y donde generalmente toman en cuenta varios movimientos
artísticos en su manera de entender el arte por tanto no considera del todo al
fauvismo. Estos son algunos colectivos artísticos o grupos de artistas
influenciados:
•El grupo
Der Blaue Reiter (el Jinete Azul en español) este grupo tuvo muchas influencias
y entre ellas este movimiento artístico.
•El Grupo
Montparnasse, en 1922, artistas chilenos de la pintura influenciados por la
tendencia postimpresionista europea y, sobre todo, por el fauvismo
•El Puente
(Die Brücke) tuvo influencia del fovismo.129 Donde el holandés Kees Van Dongen
se unió al grupo.
•Sota de
Diamantes fue colectivo ruso cuyo interés fue el desarrollo de nuevos estilos,
a partir de sus interpretaciones de Henri Matisse y su periodo fauvista. Entre
otros movimientos y artistas.
*1: Que sobresale por sus cualidades únicas y extraordinarias
*2: Artista creador."el demiurgo dispone que sus
personajes vuelvan a vivir su propia historia y en su espacio cerrado"
Biografía
Henri Matisse:
Henri Émile Benoît Matisse Nacio en Le Cateau-Cambrésis, Norte-Paso
de Calais, 31 de diciembre de 1869. Fue un pintor francés conocido por su uso
del color y por su uso original y fluido del dibujo.Como dibujante, grabador,
escultor, pero principalmente como pintor, es reconocido ampliamente, junto con
Pablo Picasso, como uno de los grandes artistas del siglo XX.
Cursó estudios de jurisprudencia entre 1887 y
1888 en la Universidad de París, que se vieron interrumpidos por una larga y
grave enfermedad que lo retuvo en cama hacia 1890. Durante su convalecencia
empezó a pintar, y en 1891, ya recuperado, venció la oposición de sus padres y
abandonó la carrera de leyes para entrar en la Escuela Julian, donde se formó
bajo la dirección de Bouguereau.
En 1892 ingresó en el estudio de Gustave Moreau, en la
Escuela de Bellas Artes, en el que permanecería cinco años y donde conoció a
Georges Rouault y a Henri Manguin. Asistió también a los cursos nocturnos de la
Escuela de Artes Decorativas, en la que entabló amistad con Albert Marquet.
Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos
que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del
color y de la forma.
La verdadera liberación artística de Matisse, referida al
uso del color como configurador de las formas y planos espaciales, se produjo
bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista
de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. En La alegría de
vivir (1905-1906) resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de
Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será la
obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente
subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las
traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas
de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos,
que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.
La construcción con el color y la simplificación formal
dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el
color, que es el que da entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de
dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes. En su obra hay alegría,
serenidad, es un arte amable, apacible, es un camino hacia la profundidad de sí
mismo.
Recibió un reconocimiento internacional durante su vida
ganándose la aprobación de los críticos de arte y de los coleccionistas. Uno de
los encargos más importantes fue La música y La danza, donde volumen y ritmo se
conjugan armoniosamente. Usa tres colores para imprimir movimiento a los
bailarines que parecen flotar con ritmo.
Murió el 3 de Noviembre de 1954 en Niza, a la edad de
ochenta y cinco años. Su tomar el conocimiento del Neoclasicismo, Realismo, Impresionismo y Neoimpresionismo para crear un lenguaje moderno. Su mayor influencia llegó de Nicolas Poussin, Jean Siméon Chardin, Antoine Watteau, Gustave Courbet, Édouard Manet y Paul Cézanne. Aunque es uno de los fundadores del Fauvismo también logró importantes obras al margen de este. Su pintura manejó temas como la naturaleza muerta, el paisaje, el desnudo femenino y su propio entorno (el estudio). Sus obras llenas de vigor expresivo, color puro y gesto espontáneo le ganaron gran respeto y popularidad.
Fuentes: Escuelapedia.com, candelavizcaino.es, arteespana.com,
definición.de, wikipedia,el Baul de yorch.
Nació el 17 de julio de 1871 en Nueva York (Estados Unidos).Aunque Lyonel Feininger nació en Nueva York, sus padres Karl Feininger (violinista) y Elisabeth Feininger (pianista y cantante), músicos de origen alemán, quisieron que se trasladara a Hamburgo para completar su formación musical cuando tenía tan solo dieciséis años.
Feininger inició su formación en
Hamburgo, pero no tardó en cambiar de la música a las bellas artes, 1887
asistiendo a clases de dibujo y pintura en la Kunstgewerbeschule. En 1888 se
fue a vivir a Berlín y se matriculó en la Königliche Akademie, formándose con
Ernst Hancke hasta 1892. Posteriormente, durante un año, asistió a la escuela privada de arte
del escultor italiano Filippo Colarossi en París.
En 1893 Feininger regresó a Berlín, donde trabajó como ilustrador,
entre otras cosas, hasta 1906. Durante los siguientes dos años, Lyonel Feiniger
se quedó en París, donde se puso en contacto con el círculo "Café du
Dôme" de los estudiantes alemanes de Matisse y con Robert Delaunay.
1901 Feininger se casó con la pianista Clara Fürst , suhija Eleonore nació el mismo año y Marianne
en 1902.En 1905 conocería a Julia Berg,
su segunda esposa con la que 1906 viajaría a parís
En 1909, Lyonel Feininger se unió a la "Berliner Sezession",
en cuyas exposiciones Feininger participó por primera vez un año después.
Fue dibujante de tiras cómicas para revistas de humor alemanas y para
el Chicago Tribune hasta 1908.
el artista se adentró en un género entonces incipiente, del que sería
uno de sus primeros creadores: Sus viñetas fueron publicadas rápidamente,
aunque de manera puntual, en revistas americanas y alemanas. Esta actividad se
consolidaría con la firma de contratos para la revista alemana Ulk (en 1895),
Lustige Blätter [Páginas cómicas] al año siguiente, y, en 1906, el Chicago
Sunday Tribune: para este último, Feininger creó The Kin-der-Kids [Los niños
Kin-der] y Wee Willie Winkie’s World [El mundo de Willie Winkie], sus
historietas más relevantes.
Con motivo de su exposición en el "Salón de los Independientes",
el artista viajó a París en 1911, influenciado por los cubistas franceses,
principalmente por Robert Delaunay, se dedica a la pintura. Su conocimiento de
Alfred Kubin y los pintores "Brücke" Karl Schmidt-Rottluff y Erich
Heckel abrió nuevas dimensiones en sus obras en 1912. Feininger produjo sus
primeras composiciones arquitectónicas con sus típicas fragmentaciones
cubistasy en 1913, por invitación de
Franz Marc, Feininger participó en el "Erster Deutscher Herbstsalon"
en la galería "Sturm" de Herwarth Walden en Berlín, donde también
realizó su primera exposición individual en 1917.
En 1919 Walter Gropius lo invitó a formar parte de la Bauhaus para que
dirigiera el taller de grabado, en el que Feininger impartió clases hasta su
clausura por los nazis en 1932. Esta experiencia le hizo desarrollar en
profundidad la xilografía, técnica que le permitió ahondar en sus lienzos en el
juego de los distintos planos. Con la llegada del nazismo, su arte fue tachado
de ‘degenerado’.
Junto con Wassily Kandinsky, Paul Klee y Alexej von Jawlensky, Lyonel
Feininger fundó el grupo "Die Blauen Vier" en 1924.
En 1931 hubo una primera retrospectiva integral en el
"Kronprinzen-Palais" en Berlín, a donde el artista se mudó en 1933
En 1937 regresó a Estados Unidos y comenzó a trabajar el tema de los
rascacielos que habría de dominar casi toda la obra de su última época. Ese
mismo año, más de 400 de sus obras fueron confiscadas por los nazis en
Alemania. Feininger tuvo que esperar su avance como artista en los Estados
Unidos hasta 1944, cuando tuvo una exitosa retrospectiva en el Museo de Arte
Moderno de Nueva York. Desde 1945 Feininger realizó un curso de verano en el
Black Mountain College en Carolina del Norte, donde conoció a Gropius y
Einstein. En 1947 fue elegido presidente de la “Federación de Pintores y
Escultores de América” .,Como miembro de la Asociación Alemana de Artistas
Feininger 1953 participó en la tercera exposición anual en la hamburguesa
Kunsthalle, y presentado en los años siguientes hasta 1956 en Frankfurt,
Baden-Baden y Dusseldorf.
Feininger murió el 13
de enero de 1956 a la edad de 84 años en su casa deNueva York. Fue enterrado en el cementerio de
Mount Hope en Hastings-on-Hudson (Condado de Westchester, Nueva York).
Marianna vladímirovna verióvkina, su nombre en ruso, nació en tula,
rusia, el 10 de septiembre de 1860.
Su familia pertenece a la aristocracia y disfruta de una vida
acomodada.
1874 se inició en el aprendizaje del dibujo con 14 años comenzando
clases particulares en Moscú.
En 1880 entró en el taller del más famoso maestro del realismo ruso,
ilya repin.
En 1886 su padre es nombrado gobernador de la fortaleza peter and paul
y la familia se traslada a s. Petersburgo donde werefkin estudia con el pintor
ilya repin, uno de los grandes maestros del realismo ruso.
En 1888 tras un accidente de caza en el que se lesionó una de susmanos, tuvo queabandonar su apredisaje por un tiempo.
En 1892 conoce pintor alexei jawlensky, quien se convierte en su
compañero sentimental. A partir de ese momento ella abandona su propio trabajo
para iniciar un salón que rápidamente se convierte en un importante centro de intercambio
artístico concentrado en el nuevo movimiento, "el expresionismo."
En 1896, muere su padre, que le deja una muy buena pensión lo que
permite a la pareja trasladarse a munich , y a alexei jawlensky dedicarse solo
a la pintura.
Marianne von werefkin , durante 10 años se olvida de su propio trabajo
como pintora y se dedica por completo a la difusión de la obra de su compañero,
lo que le permite entrar de lleno en los círculos artística de la ciudad.
Después de una crisis privada con jawlensky que culmina con el
nacimiento de su hijo en 1902 y viajes de rehabilitación por francia, marianne
von werefkin retoma su arte en 1906 utilizando exclusivamente la témpera y el
goúache, para conseguir mayor luminosidad y transparencia.
Tras diez años sin pintar, en 1907 realizó la que sería su primera obra
expresionista, claramente influenciada por paul gauguin, louis anquetin y
edvard munch.
En 1910 se sumó al grupo nuova associazione degli artisti di monaco,
junto a jawlensky.
En 1909 fundó la neue künstlervereinigung münchen (nueva asociación de
artistas de munich, nkvm), que se convirtió en un foro de exposiciones y
reuniones donde se debatía sobre arte, a la que también perteneció franz marc.
Unos años más tarde wassily kandinsky y franz marc se distanciaron de
este grupo para fundar der blaue reiter (el jinete azul), al que se unieron
después , august macke y gabriele münter; ella misma comenzó a exponer con este
grupo en 1913.
Tras estallar la primera guerra mundial, se refugió junto a jawlensky,
en suiza, cerca de ginebra; e n 1922, la abandona jawlensky que se traslada a
alemania; ella decide quedarse definitivamente en ascona . En esta ciudad se
relacionan con los intelectuales y ocultistas que se reúnen en monte verité.
En 1924 fundó el grupo «grosser bar» (osa mayor).
En sus últimos años hubo de pintar carteles para poder subsistir,
siendo ayudada por sus amigos carmen y diego hagmann.
Murió en ascona, el 6 de febrero de 1938 a los 78 años de edad, siendo
enterrada en el cementerio ruso de esta ciudad.
fuentes. murnau,Biografías
y curiosidades en Facebook,mcnbiografias
Nació el 5 de diciembre de 1866 en Moscú. (nacionalizado
alemán y posteriormente francés), destacado pionero y teórico del arte
abstracto. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de
dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las
manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte
propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra
de Rembrandt y Monet.
Hijo de Lidia Ivánovna Tijéieva, natural de Moscú, y de
Vasili Silvéstrovich Kandinski, comerciante de té. Su abuela era alemana y por
parte paterna, pertenecía a la aristocracia mongola de la dinastía Gantimúrov.
Cursó estudios de Derecho y Ciencias económicas en la
Universidad de Moscú. Además estudió etnografía. Realizó estudios de pintura y
dibujo en Odessa.
En 1892, contrajo matrimonio con su prima Anna Chemyákina,
con quien convivió hasta 1904.
Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la
docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico
ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de Franz von Stuck y en
ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada
amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera,
y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del
postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.
Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a
Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en
Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910.
Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la
representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial,
y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la
simplificación formal.
Este descubrimiento le condujo a una experimentación
continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la
abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la
exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los
expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis
teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza
y sus formas.
Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó numerosas obras que
agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las
improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que
aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se
caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores; en
ellos todavía se percibe un poco la presencia de la realidad.
En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der
Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich.
Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho
vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual
en el arte (1910) y en el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos
y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas,
como partituras de Schönberg (Kandinsky mantuvo una constante y fructífera
relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e
infantil.
Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a
Moscú; allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del
Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917
se casó con Nina Andreievsky, y cuatro años más tarde se trasladó con ella a
Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde
continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.
La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su
obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto
compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de
su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos
circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para
la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano.
En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se
instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular
búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de
manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos
eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.
Wassily Kandinsky falleció el 13 de diciembre de 1944 en
Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.
Este pintor alemán nació el 3 de febrero d 1887 llegando a
ser uno de los miembros más sobresalientes del movimiento del expresionismo
alemán conocido como Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).
Había nacido en la localidad de Meschede, Alemania, hijo de
un próspero contratista inmobiliario August Friedrich Hermann Macke, su padre y
de María Florentine née Adolph, su madre, que provenía de una familia de
granjeros de la región de Sauerland.
Inicialmente la familia se asentó en la Brüsseler Straße,
hasta cuando August tuvo trece años de edad, cuando se trasladan a Bonn en
donde vive la mayoría de su vida, con excepción de los períodos en general
cortos que pasó en el Lago de Thun, Suiza y los pocos viajes que hizo a París,
Italia, Holanda y Túnez.
Interesado por el arte, estudia en la Academia de Bellas
Artes de Bonn y en la Escuela de Artes y Oficios de Düsseldorf.
Pasó la mayor
parte de su vida creativa en Bonn, excepto breves períodos en el Lago de Thun
(Suiza) y algunos viajes al extranjero que marcarían su desarrollo como
artista: París, Italia, Holanda y Túnez.
En parísen 1907allí entra en contacto con los impresionistas
y con los pintores Cezanne y Matisse.
En 1910, ya de regreso en Alemania y gracias a su amigo
Franz Marc, entra en contacto con Kandinsky compartiendo con él los elementos
simbólicos y místicos de la escuela de Der Blaue Reiter.
En 1911 participa en la fundación, en Munich, junto a Franz
Marc, Paul Klee, Kandinsky y Alexey von Jawlensky de la asociación
expresionista Der Blaue Reiter (El jinete azul), grupo que celebró su primera
exposición colectiva ese mismo año. Desde 1911 hasta 1913 este grupo de
creadores transforma el expresionismo alemán, convirtiéndose en una de las
corrientes artísticas más importantes del siglo XX. Su primera exposición, en
la Galería Moderna "Thannhäuser" de Múnich, dio cabida a 49 obras de
Henri Rousseau, Albert Bloch, Heinrich Campendonk, Robert Delaunay, Wassily Kandinsky
y el propio Macke, entre otros.
Dado el interés del público en este nuevo arte,
esa exposición se transformará en una muestra itinerante, recorriendo varias
ciudades, entre ellas Colonia y Berlín. La segunda exposición del grupo se
desarrolló desde el 12 de febrero hasta el 18 de marzo de 1912 en la librería y
galería de arte muniquesa "Hans Goltz". En ella se exhibieron 315
dibujos y la obra gráfica de más de 30 artistas de vanguardia.
Nuevamente en París, en 1912 Macke conoce a Robert Delaunay,
lo que será toda una revelación. El cubismo cromático del artista francés,
bautizado por Apollinaire como "orfismo", se impuso a partir de
entonces en su obra, transitando la frontera con la abstracción y perdiendo
peso progresivamente la representación de la realidad.
La última gran
convulsión en su arte tendrá lugar en 1914, cuando viaja a Túnez con Paul Klee,
que también había sido miembro del grupo Der Blaue Reiter. Esa breve estancia
en África le produce un profundo impacto por la luz y el color del paisaje, que
va a marcar las obras de su etapa final.
Poco después, el 28 de julio, estalla la Primera Guerra
Mundial y August Macke acude al frente como combatiente. Menos de dos meses
después de empezar la guerra, el 26 de septiembre, Macke muere en el frente, en
suelo francés, cerca de Perthe-les-Hurlus en la región de Champagne. (Fallece
el 26 de septiembre de 1914 a sus27
años de edad)
A pesar de haber dado su vida por Alemania en la Gran
Guerra, pocos años después el Partido Nazi incluiría sus obras en el catálogo
de "artistas degenerados", vetando sus cuadros en museos y galerías y
convirtiéndoles en objeto de burlas por su pintura de vanguardia.
Es una de las artistas plásticas más influyente del siglo
XX; fue pintora, escultora, diseñadora teatral y de vestuario, perteneciendo a
varios colectivos rupturistas y de vanguardias europeas de la pre guerra, y con
inspiraciones cubistas y futuristas, que se mezclaban con iconografías rusas.
Nació en el pueblo de Ladýzhino, cerca de Tula, Rusia en
1881.
Nacida en una familia de la alta burguesía rural y biznieta
de Alexander Pushkin, se crió en una granja de la provincia de Tula
1898: Estudió escultura en la Escuela de arte, escultura y
arquitectura de Moscú, pero comenzó a pintar en 1904. Se inspiró en los
aspectos primitivos del arte folclórico ruso e intentó reflejarlos en su propia
obra, incorporando elementos fauvistas y cubistas. Junto a Mijaíl Lariónov
desarrolló el rayonismo. Fueron los padres del avant-garde ruso
pre-revolucionario, organizando la exposición La cola del burro de 1912 y
exponiendo con Der Blaue Reiter en Múnich el mismo año.
Natalia Goncharova destacó por su liderazgo dentro de la
vanguardia rusa anterior a la
Revolución soviética y por su intensa
colaboración en la puesta en escena de los ballets de su compatriota Serguéi
Diághilev.
En el 1900 conoció a Mijaíl Lariónov y formó una relación de
por vida con él. Conoció el arte postimpresionista francés gracias a la
exposición Vellocino de Oro, de 1908, que dejó una influencia decisiva en unas
obras en las que predominaban los temas rurales rusos. En 1910 fue miembro
fundador de la Sota de Diamantes. Dos años más tarde lo abandonó junto a
Lariónov para fundar El Rabo de Burro y fue la principal protagonista de la
exposición que se celebró con este nombre. En este momento, algunas de sus
obras continuaban relacionándose directamente con el mundo de los iconos y el arte
popular ruso, mientras que en otras comenzaba a ser evidente la influencia del
cubismo y el futurismo. De ahí evolucionó al rayonismo, estilo en el que
realizó una serie de vistas de bosques en 1913. Su obra fue bien acogida por la
crítica y el público, aunque su estilo de vida, alejado de los
convencionalismos sociales, estuvo siempre acompañado de una cierta polémica.
Goncharova fue miembro del grupo avant-garde Der Blaue
Reiter desde sus comienzos en 1911.
En 1913 Goncharova protagonizó su primera gran exposición en
Moscú para la que produjo más de 800 obras.
En 1914 Goncharova participó en la puesta en escena de Le
Coq d’or de Diághilev, la primera de toda una serie de colaboraciones que
hicieron que en Francia y Occidente se la conociese principalmente como
escenógrafa. Viajó con Diághilev y Lariónov a Suiza, Italia y España, y cuando
en 1919 establecieron su residencia en París, su trabajo juntos continuó siendo
muy fructífero. La muerte de Diághilev, en 1929, supuso para ella un cierto
declive en su creatividad. Goncharova y Lariónov contrajeron matrimonio en
1955. Pocos meses antes de su muerte, acaecida en 1962, el Arts Council de
Londres organizó una exposición retrospectiva de la obra de ambos en la que se
reconocía su importancia dentro de panorama artístico ruso y europeo del siglo
XX.
Los últimos años los pasó en la pobreza y muere en París, el
17 de octubre de 1962.
Paul Klee es un artista de muy difícil catalogación,
imposible de asignar a ninguna tendencia clara ni a una escuela determinada.
Durante su juventud estuvo cercano al clima intelectual del expresionismo
alemán y su obra posterior se aproximó en algunos momentos a la abstracción
geométrica y en otros al surrealismo.
Nació cerca de Berna, en el seno de una familia de músicos, y
la música fue fundamental tanto para su vida como para su obra. Se formó
artísticamente en Múnich, donde estuvo vinculado al grupo Der Blaue Reiter (El
Jinete Azul) junto con Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke y Alexej
Jawlensky. En esta ciudad, entonces uno de los centros artísticos más
avanzados, comenzó su interés por la vanguardia internacional, que le llevó a
realizar la obligada visita a París, donde le impresionó especialmente la obra
de Robert Delaunay.
En 1914 viajó a Túnez con Macke y Louis Moilliet. Allí, la
luz del norte de África le hizo descubrir el color, que sería a partir de
entonces el motivo principal de sus investigaciones artísticas. Durante la
guerra fue movilizado, pero siguió pintando (sobre todo acuarelas) dentro de un
estilo luminoso y con un cierto aire expresionista. Entre 1921 y 1931 fue
profesor de la Bauhaus, primero en Weimar y más tarde en Dessau. Esos fueron
los años más fructíferos de su carrera artística, cuando su lenguaje pictórico
se consolidó definitivamente y su obra comenzó a ser conocida. A pesar de su
talante independiente, el tono constructivo de la Bauhaus se hizo notar en su
producción artística, especialmente en el periodo de Dessau.
En 1928 viajó a Egipto y el paisaje de ese país inspiró sus
composiciones estriadas, relacionadas con su teoría de las estructuras
horizontales y verticales, e influyó en la incorporación de jeroglíficos e
inscripciones a su pintura. De 1931 a 1933 vivió en Düsseldorf, donde trabajó
como profesor de la Akademie. Tras la llegada del nazismo, y la declaración de
su arte como degenerado, tuvo que abandonar Alemania y regresar a Berna, donde
transcurrieron los últimos años de su vida. A pesar de su pesimismo y su
debilidad física, consecuencia de una grave enfermedad que padecería en 1935,
esta etapa final fue de una intensidad creadora sin precedentes. Entonces,
quizá más que nunca, su pintura consiguió una perfecta unidad entre la vida y
el arte.
Después de la Primera Guerra Mundial, donde participó como
soldado por ser ciudadano alemán, Klee enseñó en la Escuela de la Bauhaus, y a
partir de 1931, en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, antes de ser
denunciado por los nazis por producir «arte degenerado».
En 1933 dejó la enseñanza y regresó a Berna, donde realizó una
gran exposición en la Kunsthalle (1935). En 1936 se le diagnosticó
esclerodermia, una grave enfermedad degenerativa que le acompañaría el resto de
su vida, aunque siguió trabajando a buen ritmo. En 1940 fue internado en una
clínica de Muralto-Locarno, donde falleció el 29 de junio de ese año.
Fue un pintor, grabador y diseñador alemán-holandés. de
vitrales encuadrado en el expresionismo
Nació el 3 de noviembre de 1889 en Krefeld, hijo de Heinrich
Gottfried Campendonk y de su mujer Catharina.
En 1904 terminó a los quince años sus estudios en la
Oberrealschule y se matriculó en la Fachschule für Textilkunde de Krefeld. Un
año más tarde abandonó estos estudios, se inscribió en la Handwerker- und
Kunstgewerbeschule. De entre todos los profesores que tuvo allí le impresionó
sobre todo el holandés Jan Thorn Prikker, un artista formado en el espíritu del
Jugendstil, que le descubrió el estudio de la naturaleza como fundamento de la
creación artística. Debido a la oposición de su padre, Campendonk solo pudo
continuar sus estudios hasta el verano de 1908. Durante esta etapa de formación
entabló amistad con sus compañeros de estudios Walter Giskes y Will Wieger,
pero sobre todo con Helmuth Macke, primo del pintor de Bonn, August Macke.
Durante los años 1908 y 1909 Campendonk mantuvo con estos
antiguos compañeros un estudio común en los alrededores de Krefeld. En esos
años conoció también a Heinrich Nauen, nueve años mayor que él, y a través de
Helmuth también entró en contacto con August Macke. En 1910 los problemas
económicos le llevaron a trabajar en los frescos de la catedral de Osnabrück.
Mientras tanto, August Macke se había mudado a orillas del Tegernsee y también
Helmuth Macke pasaba allí largas temporadas. Así se establecieron contactos con
la Neue Künstlervereinigung München, y con el grupo que se escindió de ella,
Der Blaue Reiter, aglutinado por Marc y Kandinsky.
En 1911 Campendonk se
instaló en Sindelsdorf (Alta Baviera), invitado por Marc. Vivió en casa de
Helmuth Macke y también conoció a Jean Bloé Niestlé, Alexej von Jawlensky,
Gabriele Münter y a Paul Klee en el círculo formado en torno a Marc y
Kandinsky. Participó en la primera exposición de Der Blaue Reiter, celebrada en
1911 en la Galerie Thannhauser de Múnich, y también estuvo presente con una
ilustración en el almanaque del mismo nombre editado en 1912. En la primavera
de ese año y tras un largo noviazgo, contrajo matrimonio con Adda Deichmann.
Aunque la obra presentada por Campendonk para la exposición
Sonderbund de Colonia celebrada en 1912 fue rechazada, en 1913 participó,
probablemente gracias a la intervención de August Macke, en la A
usstellung
Rheinischer Expressionisten de Bonn y en el Erster Deutscher Herbstsalon, en la
galería vanguardista berlinesa Der Sturm, propiedad de Herwarth Walden. Poco
después de estallar la Primera Guerra Mundial, en septiembre del mismo año
1914, perdió la vida su amigo August Macke; y Franz Marc moriría en 1916. A
partir de 1915 Campendonk fue llamado a filas en varias ocasiones pero sólo
estuvo enrolado temporalmente y no fue enviado al frente por motivos de salud.
Tras su licenciamiento del servicio militar en 1916, el
artista se instaló en Seeshaupt junto al lago de Starnberg. Su pertenencia al
Novembergruppe revolucionario berlinés fue un episodio apolítico en el marco
del proceso de formación del grupo de artistas vinculados a la Galerie Der
Sturm. Una vez terminada la guerra, Heinrich Campendonk fue alejándose cada vez
más de Herwarth Walden, que hasta entonces había sido su representante exclusivo;
en 1921 una polémica que alcanzó resonancia pública convirtió la ruptura en
algo definitivo. El artista volvió a Krefeld, su ciudad natal, donde residió de
1922 a 1932. De 1923 a 1924 trabajó como escenógrafo para el teatro de esta
localidad. En ese mismo período también ocupó durante un año el puesto de
profesor en la Kunstgewerbeschule de Essen, donde impartió la asignatura Arte
de superficies. Inmediatamente después, en 1926, fue llamado por la
Kunstakademie de Düsseldorf para suceder a Thorn Prikker. En los años
siguientes recibió numerosos encargos de vidrieras, tanto de tipo religioso
como profano. En 1932 se separó de Adda, y en 1935 volvió a casarse en segundas
nupcias con la artista flamenca Edith van Leckwyck.
Ante la difamación de que fue objeto por parte de los
nacionalsocialistas, Campendonk reaccionó emigrando. En 1933 se estableció en
el archipiélago de las Lofoten, donde recibió la noticia de la suspensión de su
puesto como profesor, a la que siguió el cese en 1934. Tras una intensa polémica
periodística, en 1935 obtuvo un puesto de profesor en la Rijksacademie van
beeldende Kunsten de Amsterdam. Como consecuencia de la entrada de las tropas
alemanas en los Países Bajos en 1940 se fue sintiendo cada vez más amenazado.
Él y su mujer consiguieron burlar una redada de la Gestapo escondiéndose dentro
de un mueble durante horas. Estos acontecimientos dejaron una honda huella en
Campendonk.
Una vez acabada la guerra, retomó su actividad como profesor
en Amsterdam. En esa época su fama crecía también en Alemania y, como
consecuencia, recibió numerosos encargos de vidrieras para edificios públicos e
iglesias. Aunque nunca llegó a dominar del todo el holandés, los esfuerzos por
lograr que regresara a Alemania fueron infructuosos. Un año después de ser
nombrado caballero de la orden De Neederlandse Leeuw Campendonk murió en
Amsterdam el 9 de mayo de 1957.
De origen ruso, Alexej von Jawlensky desarrolló la mayor
parte de su carrera artística en Alemania, donde colaboraría estrechamente con
su compatriota Wassily Kandinsky y otros artistas alemanes. Su llegada a Múnich
tuvo lugar en 1896, cuando, desilusionado con los métodos de enseñanza de la
Academia de San Petersburgo, se trasladó hasta allí para continuar su formación
como pintor. Asistió a las clases de Anton Azˇbé y fue en su escuela donde, en
1907, conoció a Kandinsky, que se convertiría en su amigo y colaborador
artístico. En 1905 realizó su primer viaje a Francia, donde se familiarizó con
las obras de Paul Gauguin y Vincent van Gogh. Asimismo tuvo la oportunidad de
conocer a Henri Matisse y la obra de los pintores fauves, junto a los que
expondría en el Salon d’Automne de ese mismo año. Tras su regreso a Múnich,
pasó varios veranos en Murnau junto a Kandinsky, Gabriele Münter y Marianne von
Werefkin, pintora rusa con la que Jawlensky había llegado a Alemania. Con ellos
creó en 1909 la Neue Künstlervereinigung de Múnich, en la que permanecería
hasta 1912, fecha en la que se unió al grupo expresionista Der Blaue Reiter (El
Jinete Azul). Como a la mayoría de sus colegas de Múnich, el sentido musical
del color y una concepción mística inspirada en la teosofía marcaron el destino
espiritual y artístico de Jawslensky. En 1917 comenzó su conocida serie Cabezas
místicas, y al año siguiente Cabezas abstractas, en las que se combinan las
notas fauvistas y expresionistas con la tradición y espiritualidad del arte ruso.
Tras la Primera Guerra Mundial, durante la que se vio
obligado a emigrar a Suiza, se estableció en Wiesbaden. Con Paul Klee, Lyonel
Feininger y Wassily Kandinsky formó el grupo Die Blaue Vier (Los Cuatro Azules)
en 1924 y expuso junto a ellos en numerosas ocasiones en América y Europa.
Desde finales de la década de 1920, Jawlensky sufrió una fuerte artritis que
fue restringiendo su movilidad hasta impedirle completamente continuar
pintando. En 1938 comenzó a dictar sus memorias. Murió en Wiesbaden, Alemania,
el 15 de marzo de 1941
Fallece: El 10 de mayo de 1964 (82 años) en Fontenay-aux-Roses, Francia
Destacado representante de la vanguardia rusa anterior a la Primera
Guerra Mundial
Transcurre su juventud en Moldavia en casa de sus abuelos donde la
belleza natural de los paisajes que le rodeantiene un papel significativo en su arte.
Estudia en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú
(1898-1910).
Mijaíl Lariónov fue, junto a Natalia Goncharova, el iniciador del
rayonismo, un estilo no figurativo relacionado estrechamente con el futurismo
italiano. Se formó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú,
donde conoció a Goncharova, a la que permanecería unido durante toda su vida.
Él y Natalya Goncharova, se hacen amigos de Konstantin Korovin cuando
éste toma el cargo de profesor en esta escuela en 1902. La enseñanza de Korovin
cobra inmediatamente una importancia capital para el joven pintor. En 1903, Larionov
se relaciona con Sergei Diaghilev, cuando una importante exposición del trabajo
de Charles Rennie Mac Kintosh ; nace entonces una amistad muy fuerte y
relaciones profesionales muy estrechas entre los dos hombres.
En 1908 colaboró en la preparación de la exposición Vellocino de Oro,
donde las obras postimpresionistas y fauvistas francesas despertaron su
interés. El estilo de Lariónov cambió para dar prioridad a los colores intensos
y la pincelada gruesa, algo que poco más tarde utilizaría como herramienta para
crear un arte neoprimitivista.
En 1910 fue miembro fundador de la Sota de
Diamantes, que abandonó para crear El Rabo de Burro en 1912. Por estas fechas,
en las que comenzó a relacionarse con la vanguardia literaria del país, realizó
sus primeras composiciones rayonistas y redactó tres manifiestos en los que
exponía sus teorías sobre este movimiento, Tambien estápresente en la Exposición de Der Blue Reiter
(Munich, 1912).Inspirado por el Futurismo, en 1913, Larionov y Goncharova crean
lo que puede considerarse como la primera escuela rusa original de pintura
no-objetiva, el Rayonismo. Larionov elabora su manifiesto que se publicará en
1914.
En 1914 visitó París para asistir al estreno del ballet Le Coq d’or, de
Serguéi Diághilev, para el que Goncharova había realizado la puesta en escena.
Junto a ella comenzó a colaborar con Diághilev y viajaron con su compañía a
Suiza, España e Italia en 1916.
En 1919 se instaló definitivamente en París. Durante los años
siguientes continuó su colaboración con Diághilev y fue, como ya había sido en
Rusia, el representante de Goncharova. Tras la muerte de Diághilev en 1929,
Lariónov volvió a retomar la pintura figurativa al óleo de manera más intensa.
Sus últimos años estuvieron marcados por las dificultades económicas y
una precaria salud. Paralelamente, una serie de exposiciones contribuyeron al
reconocimiento del importante papel representado por él y su eterna compañera
Goncharova en el desarrollo de la vanguardia del siglo XX. Finalmente, en 1955,
ambos se casaron, y en 1964, dos años después de la muerte de Goncharova y
pocos meses antes su propia muerte, volvió a contraer matrimonio con Alexandra
Tomilina.
Larionov está llamado a la guerra pero él considerará siempre que ésta
le hizo perder parte de su creatividad y perturbó para siempre su vida
artística. Sin embargo seguirá ofreciendo su contribución a la pintura, a las
artes gráficas y al mundo del teatro. Publicará sus propios escritos, ilustrará
todavía numerosas obras.
Mikhail Larionov muere en Francia (Paris) en 1964, sólo dos años tras la desaparición de Goncharova.