Bioarte o Bio-Art es una de las más recientes corrientes desarrolladas por el arte contemporáneo. Tiene la particularidad de asumir a la biotecnología como un medio. Cultivo de tejidos vivos, genética, transformaciones morfológicas, construccionesbiomecánicas son algunas de las técnicas utilizadas por los artistas del bio-art, planteando cuestiones éticas y sociales al desarrollo en biotecnología. Ésta experimentación puede implicar al propio cuerpo de los artistas (cultivos en la piel, transfusiones de sangre animal), encarnando, a menudo, ellos mismos los tradicionales miedos y esperanzas asociados a estas tecnologías. Existe cierto debate por la inclusión de obras que no trabajen con técnicas sobre tejido vivo en la corriente del bio-art. Las obras que participan del bio-art deberían ser reconocidas en la medida en que reflejen un nivel de crítica o comenten la relación problemática existente entre la sociedad y el desarrollo en biotecnología.
GeorgeGessert es considerado por muchos como un importante iniciador del movimiento bio-art. Eduardo Kac es otro de los iniciadores de la corriente y de su trabajo con seres vivos el más conocido es el del conejo Alba, trabajo en la que, mediante la manipulación genética del animal, se le cambia el color. El SymbioticA es un grupo fundado por OronCatts y IonattZurr , con base en la escuela de anatomía y biología humana de la UniversityofWestern Australia. Ellos suelen usar tejidos vivos como formas escultóricas, comprometiendo en las obras juicios éticos, a menudo de manera controvertida. JoeDavis trabaja en MIT y, con la colaboración de científicos, produjo várias exposiciones.
A unque desde mi punto de vista artística y muy PERSONAL me parece algo atrayente, también esta en que tanto nosotros los artistas entramos a transgredir las leyes naturales de la vida, no es lo mismo darle o manipular materiales inerte, a jugar a ser un mini dios y jugar un rato con seres vivos, en contré este articulo que me parece muy interesante.
El Tachismo (Tachisme, derivado de la palabra francesa tache - mancha) fue un estilo de pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto.
Partenece al movimiento mas amplio del Informalismo (Art informel). Un otro nombre del Tachisme (similar a la action painting) es abstraction lyrique (relacionado con la abstracción lírica estadounidense). Los artistas del Grupo Cobra y del japonés Gutai también están relacionados con el tachismo.Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo. Algunos de sus miembros eran:
Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicholas de Stael, Hans Hartung, Serge Poliakoff, y Georges Mathieu, el término tachismo «se usó por primera vez en este sentido alrededor de 1951 (se ha atribuido la acuñación del término a los críticos franceses Charles Estienne y Pierre Guéguen) y circuló ampliamente a partir del libro del pintor y crítico francés Michel Tapié Un Art autre (1952.» Tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea, goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo, y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía.
CARACTERISTICAS DEL MOVIMIENTO
- Pintura abstracta no geométrica ni constructivista. - Carácter gestual-informal marcadamente expresivo. - En cierta medida evoca la realidad, pero atenuada por la expresión de la línea y el color (carácter lírico). - Utilización de signos abstractos o arabescos hallados libremente que recuerdan caligrafías o pinturas orientales (Hartung). - Empleo de manchas o borrones (taches) creados espontáneamente (Mathieu). - Libertad de esquemas. - En general, color limitado, casi acromático. - Realización impulsiva, totalmente espontánea. - Ausencia de planificación reflexiva previa
ARTS AND CRAFTS
El movimiento Arts and Crafts (Artes y oficios) surgio como escuela artistica en Inglaterra en 1880 y se desarrolló en el Reino Unido y en los Estados Unidos durante los últimos años del siglo XIX y en los comienzos del siglo XX. Floreció entre 1880 y 1910,y su influencia llega hasta la década de 1930.
El movimiento defendía la verdad a los materiales y técnicas artesanales tradicionales utilizando formas simples y estilos a menudo medievales, románticos o de folklóricos de decoración. También propuso la reforma económica y social y ha sido visto como esencialmente anti-industrial. La figura central en el movimiento fue William Morris (activista). Sus ideas emergieron de la Hermandad Prerrafaelita, del que había sido una parte y de su lectura de Ruskin. En 1861 Morris y sus amigos fundaron una compañía, Morris, Marshall, Faulkner & co., que, bajo la supervisión de los interlocutores, diseñados y fabricados de objetos decorativos para el hogar, incluyendo papel tapiz, textiles, muebles y vidrieras. Más tarde se fue reconstituido como co & de Morris En 1890 Morris configurar la Kelmscott Press, para la cual diseñó un tipo de letra basado en formularios de carta de Nicolas Jenson del siglo XV. El movimiento revaloró, en plena época victoriana, los oficios medievales, con lo cual reivindicó la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas, y constituyó sobre todo un arte decorativo. Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia sobre la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines. En los Estados Unidos se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Craftsman o estilo Craftsman para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau (el modernismo) y el art decó, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925. Sostenía que cada objeto debería tener o retomar algo del pasado, pero dándole un sentido elegante.
Principios del Movimiento: El movimiento comenzó como una búsqueda de auténtico diseño y decoración y una reacción contra los estilos que se habían desarrollado fuera de producción de la máquina.Objetos de Artes y oficios son simples en forma, sin decoración superflua, a menudo mostrando la forma en que se ponen juntos. Siguieron la idea de "verdad al material", preservando y haciendo hincapié en las cualidades de los materiales utilizados. A menudo tenían patrones inspirados por la flora británica y fauna y se basó en las tradiciones vernáculas, o domésticas, de la campiña británica. Varios fabricantes de diseñador configuración de talleres en las zonas rurales y revivieron técnicas antiguas. Ellos fueron influenciados por el neogótico (1830–1880) y estaban interesados en todas las cosas medievales, utilizando negritas de formas y colores fuertes basados en diseños medievales. Creían en el propósito moral de arte. Verdad material, la estructura y la función también había sido defendida por A.W.N. Pugin (1812–1852), un exponente principal del neogótico.
Principios Sociales: El movimiento fue influenciado por la crítica social de Ruskin, que intentó relacionar la salud moral y social de una nación a las cualidades de su arquitectura y diseño. La máquina en la raíz de muchos males sociales y que una sociedad saludable dependía de trabajadores calificados y creativos, pensó Ruskin. Como Ruskin, artes y oficios artistas tienden a oponerse a la división del trabajo y a preferir la producción artesanal, en el que el elemento todo fue hecho y montado por un grupo pequeño o individual. Les preocupados el declive de artesanías rurales, que acompañó el auge de la industria, y lamentaron la pérdida de los conocimientos tradicionales y la creatividad.
El Superflat es un movimiento artístico posmoderno fundado por el artista Takashi Murakami, quien está influenciado por el manga y anime. Este movimiento proporciona una interpretación "exterior" a la cultura popular japonesa de la post-guerra a través de los ojos de la subcultura otaku.
Además de Murakami, entre los artistas cuyos trabajos son considerados "superplanos" se encuentran Chiho Aoshima, Mahomi Kunikata, Yoshitomo Nara y Aya Takano. Además, algunos animadores de anime y algunos mangaka son considerados superplanos, especialmente Koji Morimoto (y la mayoría de los trabajos de su estudio Studio 4°C), y el trabajo de Hitoshi Tomizawa, autor de Alien 9 y Milk Closet.
Murakami define el "Superflat" en términos generales, aunque los temas tocados son muy diversos. A menudo los trabajos hacen una mirada crítica al consumismo y el fetichismo sexual que prevaleció tras la occidentalización de la cultura japonesa tras la post-guerra. Uno de los objetivos de crítica es el estilo loli-con, satirizado en trabajos como los de Henmaru Machino. Estos trabajos son una exploración de la sexualidad otaku mediante imágenes grotescas o distorsionadas. Otros trabajos están más relacionados con el Síndrome de Peter Pan (miedo a madurar). Por ejemplo, los trabajos de Yoshitomo Nara suelen incluir graffiti en obras de ukiyo-e japonés antiguo realizadas de una manera infantil. Otros trabajos se enfocan en la estructura y los deseos subyacentes que abarcan la cultura otaku y la cultura de la post-guerra japonesa en general.
El movimiento Supports-surfaces (expresión francesa, literalmente, apoyos-superficies) es un movimiento pictórico que surgió en Francia en 1966, siendo uno de los grupos fundadores del arte contemporáneo francés, dedicado a la pintura y la escultura. El término supports-surfaces fue propuesto en 1970 por Vincent Bioulès. Otros nombres con los que es conocida esta tendencia es Nuevo Reduccionismo (o Reducionismo) y Pintura Neorreduccionista (o Neoreducionista)
El movimiento En junio de 1969, en una exposición en el museo de Havre titulada «La peinture en question» (La pintura en cuestión), Vincent Bioulès, Louis Cane, Marc Devade, Daniel Dezeuze, Noël Dolla, Jean-Pierre Pincemin, Patrick Saytour, André Valensi y Claude Viallat declaran: « El objeto de la pintura, es la propia pintura y los cuadros expuestos sólo se producen beneficio a ellos mismos. No apelan a ninguna «otra parte» (la personalidad del artista, su biografía, la historia del arte, por ejemplo). No ofrecen escapatoria, ya que la superficie, por las rupturas de formas y colores que se operan allí, prohíben las proyecciones mentales o las divagaciones oníricas del espectador. La pintura es un hecho en sí y es sobre su terreno que se deben plantear los problemas.
El grupo «Supports-surfaces» fue un movimiento efímero: La primera exposición del grupo tuvo lugar en 1969 en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París. Agrupa artistas que favorecen la práctica de la pintura que interroga sus componentes elementales. Cuestionando los medios ilustrados tradicionales, estos artistas asocian a esta investigación una reflexión teórica y un posicionamiento político en el seno de la revista «Peinture-cahiers théoriques». Aparecieron disensiones entre los miembros del grupo y la escisión llega a 1972. Puede decirse que Supports-surfaces representa el último, aunque tardío, movimiento de vanguardia francés, en la historia de la modernidad y cierra definitivamente este ciclo.
El estilo Este movimiento no se caracteriza por un estilo particular sino más bien por un planteamiento que concede una importancia igual a los materiales, a los gestos creativos y a la obra acabada. El tema pasa a un segundo plano. Más allá de esta fase de mezcla de ideas, cada artista evolucionó en direcciones que van de la Figuración Libre al expresionismo abstracto. Desde 1966 se cuestiona el bastidor tradicional: Buraglio recupera pedazos de tela y elementos de ventana que arma.
El grupo «Supports-surfaces» reunió oficialmente a doce pintores o escultores, la mayor parte originarios del sur de Francia:
es un movimiento artístico italiano de la postmodernidad. El término fue acuñado en 1979 por el crítico italiano Achille Bonito Oliva, para una serie de pintores italianos. Nació en los años de los ochenta, en contraposición al arte povera, movimiento anterior de moda hasta entonces en Italia. La transvanguardia teorizaba el regreso a la alegría y a los colores de la pintura después de algunos años de dominación del arte conceptual. El movimiento tuvo como protagonistas a un quinteto de artistas:
Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Nicola De Maria y Mimmo Paladino. Aparte puede mencionarse al artista griego Jannis Kounellis. Los transvanguardistas se caracterizan por un eclecticismo subjetivo, en el que los artistas vuelven a un lenguaje pictórico clásico. Recurren a temas mitológicos clásicos como el minotauro o el cíclope y a temas heroicos con gran expresividad cromática. Otra de sus características es el "nomadismo", el artista es libre para transitar en cualquier época o estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores. Realizan obras generalmente figurativas, con referencias iconográficas, con gusto por lo fragmentario (fragmentos de obras del pasado). Su principal influencia viene del Manierismo, así como del Renacimiento y el Barroco. Aunque rechazan la vanguardia, toman elementos de artistas del siglo, principalmente de las vanguardia históricas. El resultado es una mezcla indiscriminada de temas y estilos ("pastiche"). El artista transvanguardista destaca por su individualismo, al contrario que la vanguardia ellos no quieren influir en la sociedad ni provocar una transformación del arte.
Movimiento estético e ideológico desarrollado en Italia en torno a 1920 y caracterizado ante todo por su voluntad de entroncar algunas de las novedades formales contemporáneas con el pasado nacional. Se trata de una actitud destinada a construir un lenguaje clasicista, de ahí que la ambigüedad, el contrasentido y la heterogeneidad sean sus constantes básicas más relevantes, por cuanto intentó conjugar lo tradicional con lo moderno en nombre de conceptos tan vagos como la intemporalidad de la belleza, alegando un entronque con el arte italiano de los siglos XIV y XV. Se encuentra vinculado a la revista del mismo nombre, fundada en Roma en noviembre de 1918, en cuyo primer número se recogen varios artículos de De Chirico, Carrá y Sabino, en los que se definía la estética del arte metafísico. En el interior del país es uno de los pocos órganos que bajo el régimen fascista informó al público italiano de las tendencias de la época. Uno de los números publicados en 1919 está dedicado a la obra de los cubistas, pero la línea fundamental de la revista propugna una vuelta a la tradición clásica italiana del naturalismo, especialmente al quattrocento, mientras que se critica a los movimientos de la vanguardia europea por renunciar a dicha tradición, abriendo con ello camino al novecento. grupo Novecento fue un colectivo heterogéneo de artistas provenientes del futurismo y la metafísica, fundado sobre postulados fascistas, que, como Valori Plastici, había pretendido ser nacional y moderno al mismo tiempo, y había asimilado los aspectos más racionales y constructivos del arte europeo del siglo XX para su programa de “retorno al orden” y de reconstrucción nacional tras la Gran Guerra. El arte de este grupo que obtiene a la vez subsidios de toda clase y pedidos del Estado se vuelve pronto emblemático del arte fascista.
Movimiento artístico de vanguardia originado justo antes de la I Guerra Mundial en Gran Bretaña. La figura central del movimiento es Wyndham Lewis que edita su revista Blast y más tarde afirma: el vorticismo fue (...) lo que yo personalmente hice y dije en un determinado período. Los vorticistas están claramente influidos por el cubismo y por el futurismo; ejemplo de ello son las pinturas geométricas de Lewis y de Bonberg, en las cuales predomina la marca del cubismo y de Cézanne frente al futurismo.
El nombre del movimiento es acuñado por el poeta Ezra Pound, posiblemente en referencia a la afirmación de Boccioni de que toda obra de arte debía originarse en un estado de vorágine (vortex) emocional. El manifiesto del movimiento se publica en el número uno de Blast un año antes de su primera exposición en Inglaterra (Dore Galery, Londres, 1915), y la primera exposición en el exterior se lleva a cabo en el Penguin Club de Nueva York en 1917, el mismo año de la disolución del movimiento. Sin embargo, aunque de corta vida, tuvo gran importancia por tratarse del primer movimiento organizado hacia la abstracción en el arte inglés y posteriormente ejerce una influencia considerable en el desarrollo del arte moderno británico.
LOS ARTISTAS
Los Pintores Además de Lewis, las principales figuras relacionadas con el movimiento fueron William Roberts, Edward Wadsworth, David Bomberg , Frederick Etchells ,Cuthbert Hamilton, Lawrence Atkinson ,CRW Nevinson
los escultores Jacob Epstein , Henri Gaudier-Brzeska.
artistas femeninas Jessica Dismorr, y Helen Saunders relacionadas con el grupo que en aquella época eran descritas como vorticistas, aunque se ha señalado que debido al sexismo del mundo artístico de aquella época, ninguna de las dos fue tomada en cuenta por la crítica. El fotógrafo Alvin Langdon-Coburn expuso Vortographes (vortografías) en Inglaterra 1917 , fotografías de vanguardia que contribuyeron al desarrollo del formalismo y el modernismo en fotografía.
N.O: The rock drill 1913-al 1915
Comparemo
Revista BLAST
Portada del ejemplar de 1915
Los vorticistas publicaron un periódico, BLAST, que editaba Lewis. Contenía la obra de Ezra Pound y T. S. Eliot así como de los propios vorticistas. El carácter aventurero de su tipografía fue mencionado por El Lissitzky como uno de los principales precursores de la revolución en el diseño gráfico de los años veinte y treinta.
Desaparición y legado Los vorticistas celebraron sólo una exposición, en 1915, en la Galería Doré. Después de ella el movimiento se rompió, en gran medida debido al comienzo de la Primera Guerra Mundial y la apatía del público hacia su obra. Gaudier-Brzeska murió en el servicio militar mientras que figuras destacadas como Epstein se distanciaron estilísticamente de Lewis. Intentos de reavivar el movimiento en los años 1920 con el nombre de Group X no tuvieron éxito. Generalmente se ve a Lewis como la figura central del movimiento. Una exposición de 1956 en la Tate Gallery se tituló Wyndham Lewis and the Vorticists, subrayando su destacado lugar dentro del movimiento. Esto enojó a otros miembros del grupo. David Bomberg y William Roberts protestaron fuertemente ante la afirmación de Lewis, que se imprimió en el catálogo de la exposición: «El vorticismo, de hecho, fue lo que yo, personalmente, hice, y dije, en una época determinada».
