RAÍCES ANCESTRALES

Cascada / Foto Arat

Con este nombre referenciamos la muestra del artista Efraín Rengifo, que cuenta con 68 obras que retratan la cotidianidad, las costumbres y la riqueza de nuestra cultura rural.  La exposición ocupa dos pisos del instituto de cultura de Cajicá (Cundinamarca).

Rengifo nace en 1967  en Venadillo, Tolima, Colombia, comienza a recibir sus primeras clases de dibujo por correspondencia. Su educación teórica es principalmente autodidacta. Las influencias para sus creaciones provienen de experiencias en pequeñas localidades, ferias y celebraciones, así como de las duras tareas de su infancia en el campo y de una adolescencia ingenua. Sus trabajos reflejan claramente la esencia de su "Arte Ingenuo".

El primitivismo artístico, que también se conoce como arte naïf o arte ingenuo, es un que se distingue por su apariencia infantil, tonos vivos, formas sencillas y la ausencia de perspectiva. Este movimiento toma inspiración de la cultura popular, los íconos, los signos comerciales y las tradiciones rurales.

El primitivismo artístico se caracteriza por:

Ingenuidad: las obras suelen ser creadas por artistas autodidactas, sin formación académica, que expresan su visión del mundo de forma espontánea e intuitiva.

Simplicidad: Las formas son simples, con un enfoque mínimo en la perspectiva y la anatomía, lo que otorga a las obras un aire infantil.

Colores vivos: Se utilizan colores brillantes y llamativos para crear un efecto visual impactante. Temáticas cotidianas: Las obras ilustran frecuentemente escenas de la vida diaria, la naturaleza y el entorno rural.

El primitivismo artístico se ve como un movimiento que desafiaba las reglas y estándares del arte occidental, buscando autenticidad y espontaneidad en la manera de crear.

La forma: La pintura ingenua es derroche de colores, simplificación de imágenes, anulación de perspectivas, recuadros de Gauguin, retratos populares.

Los cultivadores de este género son casi siempre personas sencillas, autodidactas, entregadas a su arte con franqueza, con amor, con dedicación.

Que sea este el momento para hacer un reconocimiento público a esta expresión no valorada suficientemente en muestro medio, tal vez por su misma sencillez, reconocida y aclamada en otros países.

Barrio Belén Bogotá 1985

Reconociendo Arroz 

NAUM GABO

Naum Gabo comenzó a pintar y dibujar en 1907; en 1910, tras una breve estancia en Berlín, se instaló en Munich, donde se matriculó en la Facultad de Medicina y posteriormente en la de Ciencias Naturales e Ingeniería; asistió además a los cursos de historia del arte de Heinrich Wölfflin y conoció la obra de Wilhelm Worringer. En 1912 visitó a su hermano, Antoine Pevsner, en París, y al año siguiente entró en contacto con los expresionistas del Blaue Reiter en Munich (Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee). Pasó los años de la Primera Guerra Mundial en Oslo, donde se reunió de nuevo con su hermano; juntos realizaron sus primeras construcciones y a partir de entonces sus carreras se desarrollaron en paralelo.

Regresó a Rusia al estallar la Revolución de Octubre y se instaló en Moscú, compartiendo taller con Pevsner; mantuvo contactos con Kandinsky, Kazimir Malevich y Vladimir Tatlin, en un período de grandes discusiones teóricas. En 1920 realizó sus primeras construcciones cinéticas y redactó, con Antoine Pevsner, el Manifiesto Realista. En 1922 se le permitió abandonar Rusia y se instaló en Berlín, donde participó en la Primera Exposición de Arte Ruso, organizada por el gobierno soviético en la galería Van Diemen. En los dos años siguientes mantuvo contactos con la Bauhaus de Weimar, que le invitó a pronunciar conferencias y a colaborar en la revista.

En 1924 tuvo lugar en la galería Percier de París la exposición Constructivistas Rusos: Gabo y Pevsner. Pinturas y Construcciones. Al año siguiente formó parte del comité director del Grupo de Noviembre. Instalado en París desde 1932, se unió al grupo Abstracción-Creación, del que también formaban parte Piet Mondrian y el escultor Jean Arp. En 1939 se trasladó a Londres y participó en la exposición Abstract Art of Gabo, Pevsner, Mondrian and Domela en el Wadsworth Atheneum en Hartford (Estados Unidos), y en la muestra Cubism and Abstract Art, organizada por el Museo de Arte Moderno de Nueva York; en 1939 su obra estuvo presente en Réalités Nouvelles en París. En 1946 abandonó Londres; desde entonces vivió en los Estados Unidos, hasta su fallecimiento en Waterbury en 1977.

La obra de Naum Gabo se caracteriza por una constante investigación espacial llevada a cabo de forma científica; se interesa por los nuevos materiales industriales, en especial los transparentes, que le permiten construir superficies regladas y desarrollables, elementos que materializan ecuaciones matemáticas tridimensionales y exploran el espacio entendido en su sentido metafísico.

inf:biografiasyvidas.com

Foto: sculptureinternationalrotterdam

TIEMPO, ESPACIO Y MEMORIA

Con este nombre el artista caldense David Manzur a sus 92 año de edad inaugura  una muestra en la galería Duque Arango en la ciudad de Medellín a partir de este 14 de julio. la muestra cuenta con 32 de sus obras y estará en exhibición  durante cuatro meses.

Son 70 años de trabajo  del artista que la Galería Duque Arango se propuso  recopilar al  contactar los coleccionistas para el préstamo de las obras, recopilando series como Las Ciudades Oxidadas, Los Caballos, Las Meninas, instrumentos musicales y naturalezas muertas.

David Manzur

Nombre Completo: David de la Trinidad Manzur Londoño.                                Nació en Neira, Caldas, Colombia. Hijo del comerciante libanés Salomón Manzur y la colombiana Cecilia Londoño Botero. Pasó su niñez y adolescencia en Bata, Guinea Ecuatorial, en donde nacieron sus hermanos, en las Islas Canarias y Sevilla, España. Estando en África y Europa vivió la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial.

Al regresar a Colombia en 1947 se estableció en Bogotá, donde comenzó sus estudios de artes plásticas, música y declamación. Además, tuvo una corta y exitosa carrera en el teatro.10​

Estudió en la Liga de estudiantes de arte de Nueva York. Además, fue becario de la Fundación Guggenheim y de la Organización de Estados Americanos.10​

Durante su estancia en Estados Unidos fue asistente de Naum Gabo, escultor ruso del movimiento constructivista y pionero del arte cinético. El Constructivismo sería una parte importante de la obra de Manzur durante los años 1960 y 70.​

Al regresar de nuevo a Colombia fundó el taller David Manzur, que funcionó durante más de 20 años, y donde formó varias generaciones de artistas por medio de audiovisuales e información sobre arte clásico y contemporáneo.

Ellos dos |Mixta sobre lienzo | 40 x 50 cm | 2013 

LUIS TOMASELLO

Lumière noire No. 980 , 2011, Acrílico sobre madera

Pintor y escultor Reconocido como el maestro argentino del arte cinético.            Nace en La Plata, provincia de Buenos Aires, el 29 de nov de 1995 Fallece en parís ,Francia el 17 de enero de 2014 a sus 98 años de edad. 

Nacido en una familia italiana radicada en la plata (argentina). Comenzó sus estudios artísticos tomando clases nocturnas de dibujo en su adolescencia antes de unirse a la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en Buenos Aires desde 1932 hasta 1938. 

Dos años más tarde, se matriculó en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova, donde estudió hasta 1944. A mediados de la década de 1940, los jóvenes artistas en Buenos Aires estaban desafiando las tradiciones de representación en el arte. Tomasello conoció durante este tiempo a los pintores Emilio Pettoruti y Carmelo Arden Quin, dos importantes figuras de la vanguardia argentina.

En 1951, Tomasello viajó a París por primera vez; se trasladó definitivamente a París en 1957, uniéndose allí a una gran y dinámica comunidad expatriada de artistas cinéticos latinoamericanos. Muchos de estos artistas comenzaron a realizar trabajos abstractos constructivistas y luego pasaron al arte cinético y óptico a mediados de la década de 1950 y principios de la de 1960. Tomasello es conocido internacionalmente por sus Atmospheres chromoplastiques , en los que posa cubos blancos sobre un fondo blanco para interactuar con los colores de las sombras y la luz reflejada. Además de exhibir extensamente a nivel internacional, Tomasello ha completado numerosas comisiones de arte público a gran escala en Argentina, Francia, México y los Estados Unidos. 

Fuentes :sicardi.com

GRAU, SUEÑOS DE BAHÍA GRANDE

Por. Tito Aillón Tovar

Este es el  nombre con el cual  el  escultor Bogotano Maquiamelo  realiza un homenaje  con una obra de su autoría al artista  Enrique Grau Araujo, sumándose  así a la celebración del centenario de nacimiento  del artista.

“Grau, sueños de Bahía Grande”  fue donada a la Casa Museo Grau por el escultor como un homenaje sentido para con el maestro Grau, la obra es una porcelana y oro del rostro del  maestro. La idea de la pieza se comenzó a gestar durante la estadía de Maquiamelo en Turín (Italia) en el 2019 y se terminó de concebir en el 2020  después estudiar fotografías de archivo e imágenes del maestro.

Maquiamelo  me da su  apreciación: “la  obra nos deja ver a un Grau soñador, donde lo divino está  representado  en la mitad  dorada en oro y  el blanco brillante de la  porcelana que nos habla del alma y espíritu del Maestro Grau”

Como aporte  más personal  hacia su creación el artista representa el amor de Grau por  Cartagena. Un caracol encontrado por el escultor Bogotano en  "playa escondida" en Barú un par de  años atrás, al cual le saca un molde y lo vacía en oro  aparece en la pieza y termina siendo el hilo conductor entre el maestro Grau , sus queridas  playas y su mar añorado. Allí donde su ojo culto encontró arte en las razas, en lo cotidiano  y en lo autóctono de su Cartagena.

Imagenes facilitada por el artista para Ensambles1966t.

Ficha técnica

Título: Grau, Sueños de Bahía Grande

Dimensiones: 20 x 12,9 x 12,9 cms

Materiales: Porcelana y oro

Edición 1 de 2  
Año: 2020

Debido  a la coyuntura que nos apremia por estos días  la casa museo grau  invitan a  personas a que aprecien  la escultura homenaje del Maestro  en su   página oficial  www.museocasagrau.com  y sus redes sociales  o en la página oficial del artista Maquiamelo: www.maquiamelo.com

LYONEL FEININGER

Nació el 17 de julio de 1871 en Nueva York (Estados Unidos).Aunque Lyonel Feininger nació en Nueva York, sus padres Karl Feininger (violinista) y Elisabeth Feininger (pianista y cantante), músicos de origen alemán, quisieron que se trasladara a Hamburgo para completar su formación musical cuando tenía tan solo dieciséis años.

Feininger inició su formación en Hamburgo, pero no tardó en cambiar de la música a las bellas artes, 1887 asistiendo a clases de dibujo y pintura en la Kunstgewerbeschule. En 1888 se fue a vivir a Berlín y se matriculó en la Königliche Akademie, formándose con Ernst Hancke hasta 1892. Posteriormente, durante un año, asistió a la escuela privada de arte del escultor italiano Filippo Colarossi en París.

En 1893 Feininger regresó a Berlín, donde trabajó como ilustrador, entre otras cosas, hasta 1906. Durante los siguientes dos años, Lyonel Feiniger se quedó en París, donde se puso en contacto con el círculo "Café du Dôme" de los estudiantes alemanes de Matisse y con Robert Delaunay.

1901 Feininger se casó con la pianista Clara Fürst , su  hija Eleonore nació el mismo año y Marianne en 1902.  En 1905 conocería a Julia Berg, su segunda esposa con la que 1906 viajaría a parís

En 1909, Lyonel Feininger se unió a la "Berliner Sezession", en cuyas exposiciones Feininger participó por primera vez un año después.

Fue dibujante de tiras cómicas para revistas de humor alemanas y para el Chicago Tribune hasta 1908.

el artista se adentró en un género entonces incipiente, del que sería uno de sus primeros creadores: Sus viñetas fueron publicadas rápidamente, aunque de manera puntual, en revistas americanas y alemanas. Esta actividad se consolidaría con la firma de contratos para la revista alemana Ulk (en 1895), Lustige Blätter [Páginas cómicas] al año siguiente, y, en 1906, el Chicago Sunday Tribune: para este último, Feininger creó The Kin-der-Kids [Los niños Kin-der] y Wee Willie Winkie’s World [El mundo de Willie Winkie], sus historietas más relevantes.

Con motivo de su exposición en el "Salón de los Independientes", el artista viajó a París en 1911, influenciado por los cubistas franceses, principalmente por Robert Delaunay, se dedica a la pintura. Su conocimiento de Alfred Kubin y los pintores "Brücke" Karl Schmidt-Rottluff y Erich Heckel abrió nuevas dimensiones en sus obras en 1912. Feininger produjo sus primeras composiciones arquitectónicas con sus típicas fragmentaciones cubistas  y en 1913, por invitación de Franz Marc, Feininger participó en el "Erster Deutscher Herbstsalon" en la galería "Sturm" de Herwarth Walden en Berlín, donde también realizó su primera exposición individual en 1917.

En 1919 Walter Gropius lo invitó a formar parte de la Bauhaus para que dirigiera el taller de grabado, en el que Feininger impartió clases hasta su clausura por los nazis en 1932. Esta experiencia le hizo desarrollar en profundidad la xilografía, técnica que le permitió ahondar en sus lienzos en el juego de los distintos planos. Con la llegada del nazismo, su arte fue tachado de ‘degenerado’.

Junto con Wassily Kandinsky, Paul Klee y Alexej von Jawlensky, Lyonel Feininger fundó el grupo "Die Blauen Vier" en 1924.

En 1931 hubo una primera retrospectiva integral en el "Kronprinzen-Palais" en Berlín, a donde el artista se mudó en 1933

En 1937 regresó a Estados Unidos y comenzó a trabajar el tema de los rascacielos que habría de dominar casi toda la obra de su última época. Ese mismo año, más de 400 de sus obras fueron confiscadas por los nazis en Alemania. Feininger tuvo que esperar su avance como artista en los Estados Unidos hasta 1944, cuando tuvo una exitosa retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Desde 1945 Feininger realizó un curso de verano en el Black Mountain College en Carolina del Norte, donde conoció a Gropius y Einstein. En 1947 fue elegido presidente de la “Federación de Pintores y Escultores de América” .,Como miembro de la Asociación Alemana de Artistas Feininger 1953 participó en la tercera exposición anual en la hamburguesa Kunsthalle, y presentado en los años siguientes hasta 1956 en Frankfurt, Baden-Baden y Dusseldorf.

Feininger murió el 13 de enero de 1956 a la edad de 84 años en su casa de  Nueva York. Fue enterrado en el cementerio de Mount Hope en Hastings-on-Hudson (Condado de Westchester, Nueva York).

fuentes:

buscabiografias.com, elmundo.es, lyonel-feininger.com

MARIANNE VON WEREFKIN

Marianna vladímirovna verióvkina, su nombre en ruso, nació en tula, rusia, el 10 de septiembre de 1860.

Su familia pertenece a la aristocracia y disfruta de una vida acomodada.

1874 se inició en el aprendizaje del dibujo con 14 años comenzando clases particulares en Moscú.

En 1880 entró en el taller del más famoso maestro del realismo ruso, ilya repin.

En 1886 su padre es nombrado gobernador de la fortaleza peter and paul y la familia se traslada a s. Petersburgo donde werefkin estudia con el pintor ilya repin, uno de los grandes maestros del realismo ruso.

En 1888 tras un accidente de caza en el que se lesionó una de sus  manos, tuvo que  abandonar su apredisaje por un tiempo.

En 1892 conoce pintor alexei jawlensky, quien se convierte en su compañero sentimental. A partir de ese momento ella abandona su propio trabajo para iniciar un salón que rápidamente se convierte en un importante centro de intercambio artístico concentrado en el nuevo movimiento, "el expresionismo."

En 1896, muere su padre, que le deja una muy buena pensión lo que permite a la pareja trasladarse a munich , y a alexei jawlensky dedicarse solo a la pintura.

Marianne von werefkin , durante 10 años se olvida de su propio trabajo como pintora y se dedica por completo a la difusión de la obra de su compañero, lo que le permite entrar de lleno en los círculos artística de la ciudad.

Después de una crisis privada con jawlensky que culmina con el nacimiento de su hijo en 1902 y viajes de rehabilitación por francia, marianne von werefkin retoma su arte en 1906 utilizando exclusivamente la témpera y el goúache, para conseguir mayor luminosidad y transparencia.

Tras diez años sin pintar, en 1907 realizó la que sería su primera obra expresionista, claramente influenciada por paul gauguin, louis anquetin y edvard munch.

En 1910 se sumó al grupo nuova associazione degli artisti di monaco, junto a jawlensky.

En 1909 fundó la neue künstlervereinigung münchen (nueva asociación de artistas de munich, nkvm), que se convirtió en un foro de exposiciones y reuniones donde se debatía sobre arte, a la que también perteneció franz marc.

Unos años más tarde wassily kandinsky y franz marc se distanciaron de este grupo para fundar der blaue reiter (el jinete azul), al que se unieron después , august macke y gabriele münter; ella misma comenzó a exponer con este grupo en 1913.

Tras estallar la primera guerra mundial, se refugió junto a jawlensky, en suiza, cerca de ginebra; e n 1922, la abandona jawlensky que se traslada a alemania; ella decide quedarse definitivamente en ascona . En esta ciudad se relacionan con los intelectuales y ocultistas que se reúnen en monte verité.

En 1924 fundó el grupo «grosser bar» (osa mayor).

En sus últimos años hubo de pintar carteles para poder subsistir, siendo ayudada por sus amigos carmen y diego hagmann.

Murió en ascona, el 6 de febrero de 1938 a los 78 años de edad, siendo enterrada en el cementerio ruso de esta ciudad.

fuentes. murnau,Biografías y curiosidades en Facebook,mcnbiografias

VASILI VASÍLIEVICH KANDINSKI

Nació el 5 de diciembre de 1866 en Moscú. (nacionalizado alemán y posteriormente francés), destacado pionero y teórico del arte abstracto. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.

Hijo de Lidia Ivánovna Tijéieva, natural de Moscú, y de Vasili Silvéstrovich Kandinski, comerciante de té. Su abuela era alemana y por parte paterna, pertenecía a la aristocracia mongola de la dinastía Gantimúrov.

Cursó estudios de Derecho y Ciencias económicas en la Universidad de Moscú. Además estudió etnografía. Realizó estudios de pintura y dibujo en Odessa.

En 1892, contrajo matrimonio con su prima Anna Chemyákina, con quien convivió hasta 1904.

Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de Franz von Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.

Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial, y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.

Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.

Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores; en ellos todavía se percibe un poco la presencia de la realidad.

En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y en el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg (Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e infantil.

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú; allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky, y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.

La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano.

En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.

Wassily Kandinsky falleció el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.

www.wikiart.org, biografiasyvidas.com, buscabiografias.com, todocuadros.es, youtube.

AUGUST MACKE

Este pintor alemán nació el 3 de febrero d 1887 llegando a ser uno de los miembros más sobresalientes del movimiento del expresionismo alemán conocido como Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).

Había nacido en la localidad de Meschede, Alemania, hijo de un próspero contratista inmobiliario August Friedrich Hermann Macke, su padre y de María Florentine née Adolph, su madre, que provenía de una familia de granjeros de la región de Sauerland.

Inicialmente la familia se asentó en la Brüsseler Straße, hasta cuando August tuvo trece años de edad, cuando se trasladan a Bonn en donde vive la mayoría de su vida, con excepción de los períodos en general cortos que pasó en el Lago de Thun, Suiza y los pocos viajes que hizo a París, Italia, Holanda y Túnez.

Interesado por el arte, estudia en la Academia de Bellas Artes de Bonn y en la Escuela de Artes y Oficios de Düsseldorf. 

Pasó la mayor parte de su vida creativa en Bonn, excepto breves períodos en el Lago de Thun (Suiza) y algunos viajes al extranjero que marcarían su desarrollo como artista: París, Italia, Holanda y Túnez.

En parís  en 1907  allí entra en contacto con los impresionistas y con los pintores Cezanne y Matisse.

En 1910, ya de regreso en Alemania y gracias a su amigo Franz Marc, entra en contacto con Kandinsky compartiendo con él los elementos simbólicos y místicos de la escuela de Der Blaue Reiter.

En 1911 participa en la fundación, en Munich, junto a Franz Marc, Paul Klee, Kandinsky y Alexey von Jawlensky de la asociación expresionista Der Blaue Reiter (El jinete azul), grupo que celebró su primera exposición colectiva ese mismo año. Desde 1911 hasta 1913 este grupo de creadores transforma el expresionismo alemán, convirtiéndose en una de las corrientes artísticas más importantes del siglo XX. Su primera exposición, en la Galería Moderna "Thannhäuser" de Múnich, dio cabida a 49 obras de Henri Rousseau, Albert Bloch, Heinrich Campendonk, Robert Delaunay, Wassily Kandinsky y el propio Macke, entre otros. 

Dado el interés del público en este nuevo arte, esa exposición se transformará en una muestra itinerante, recorriendo varias ciudades, entre ellas Colonia y Berlín. La segunda exposición del grupo se desarrolló desde el 12 de febrero hasta el 18 de marzo de 1912 en la librería y galería de arte muniquesa "Hans Goltz". En ella se exhibieron 315 dibujos y la obra gráfica de más de 30 artistas de vanguardia.

Nuevamente en París, en 1912 Macke conoce a Robert Delaunay, lo que será toda una revelación. El cubismo cromático del artista francés, bautizado por Apollinaire como "orfismo", se impuso a partir de entonces en su obra, transitando la frontera con la abstracción y perdiendo peso progresivamente la representación de la realidad. 

La última gran convulsión en su arte tendrá lugar en 1914, cuando viaja a Túnez con Paul Klee, que también había sido miembro del grupo Der Blaue Reiter. Esa breve estancia en África le produce un profundo impacto por la luz y el color del paisaje, que va a marcar las obras de su etapa final.

Poco después, el 28 de julio, estalla la Primera Guerra Mundial y August Macke acude al frente como combatiente. Menos de dos meses después de empezar la guerra, el 26 de septiembre, Macke muere en el frente, en suelo francés, cerca de Perthe-les-Hurlus en la región de Champagne. (Fallece el 26 de septiembre de 1914 a sus  27 años de edad)

A pesar de haber dado su vida por Alemania en la Gran Guerra, pocos años después el Partido Nazi incluiría sus obras en el catálogo de "artistas degenerados", vetando sus cuadros en museos y galerías y convirtiéndoles en objeto de burlas por su pintura de vanguardia.

Fuentes: lasegundaguerra, cuadrosfamosos.es, historia-art, youtube, commons.wikimedia

NATALIA GONCHAROVA

Es una de las artistas plásticas más influyente del siglo XX; fue pintora, escultora, diseñadora teatral y de vestuario, perteneciendo a varios colectivos rupturistas y de vanguardias europeas de la pre guerra, y con inspiraciones cubistas y futuristas, que se mezclaban con iconografías rusas.

Nació en el pueblo de Ladýzhino, cerca de Tula, Rusia en 1881.

Nacida en una familia de la alta burguesía rural y biznieta de Alexander Pushkin, se crió en una granja de la provincia de Tula

1898: Estudió escultura en la Escuela de arte, escultura y arquitectura de Moscú, pero comenzó a pintar en 1904. Se inspiró en los aspectos primitivos del arte folclórico ruso e intentó reflejarlos en su propia obra, incorporando elementos fauvistas y cubistas. Junto a Mijaíl Lariónov desarrolló el rayonismo. Fueron los padres del avant-garde ruso pre-revolucionario, organizando la exposición La cola del burro de 1912 y exponiendo con Der Blaue Reiter en Múnich el mismo año.

Natalia Goncharova destacó por su liderazgo dentro de la vanguardia rusa anterior a la 

Revolución soviética y por su intensa colaboración en la puesta en escena de los ballets de su compatriota Serguéi Diághilev.

En el 1900 conoció a Mijaíl Lariónov y formó una relación de por vida con él. Conoció el arte postimpresionista francés gracias a la exposición Vellocino de Oro, de 1908, que dejó una influencia decisiva en unas obras en las que predominaban los temas rurales rusos. En 1910 fue miembro fundador de la Sota de Diamantes. Dos años más tarde lo abandonó junto a Lariónov para fundar El Rabo de Burro y fue la principal protagonista de la exposición que se celebró con este nombre. En este momento, algunas de sus obras continuaban relacionándose directamente con el mundo de los iconos y el arte popular ruso, mientras que en otras comenzaba a ser evidente la influencia del cubismo y el futurismo. De ahí evolucionó al rayonismo, estilo en el que realizó una serie de vistas de bosques en 1913. Su obra fue bien acogida por la crítica y el público, aunque su estilo de vida, alejado de los convencionalismos sociales, estuvo siempre acompañado de una cierta polémica.

Goncharova fue miembro del grupo avant-garde Der Blaue Reiter desde sus comienzos en 1911.

En 1913 Goncharova protagonizó su primera gran exposición en Moscú para la que produjo más de 800 obras.

En 1914 Goncharova participó en la puesta en escena de Le Coq d’or de Diághilev, la primera de toda una serie de colaboraciones que hicieron que en Francia y Occidente se la conociese principalmente como escenógrafa. Viajó con Diághilev y Lariónov a Suiza, Italia y España, y cuando en 1919 establecieron su residencia en París, su trabajo juntos continuó siendo muy fructífero. La muerte de Diághilev, en 1929, supuso para ella un cierto declive en su creatividad. Goncharova y Lariónov contrajeron matrimonio en 1955. Pocos meses antes de su muerte, acaecida en 1962, el Arts Council de Londres organizó una exposición retrospectiva de la obra de ambos en la que se reconocía su importancia dentro de panorama artístico ruso y europeo del siglo XX.

Los últimos años los pasó en la pobreza y muere en París, el 17 de octubre de 1962.

fuente: museothyssen.org, Wikipedia,la esttrella.com,youtube

PAUL KLEE

Nace en Münchenbuchsee, 1879 suiza

Paul Klee es un artista de muy difícil catalogación, imposible de asignar a ninguna tendencia clara ni a una escuela determinada. Durante su juventud estuvo cercano al clima intelectual del expresionismo alemán y su obra posterior se aproximó en algunos momentos a la abstracción geométrica y en otros al surrealismo.

Nació cerca de Berna, en el seno de una familia de músicos, y la música fue fundamental tanto para su vida como para su obra. Se formó artísticamente en Múnich, donde estuvo vinculado al grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) junto con Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke y Alexej Jawlensky. En esta ciudad, entonces uno de los centros artísticos más avanzados, comenzó su interés por la vanguardia internacional, que le llevó a realizar la obligada visita a París, donde le impresionó especialmente la obra de Robert Delaunay.

En 1914 viajó a Túnez con Macke y Louis Moilliet. Allí, la luz del norte de África le hizo descubrir el color, que sería a partir de entonces el motivo principal de sus investigaciones artísticas. Durante la guerra fue movilizado, pero siguió pintando (sobre todo acuarelas) dentro de un estilo luminoso y con un cierto aire expresionista. Entre 1921 y 1931 fue profesor de la Bauhaus, primero en Weimar y más tarde en Dessau. Esos fueron los años más fructíferos de su carrera artística, cuando su lenguaje pictórico se consolidó definitivamente y su obra comenzó a ser conocida. A pesar de su talante independiente, el tono constructivo de la Bauhaus se hizo notar en su producción artística, especialmente en el periodo de Dessau.

En 1928 viajó a Egipto y el paisaje de ese país inspiró sus composiciones estriadas, relacionadas con su teoría de las estructuras horizontales y verticales, e influyó en la incorporación de jeroglíficos e inscripciones a su pintura. De 1931 a 1933 vivió en Düsseldorf, donde trabajó como profesor de la Akademie. Tras la llegada del nazismo, y la declaración de su arte como degenerado, tuvo que abandonar Alemania y regresar a Berna, donde transcurrieron los últimos años de su vida. A pesar de su pesimismo y su debilidad física, consecuencia de una grave enfermedad que padecería en 1935, esta etapa final fue de una intensidad creadora sin precedentes. Entonces, quizá más que nunca, su pintura consiguió una perfecta unidad entre la vida y el arte.

Después de la Primera Guerra Mundial, donde participó como soldado por ser ciudadano alemán, Klee enseñó en la Escuela de la Bauhaus, y a partir de 1931, en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, antes de ser denunciado por los nazis por producir «arte degenerado».

En 1933 dejó la enseñanza y regresó a Berna, donde realizó una gran exposición en la Kunsthalle (1935). En 1936 se le diagnosticó esclerodermia, una grave enfermedad degenerativa que le acompañaría el resto de su vida, aunque siguió trabajando a buen ritmo. 

En 1940 fue internado en una clínica de Muralto-Locarno, donde falleció el 29 de junio de ese año.

HEINRICH CAMPENDONK

Krefeld, 1889-Amsterdam, 1957

Fue un pintor, grabador y diseñador alemán-holandés. de vitrales encuadrado en el expresionismo

Nació el 3 de noviembre de 1889 en Krefeld, hijo de Heinrich Gottfried Campendonk y de su mujer Catharina.

En 1904 terminó a los quince años sus estudios en la Oberrealschule y se matriculó en la Fachschule für Textilkunde de Krefeld. Un año más tarde abandonó estos estudios, se inscribió en la Handwerker- und Kunstgewerbeschule. De entre todos los profesores que tuvo allí le impresionó sobre todo el holandés Jan Thorn Prikker, un artista formado en el espíritu del Jugendstil, que le descubrió el estudio de la naturaleza como fundamento de la creación artística. Debido a la oposición de su padre, Campendonk solo pudo continuar sus estudios hasta el verano de 1908. Durante esta etapa de formación entabló amistad con sus compañeros de estudios Walter Giskes y Will Wieger, pero sobre todo con Helmuth Macke, primo del pintor de Bonn, August Macke.

Durante los años 1908 y 1909 Campendonk mantuvo con estos antiguos compañeros un estudio común en los alrededores de Krefeld. En esos años conoció también a Heinrich Nauen, nueve años mayor que él, y a través de Helmuth también entró en contacto con August Macke. En 1910 los problemas económicos le llevaron a trabajar en los frescos de la catedral de Osnabrück. Mientras tanto, August Macke se había mudado a orillas del Tegernsee y también Helmuth Macke pasaba allí largas temporadas. Así se establecieron contactos con la Neue Künstlervereinigung München, y con el grupo que se escindió de ella, Der Blaue Reiter, aglutinado por Marc y Kandinsky. 

En 1911 Campendonk se instaló en Sindelsdorf (Alta Baviera), invitado por Marc. Vivió en casa de Helmuth Macke y también conoció a Jean Bloé Niestlé, Alexej von Jawlensky, Gabriele Münter y a Paul Klee en el círculo formado en torno a Marc y Kandinsky. Participó en la primera exposición de Der Blaue Reiter, celebrada en 1911 en la Galerie Thannhauser de Múnich, y también estuvo presente con una ilustración en el almanaque del mismo nombre editado en 1912. En la primavera de ese año y tras un largo noviazgo, contrajo matrimonio con Adda Deichmann.

Aunque la obra presentada por Campendonk para la exposición Sonderbund de Colonia celebrada en 1912 fue rechazada, en 1913 participó, probablemente gracias a la intervención de August Macke, en la A usstellung Rheinischer Expressionisten de Bonn y en el Erster Deutscher Herbstsalon, en la galería vanguardista berlinesa Der Sturm, propiedad de Herwarth Walden. Poco después de estallar la Primera Guerra Mundial, en septiembre del mismo año 1914, perdió la vida su amigo August Macke; y Franz Marc moriría en 1916. A partir de 1915 Campendonk fue llamado a filas en varias ocasiones pero sólo estuvo enrolado temporalmente y no fue enviado al frente por motivos de salud.

Tras su licenciamiento del servicio militar en 1916, el artista se instaló en Seeshaupt junto al lago de Starnberg. Su pertenencia al Novembergruppe revolucionario berlinés fue un episodio apolítico en el marco del proceso de formación del grupo de artistas vinculados a la Galerie Der Sturm. Una vez terminada la guerra, Heinrich Campendonk fue alejándose cada vez más de Herwarth Walden, que hasta entonces había sido su representante exclusivo; en 1921 una polémica que alcanzó resonancia pública convirtió la ruptura en algo definitivo. El artista volvió a Krefeld, su ciudad natal, donde residió de 1922 a 1932. De 1923 a 1924 trabajó como escenógrafo para el teatro de esta localidad. En ese mismo período también ocupó durante un año el puesto de profesor en la Kunstgewerbeschule de Essen, donde impartió la asignatura Arte de superficies. Inmediatamente después, en 1926, fue llamado por la Kunstakademie de Düsseldorf para suceder a Thorn Prikker. En los años siguientes recibió numerosos encargos de vidrieras, tanto de tipo religioso como profano. En 1932 se separó de Adda, y en 1935 volvió a casarse en segundas nupcias con la artista flamenca Edith van Leckwyck.

Ante la difamación de que fue objeto por parte de los nacionalsocialistas, Campendonk reaccionó emigrando. En 1933 se estableció en el archipiélago de las Lofoten, donde recibió la noticia de la suspensión de su puesto como profesor, a la que siguió el cese en 1934. Tras una intensa polémica periodística, en 1935 obtuvo un puesto de profesor en la Rijksacademie van beeldende Kunsten de Amsterdam. Como consecuencia de la entrada de las tropas alemanas en los Países Bajos en 1940 se fue sintiendo cada vez más amenazado. Él y su mujer consiguieron burlar una redada de la Gestapo escondiéndose dentro de un mueble durante horas. Estos acontecimientos dejaron una honda huella en Campendonk.

Una vez acabada la guerra, retomó su actividad como profesor en Amsterdam. En esa época su fama crecía también en Alemania y, como consecuencia, recibió numerosos encargos de vidrieras para edificios públicos e iglesias. Aunque nunca llegó a dominar del todo el holandés, los esfuerzos por lograr que regresara a Alemania fueron infructuosos. Un año después de ser nombrado caballero de la orden De Neederlandse Leeuw Campendonk murió en Amsterdam el 9 de mayo de 1957.

Fuentes: es.findagrave.com/, epdlp.com, Wikipedia, museothyssen.org, YouTube

ALEXEJ VON JAWLENSKY

Torsok, 1864-Wiesbaden, 1941

De origen ruso, Alexej von Jawlensky desarrolló la mayor parte de su carrera artística en Alemania, donde colaboraría estrechamente con su compatriota Wassily Kandinsky y otros artistas alemanes. 

Su llegada a Múnich tuvo lugar en 1896, cuando, desilusionado con los métodos de enseñanza de la Academia de San Petersburgo, se trasladó hasta allí para continuar su formación como pintor. Asistió a las clases de Anton Azˇbé y fue en su escuela donde, en 1907, conoció a Kandinsky, que se convertiría en su amigo y colaborador artístico. En 1905 realizó su primer viaje a Francia, donde se familiarizó con las obras de Paul Gauguin y Vincent van Gogh. 

Asimismo tuvo la oportunidad de conocer a Henri Matisse y la obra de los pintores fauves, junto a los que expondría en el Salon d’Automne de ese mismo año. Tras su regreso a Múnich, pasó varios veranos en Murnau junto a Kandinsky, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin, pintora rusa con la que Jawlensky había llegado a Alemania. Con ellos creó en 1909 la Neue Künstlervereinigung de Múnich, en la que permanecería hasta 1912, fecha en la que se unió al grupo expresionista Der Blaue Reiter (El Jinete Azul). Como a la mayoría de sus colegas de Múnich, el sentido musical del color y una concepción mística inspirada en la teosofía marcaron el destino espiritual y artístico de Jawslensky. 

En 1917 comenzó su conocida serie Cabezas místicas, y al año siguiente Cabezas abstractas, en las que se combinan las notas fauvistas y expresionistas con la tradición y espiritualidad del arte ruso.

Tras la Primera Guerra Mundial, durante la que se vio obligado a emigrar a Suiza, se estableció en Wiesbaden. Con Paul Klee, Lyonel Feininger y Wassily Kandinsky formó el grupo Die Blaue Vier (Los Cuatro Azules) en 1924 y expuso junto a ellos en numerosas ocasiones en América y Europa. Desde finales de la década de 1920, Jawlensky sufrió una fuerte artritis que fue restringiendo su movilidad hasta impedirle completamente continuar pintando. En 1938 comenzó a dictar sus memorias. Murió en Wiesbaden, Alemania, el 15 de marzo de 1941

Fuentes: es.findagrave.com/, epdlp.com, Wikipedia, museothyssen.org, YouTube

MIJAÍL LARIÓNOV

Nace en Tiraspol (Rusia, Moldavia) en 1881.

Fallece: El 10 de mayo de 1964 (82 años) en Fontenay-aux-Roses, Francia

Destacado representante de la vanguardia rusa anterior a la Primera Guerra Mundial

Transcurre su juventud en Moldavia en casa de sus abuelos donde la belleza natural de los paisajes que le rodean  tiene un papel significativo en su arte.

Estudia en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú (1898-1910).

Mijaíl Lariónov fue, junto a Natalia Goncharova, el iniciador del rayonismo, un estilo no figurativo relacionado estrechamente con el futurismo italiano. Se formó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, donde conoció a Goncharova, a la que permanecería unido durante toda su vida.

Él y Natalya Goncharova, se hacen amigos de Konstantin Korovin cuando éste toma el cargo de profesor en esta escuela en 1902. La enseñanza de Korovin cobra inmediatamente una importancia capital para el joven pintor. En 1903, Larionov se relaciona con Sergei Diaghilev, cuando una importante exposición del trabajo de Charles Rennie Mac Kintosh ; nace entonces una amistad muy fuerte y relaciones profesionales muy estrechas entre los dos hombres.

En 1908 colaboró en la preparación de la exposición Vellocino de Oro, donde las obras postimpresionistas y fauvistas francesas despertaron su interés. El estilo de Lariónov cambió para dar prioridad a los colores intensos y la pincelada gruesa, algo que poco más tarde utilizaría como herramienta para crear un arte neoprimitivista. 

En 1910 fue miembro fundador de la Sota de Diamantes, que abandonó para crear El Rabo de Burro en 1912. Por estas fechas, en las que comenzó a relacionarse con la vanguardia literaria del país, realizó sus primeras composiciones rayonistas y redactó tres manifiestos en los que exponía sus teorías sobre este movimiento, Tambien está  presente en la Exposición de Der Blue Reiter (Munich, 1912).Inspirado por el Futurismo, en 1913, Larionov y Goncharova crean lo que puede considerarse como la primera escuela rusa original de pintura no-objetiva, el Rayonismo. Larionov elabora su manifiesto que se publicará en 1914.

En 1914 visitó París para asistir al estreno del ballet Le Coq d’or, de Serguéi Diághilev, para el que Goncharova había realizado la puesta en escena. Junto a ella comenzó a colaborar con Diághilev y viajaron con su compañía a Suiza, España e Italia en 1916.

En 1919 se instaló definitivamente en París. Durante los años siguientes continuó su colaboración con Diághilev y fue, como ya había sido en Rusia, el representante de Goncharova. Tras la muerte de Diághilev en 1929, Lariónov volvió a retomar la pintura figurativa al óleo de manera más intensa.

Sus últimos años estuvieron marcados por las dificultades económicas y una precaria salud. Paralelamente, una serie de exposiciones contribuyeron al reconocimiento del importante papel representado por él y su eterna compañera Goncharova en el desarrollo de la vanguardia del siglo XX. Finalmente, en 1955, ambos se casaron, y en 1964, dos años después de la muerte de Goncharova y pocos meses antes su propia muerte, volvió a contraer matrimonio con Alexandra Tomilina.

Larionov está llamado a la guerra pero él considerará siempre que ésta le hizo perder parte de su creatividad y perturbó para siempre su vida artística. Sin embargo seguirá ofreciendo su contribución a la pintura, a las artes gráficas y al mundo del teatro. Publicará sus propios escritos, ilustrará todavía numerosas obras.

Mikhail Larionov muere en Francia (Paris) en 1964, sólo dos años tras la desaparición de Goncharova.

fuentes: epdlp.com, Wikipedia, museothyssen.org, youtube

GABRIELE MÜNTER

Gabriele Münter fue una de las pocas figuras femeninas vinculadas al desarrollo del expresionismo alemán. Alumna, colaboradora y compañera sentimental de Wassily Kandinsky durante los años previos a la Primera Guerra Mundial, participó activamente en diversos movimientos artísticos muniqueses como Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).

Se formó en la Malschule für Damen, la escuela de dibujo para mujeres de Düsseldorf, en 1897 y después, en 1901, en la escuela Phalanx, donde tuvo como maestro a Kandinsky. Junto a él visitó Túnez, Bélgica, Italia y Austria, para volver a Berlín en 1908 y establecerse finalmente en Múnich. 

En 1909 compró una casa en el pueblo bávaro de Murnau, que se convirtió, los veranos siguientes, en punto de encuentro con Kandinsky, Alexej von Jawlensky y Marianne Werefkin. En Murnau el arte de Münter evolucionó hacia la simplificación de la forma, influida por las experiencias de sus compañeros y por el descubrimiento de las pinturas sobre cristal típicas de esa zona de Baviera.

Tras participar durante 1909 y 1910 en las exposiciones de la Neue Künstlervereinigung de Múnich, abandonó esta asociación a la vez que Kandinsky y Franz Marc para participar en las exposiciones y la creación del almanaque de Der Blaue Reiter. En 1914, con motivo del comienzo de la Primera Guerra Mundial, Münter se trasladó con Kandinsky a Suiza y después, ya en solitario, a Copenhague.

La relación con Kandinsky finalizaría poco después. Concluida la guerra, Münter regresó a Murnau que sería desde entonces su lugar de residencia.

Desde la ventana de Griesbraeu

En 1927 conoció al filósofo e historiador del arte Johannes Eichner, al que permaneció unida hasta la muerte de éste. Cuando tras la Segunda Guerra Mundial surgió un renovado interés por el expresionismo alemán, se comenzó a reivindicar la relevancia de esta artista. Artísticamente, Münter comenzó a desarrollar un estilo abstracto propio, con brillantes colores sin mezclar, formas fuertes, todo delineado por oscuras líneas de separación. Se convirtió en miembro fundadora de la Neue Künstlervereinigung München (Nueva unión de artistas de Múnich) iniciada por Kandinsky y que incluía el núcleo de los artistas del Blaue Reiter.

En 1937, Münter tenía organizada una exposición en la Asociación de Arte de Munich, pero su contenido expresionista era considerado por los nazis como “arte degenerado” (como la mayor parte de manifestaciones artísticas de vanguardia) por lo que la exposición fue clausurada por las autoridades. Desde entonces, Gabriele estuvo en el punto de mira de los nazis, por lo que decide retirarse de la vida pública.

Pero Gabriele Münter va a ser protagonista de un episodio que salvará el legado incalculable de algunos de sus colegas frente al fanatismo nazi, convirtiéndola en heroína al poner en peligro su vida.

Durante la persecución nazi a los artistas de vanguardia, Gabriele escondió en su casa de Murnau más de 80 pinturas y unos 300 dibujos de Kandinsky y otros miembros de Der Blaue Reiter (que había conservado durante años), además de obras propias, salvándolas de la destrucción nazi. A pesar de que su casa fue registrada en varias ocasiones, nunca consiguieron localizarlas.

Gabriele Münter decidió en 1957 regalar todas estas pinturas, que había protegido incluso arriesgando su propia vida, a la ciudad de Munich, y donde ahora son exhibidas en el célebre museo alemán Lenbachhaus donde se muestra lo mejor del arte impresionista mundial.

Su casa en Munrau es hoy en día también en un importante museo. 

Numerosas exposiciones y premios siguieron después de la guerra (por ejemplo, el premio cultural de la ciudad de Munich de 1956).

El 19 de mayo de 1962 Gabriele Münter fallecía en su hogar de Murnau am Staffelsee, el que fuera centro del arte expresionista durante sus años gloriosos. A pesar de que la obra de Gabriele estuvo siempre eclipsada por la de Kandinsky y otros grandes pintores de su tiempo, poco a poco ha ido recuperando el lugar que se merece en el mundo del arte.

Fuentes: ecured.cu, lembranzas1.blogspot.com, wikipedia,  museothyssen.org, artycultura.net/