ESCULTURA EN MI CIUDAD /PARTE 5

Plaza de banderas del barrio minuto de Barrio minuto de Dios

EL AYER : en el año 2009 fueron restauradas 26 esculturas ubicadas en el barrio minuto de Dios en la ciudad de Bogota , Perteneciente a la coleccion del museo de arte comtemporaneo de dicho barrio ,obras que han sido donadas al pasar de los años por los artistas o particulares. 

en el año 2008 una propuesta presetada para la "recuperación de las esculturas ", realizada por la corporación uniminuto a través del museo de arte contemporáneo (mac), ganó la convocatoria 2008 a apoyos concertados para la conservación y restauración de bienes muebles, abierta por el instituto distrital de patrimonio cultural.

El proyecto conto con la suma de 50 millones de pesos para cristalizar su propuesta, que consistió en restaurar y reubicar en la plaza de banderas del barrio minuto de dios, al noroccidente de Bogotá, 26 esculturas de artistas plásticos.

Para el 1 de septiembre del año 2009 dando apertura al Mes del Patrimonio, en una ceremonia en la que estuvieron presentes Samuel Moreno Rojas- Alcalde Mayor de Bogotá, Catalina Ramírez Vallejo- Secretaria de Cultura, Recreación y Deporte, y Gabriel Pardo- director del Instituto de Patrimonio Cultural. se entregaron las obras .
Adicionalmente, se realizó un homenaje al fallecido padre cucuteño Rafael García-Herreros, por su natalicio número 100; y se recordó que fue gracias a este hombre de Dios que se levantó la primera piedra del barrio Minuto de Dios.

EL HOY :a un año y cuatro mese de la restauración de las obras; Ayer 4 de enero del 2011, en las horas de la tarde visite el barrio minuto de Dios para poder tener un soporte para esta nota , me encontré con que en general las obras se encuentran bien , con algunos recuerdos de la falta de cultura de los ciudadanos para con las obras , también la muestra de la inclemencia de este fuerte invierno que vivimos en Colombia :
- las placas placas informativas tienes muestra de la filtración del agua y escritos
- la placa de la es escultura la familia fue retirada
- dos obras tiene también tienen escritos , muestras de la indecencia de nuestro habitantes para con el patrimonio cultural de la ciudad
- la obra ventana al infinito tiene una perforación
bueno pero en general la visita fue muy satisfactoria los dejo con algo de la información acerca de las obras:

SIGNO ENCUENTRO

Material: mural en ladrillo cocido, 

Dimensiones: 270x272 cms, Año: 1986

OBRA SIN TITULO

Relieve mural ensamblado, 

Dimensiones: 245x423x 8,5 cms

Año: 1985, Autor: maría teresa pardo, 

Nace en Bogota 1954,

Estudio en la universidad nacional

OBELISCO

Material: hierro soldado y pintado

Dimensiones: 535x60x54 cms

Año 1974

Autor: Carlos rojas

1933 nació en facatativá, Cundinamarca.

Sin Nombre 

Dimensiones por modulo: 126 x 26x 45 cms

Año 2004Autor:
Raul alvarez Escultor Autodidacta 

"COMPOSICIÓN”

Material: lámina de hierro pintado, Dimensiones: 76x 127x40 cms, Año: 1986

Autor: Luis Eduardo Urueta ( 1940 -2006 usa)

Estudios

1960 realiza investigaciones técnicas de escultura en metal con el apoyo del taller Rodolfo Levy, Bogotá.

1963 / 64 metalmecánica en el centro nacional de aprendizaje Sena, Bogotá.

1970 / 74 artes plásticas, Bogotá.

PERFIL INTERIOR

Material: lamina de hierro oxidado, Dimensiones: 197x 100x 100 cms,Año: 1999

Autor: duván lópez yepez

Quimbaya, quindío colombia 1954

Autodidacta

"SÍSIFO"

Autor: nadin ospina nacido en bogota 1960

PIERNA

Autor: Jorge hanna

Obra que se configura como un homenaje 
a quien fuera su compañera, fanny mikey. Su verticalidad evoca la danza y la armonía.

TUERCA DE ESPIRAL

Material: fundición en bronce

Dimensiones: 100x 40x 50 cms

Año: 2001

Autor: jim amaral

PORFIDOS

Autor: Hugo zapata

Material: talla en basalto

Dimensiones: dimensiones variables

Nace en tebaida, Quindío en 1945

Estudia artes plástica en la universidad de Antioquia

Arquitecto de la universidad nacional de Medellín

SIGNOS CETENARIO
Autor: Manuel Hernández

Material: cemento y granito

Dimensiones: 140 x 140 x 40

Biografía:

SEMBRAR MIRADAS

Material: lámina de hierro

Dimensiones: 330 x 130 x 60 cms

Esta obra fue realizada por la donación que realizaron hanoj y mina perez

Autor: cesar padilla

Nace en Bogotá en 1959

Estudio: escuela distrital de artes plástica

FAMILIA

Material: estructura en hierro y recubierta de cemento

Autor: fue fabricada por el taller escultórico del barrio minuto de dios para reflejar el trabajo del padre rafael garcía herreros en su comunidad.

MATERNIDAD (COPIA)

Material: cemento patinado

Dimensiones: 160x84x49

Año: 1970

Autor: michael lenz

Escultor de familia belga ,fue profesor de la universidad del tolima y la universidad nacional en la decada del 70

VENTANA INFINITA 

Material:lamina de hierro

Dimensiones: 250 x 180 x 120 cms

Año: 1977

Autor.luis eduardo urueta

HOMBRE MIRANDO AL INFINITO"

Autor:celso román

Material: ensambles en lamina de hierro

Dimensiones: 137 x 48 x 40 cms

Año: 1980

Celso román nació en bogotá, el 6 de noviembre de 1947; estudió medicina veterinaria en la universidad nacional de colombia y luego escultura, pero muy pronto se dedicó a la literatura.

"PIEDAD BAREQUERA

Técnica: escultura en fibra de vidrio policromada

Dimensiones: 300x150x113cms

Autor:Rodrigo Arenas Betancur 1987

"CRISTO DESNUDO"

Material: lamina de metal soldada

300x127x 30 cms

Año: 1971

Una de las polémicas mas resonantes y prolongadas del minuto de dios la ocasionó esta imagen de cristo desnudo realizada por el artista justo arosemena.

La intención era colocarlo en el templo suspendido de unas cadenas, pero la curia lo impidió, al fin se colocó en un jardín aledaño.

Autor: justo arosemena

1929 nació en panamá – 2000 fallece en panama

Inició sus estudios de arte en la escuela de bellas artes de montreal. Después estudió en nueva york en el art center school en donde tuvo como profesor a victor candelí. Regresó a panamá y continuó sus estudios de pintura en la escuela de bellas artes de panamá

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EL NACIMIENTO DEL MUNDO

Material : talla en marmol

Dimenciones : 140x70x60 cms

Año: 1986

Autor: carlos rodriguez arango

Nace en bogota en 1949

Estudia en la escuela pietro tacca ( carrara- italia)

Profesor de escultura en la universidad de los andes

CATEDRAL POLICROMADA

Autor: eduardo ramírez villamizar (1923 -2004)

Material: metal pintado

Año: 1984

GAVIOTA

Material: bronce,Dimensiones: 28x84x115 cms

Año: 1976, Autor: leonardo nienman

mexicano

ECLIPSE

Material: lamina de hierro

Dimenciones: 128x91 x17,5 cms

Año: 1988

Autor: alberto riaño

Escultor

1958 - santafé de bogotá fallece en 2006

ORIENTE

Material: lamina de hierro

Dimenciones: 65x 220x124 cms

Año: 2001

Autor: John castles

"LA CUSTODIA"

Material: metal oxidado

Dimenciones: 70 x 60 x 20 cms

Año:(1964)

Autor: eduardo ramírez villamizar

ALHAMBRA

Dimensiones: 240x124x12 cms

Año: 1988

Técnica: hierro cortado y soldado

Autor: álvaro henao fonseca

Nace neiva ,huila

Ingeniero civil de la universidad de los andes de bogota

ESCALA DE JOB

Material: metal oxidado

Dimensiones: 128x 92x21,5 cms

Autor: augusto ardila

san gil, santander, 1940. Escultor. 

ESCULTURA EN MI CIUDAD / PARTE 4

LONGOS

Autor: Hugo Zapata

Inauguración: 15 De Dic 1944,

Ubicación: Avenida El Dorado Con Carrera 50

Material: Metal, 3 Piezas C/U De 30 Mts De Largo

VENTANA

Autor: Carlós rojas Gonzales

Ubicación: avenida el dorado con carrera 92

HOMBRE A CABALLO

Autor: Fernando Botero

Inaugurada En  Nov 2000

La Obra Fue Realizada Por El Artista en 1998

Ubicación: Entrada Parque Renacimiento,

Calle 26 Con Carrera 22

ALAMEDA

Autor: Bernardo Salcedo, 
Inauguración: Dic 2000,

Ubicación: Barrio Bosa La Liberta

PEDAZO DE RIÓ 

Autor: Bernardo salcedo
Ubicación: avenida el dorado carrera 120

PORTICO 

Autor: ramírez  villamizar, 

Inaugurada el  dic de 2000

Ubicación: parque tercer milenio

Material: metal oxidado

Peso:40 toneladas con 10 metro de altura

Esta obra pórtico , donación del maestro ramírez a la ciudad es un homenaje a el periodista guillermo cano isaza haciendo parte de la recuperación de la zona del barrio santa ines o el cartucho

Esta escultura, según su propio creador, recupera el concepto de puerta de entrada al centro histórico de bogotá, enmarcando el parque tercer milenio, con los cerros orientales de la ciudad como telón de fondo. "este nuevo enfoque que da la escultura pórtico ofrece una nueva mirada a la ciudad, un centro que está en proceso de transformación y que invita a sus ciudadanos a entrar y recorrerlo" afirma el maestro ramírez villamizar

HOMENAJE MUISCA

Hierro oxidado,Obra homenaje al ex presidente virgilio barco

TORRE MACHUPICCHU

Autor: Eduardo Ramírez Villamizar,

Inauguración: 22 De Abril Del 2004
Ubicación: Museo De Arte Moderno Bogotá

Calle 24,Carrera 6

Material: Metal Oxidado,

Dimensiones: 305x105x104 Cms

HOMENAJE A GANDHI

Autor: Feliza Burszty,

Inauguración: 22 De Mayo De 1971

Ubicación: Calle 100, Carrera 7.Material: Chatarra

Peso: 4 Toneladas

Cuestionamiento de una sociedad industrializada

Feliza Burszty

Nacio en Bogotá, Colombia 1932- Fallece en  París, Francia 1982. 

Artista escultora. Manejo chatarra de hierro y acero inoxidable a grandes escalas.

Parte de la primera generación de artistas  colombianos en pensar en el espacio de exposición y el objeto escultórico

RECUERDOS

Karelianismo

En la segunda mitad del siglo XIX surge en Finlandia un movimiento cultural de carácter romántico que impulsa el interés por el Kalevala y su relación con la región de Karelia, lugar que representaba la esencia de ser finlandés.

El Karelianismo tuvo expresiones en literatura, pintura, arquitectura, música e incluso política. El trabajo compilatorio de Elias Lönnrot que dio lugar al Kalevala, creó un sentimiento de identidad nacional, la epopeya finlandesa era la base de la antigua cultura y de las raíces del país.




Los artistas viajaron a Karelia buscando inspiración para sus obras. Jean Sibelius se vio influido por los cantos carelianos en la creación de su sinfonía "Kullervo" (1892) basada en un héroe del Kalevala. El Parque Nacional de Koli se convirtió en un lugar de peregrinación y en símbolo de la naturaleza de Finlandia como Juhani Aho describiría en sus obras.

El poeta Eino Leino, el escultor Emil Wikström y el arquitecto Eliel Saarinen fueron también importantes representantes del movimiento romántico nacional que significaba el Karelianismo.

Pero el artista que realizó mayores aportaciones al Karelianismo fue el pintor romántico Akseli Gallen-Kallela, muy interesado por la mitología finesa y los temas kalevalianos, representó en muchas de sus obras los personajes e historias del Kalevala y los paisajes carelianos. En 1891 ganó un concurso creado para ilustrar una lujosa edición de la epopeya finlandesa.

A nivel político el Karelianismo representaba una aspiración de sentimiento nacional, cuando Finlandia pertenecía al Imperio Ruso como Gran Ducado Autónomo. Los escritores Johan Runeberg y Zacharias Topelius animaban ese sentimiento en sus poesías patrióticas. Tras la independencia del país, el movimiento karelianista reivindicó la creación de la Gran Finlandia con la anexión de los territorios rusos de la Carelia Oriental, de marcado carácter fino-ugrio.

Esta época, que tuvo su punto álgido en los años noventa del siglo XIX, fue posteriormente considerada como "la edad de oro del arte finlandés". En 1919 los artistas fundaron la Sociedad Kalevala, su principal objetivo era la creación de la Casa Kalevala, que sería un centro dedicado al estudio de la temática kalevaliana. Eliel Saarinen diseñó los planos de un edificio que nunca llegaría a existir, la idea no prosperaría.

El movimiento karelianista decaería en el siglo XX, siendo criticado por folclórico y demasiado idealista. Pero la desaparición de la Unión Soviética y con ella de la Guerra Fría supondría la posibilidad de volver a viajar a los territorios de la Carelia Rusa, donde se sitúa el nacimiento del Kalevala, resurgiendo así el interés por la antigua cultura kareliana, base de "lo" finlandés.

TENDENCIAS CONTEMPORÁNEAS 12

Arte kitsch

palabra kitsch se origina del término alemán yidis.

También se utiliza el término kitsch en un sentido más libre para referirse a cualquier arte que es pretencioso, pasado de moda o de muy mal gusto.

El término era usado para describir los dibujos y bocetos baratos o fácilmente comercializables. Otro significado a la palabra alemana kitsch está asociada al verbo kitschen, que significaba ‘barrer mugre de la calle’.

El kitsch esta asociado a un gusto vulgar de la nueva y adinerada burguesía de Múnich que pensaba, como muchos nuevos ricos, que podían alcanzar el status que envidiaban a la clase tradicional de las élites culturales copiando las características más evidentes de sus hábitos culturales.

Lo kitsch empezó a ser definido como un objeto estético empobrecido con mala manufactura, significando más la identificación del consumidor con un nuevo status social y menos con una respuesta estética genuina. Lo kitsch era considerado estéticamente empobrecido y moralmente dudoso.

El arte académico del siglo XIX todavía se ve a menudo como kitsch, aunque esta visión está siendo atacada por los críticos modernos. Quizás es mejor recurrir a la teoría de Broch, quien discutía que la génesis del kitsch estaba dentro del Romanticismo, que no es kitsch por sí mismo pero que abrió la puerta para el gusto del kitsch, acentuando la necesidad del trabajo de arte expresivo y evocador. El arte académico, que continuó esta tradición Romántica, tiene una razón doble de su asociación con el kitsch.
No es que fuera accesible; de hecho, es durante este periodo que surge la distinción entre arte alto y arte bajo definido por los intelectuales. El arte académico se esforzó en permanecer en una tradición arraigada en la experiencia estética e intelectual. Las calidades intelectuales y estéticas del trabajo estaban ciertamente allí. Los buenos ejemplos del arte académico incluso fueron admirados por los artistas "Avant Garde" que se podrían rebelar contra él. Había una cierta crítica, sin embargo, que declaraba que el arte se volvía “demasiado hermoso” y democrático, y esto lo hacía ver demasiado fácil y superficial.

Muchos artistas académicos intentaron utilizar temas del arte popular para enoblecerlos como arte, sujetándolos al interés en las calidades inherentes de la forma y de la belleza, intentando democratizar el mundo del arte. En Inglaterra, algunos académicos incluso abogaron por que el artista trabajara para el mercado. En un cierto sentido, las metas de la democratización tuvieron éxito, y la sociedad fue inundada con el arte académico, el público hacía filas para ver exposiciones de arte de la manera en que ahora se va a ver una película. La instrucción en arte llegó a ser extensa, al igual que la práctica, lo que hizo borrosa la línea entre arte popular y arte elitista. Esto condujo a menudo a que trabajos de arte mal hechos o mal concebidos fueran aceptados como arte.
Lo kitsch en arquitectura Hacia el final de su vida profesional, sobre los últimos años de la década de los 50, Frank Lloyd Wright produce algunos de los más controvertidos edificios de su carrera. En su búsqueda formal obsesiva, reitera en forma manierista sus propias obras basadas en las formas curvas y especialmente en el círculo como módulo de diseño. Un caso notable es el edificio para el Ayuntamiento de Marin, en California, donde las curvas son llevadas al extremo, así como la propuesta de inserción en el paisaje de colinas, que dista mucho de las impecables realizaciones Wright en las praderas de Wisconsin. Esta etapa final de su carrera se la conoce como de "fantasía kitsch".

Arte Knitta

es un grupo de artistas que podemos llamar tejedores de grafitis los cuales dejan sus obras en monumentos, mobiliario urbano y otros lugares públicos.

A diferencia de los grafiteros tradicionales, Knitta emplea materiales que no dañan los soportes, como hilo y textil. La misión del grupo es hacer el arte callejero «un poco más cálido y lanudo»

Fundado en 2005 por dos mujeres del área metropolitana de Houston, . Una docena de grupos han seguido su ejemplo en otras partes del mundo. El grupo ha sido invitado a exhibir su arte en Los Ángeles y París, entre otros Tras conseguir despertar la atención internacionalmente, el grupo decidió actuar en ciudades y objetivos mayores, empezando en Nueva York. Dos semanas más tarde estaban en Seattle, Washington, donde hicieron su primera obra a gran escala.Empleando más de 50 pies (15,24 m) de material tricotado que habían donado los voluntarios de su lista de correo, envolvieron una columna de monorraíl. Knitta pidió a sus fans que dejaran sus tags en otros lugares y enviasen fotografías. La petición recibió una respuesta abrumadora.

El grupo cubrió con piezas de lana de dos pies de altura y dos pies y medio de longitud los troncos de 25 árboles de la mediana de la Allen Parkway de Houston en la Art Car parade en mayo de 2006. Un año más tarde los Knitta fueron invitados a Standard Hotel Los Ángeles para que trabajasen sobre una caja de cristal que contiene diseños e ideas de moda. La caja está tras la mesa de recepción.

En mayo de 2007, para celebrar el 60º aniversario de Bergère de Francia, el primer fabricante de hilo francés,La compañía invitó a Knitta a París para «revitalizar los paisajes urbanos con piezas obras tricotadas».

Arte Lowbrow

Es un movimiento artístico , con orígenes en el mundo del underground comix, la musica punk, la cultura callejera del hot-rod y otras subculturas de Californianas . surgió a finales de la década de 1970También se le conoce por el nombre de surrealismo pop y tiene un cierto sentido del humor. A veces este humor es alegre, o también lleno de picardía o sarcasmo. Los primeros artistas en crear arte Lowbrow eran historietistas underground como Robert Williams y Gary Panter. Las primeras muestras se realiaban en galerías de arte alternativas en Nueva York y en Los Angeles, tales como la Psychedelic Solutions Gallery en East Village de Jacaeber Kastor, La Luz de Jesus de by Billy Shire, y la galería Zero One en Hollywood, de John Pochna.
El movimiento creció desde sus inicios con cientos de artistas que adoptaban este estilo. fue clasificado como lowbrow (de mal gusto, en inglés). La revista de Lowbrow Juxtapoz de Robert Williams, creada en 1994, ha sido uno de los pilares de la crítica del arte Lowbrow, y ha ayudado a dirigir y hacer crecer el movimiento.

ARTISTAS LOWBROW MÁS CONOCIDOS SON:

 SHAG (Josh Agle) ,Anthony Ausgang,Gary Baseman

,Tim Biskup ,Camille Rose Garcia,Elizabeth McGrath,Niagara,Marion Peck,Yiste,Raymond Pettibon

,Mark Ryden,Todd Schorr,Jeff Soto, Gary Taxali,Joe Coleman,Coop,Robert Williams,David "Squid" ,Cohen,Von Dutch,Pedri Autero,Michael Hussar,Takashi Murakami,Yoshitomo Nara

ARTE RECTOVERSION

Técnica inédita de pintura que consiste en pintar sobre los dos lados de una pintura perforada. Este concepto de "Rectoversion" fue creado por Michel De Caso en el año 1991.

Desde 2002, existe un movimiento artístico del mismo nombre así como un Círculo Internet “rectoversion” (desde 2004).

el neologismo francés "Rectoversion" se construye sobre las palabras "recto" (en francés, el "recto" significa el "anverso" de una pintura) y "version" (versión). Corresponde literalmente a la "puesta en rotación del recto (anverso)" que es el proceso plástico seguido por Michel De Caso para conseguir a la Rectoversion
para mayor información visite el sitio wed www.rectoversion.com

Tendencias Contemporaneas 11

Bioarte o Bio-Art

es una de las más recientes corrientes desarrolladas por el arte contemporáneo. Tiene la particularidad de asumir a la biotecnología como un medio. Cultivo de tejidos vivos, genética, transformaciones morfológicas, construcciones biomecánicas son algunas de las técnicas utilizadas por los artistas del bio-art, planteando cuestiones éticas y sociales al desarrollo en biotecnología.
Ésta experimentación puede implicar al propio cuerpo de los artistas (cultivos en la piel, transfusiones de sangre animal), encarnando, a menudo, ellos mismos los tradicionales miedos y esperanzas asociados a estas tecnologías.
Existe cierto debate por la inclusión de obras que no trabajen con técnicas sobre tejido vivo en la corriente del bio-art. Las obras que participan del bio-art deberían ser reconocidas en la medida en que reflejen un nivel de crítica o comenten la relación problemática existente entre la sociedad y el desarrollo en biotecnología.

George Gessert es considerado por muchos como un importante iniciador del movimiento bio-art. Eduardo Kac es otro de los iniciadores de la corriente y de su trabajo con seres vivos el más conocido es el del conejo Alba, trabajo en la que, mediante la manipulación genética del animal, se le cambia el color.
El SymbioticA es un grupo fundado por Oron Catts y Ionatt Zurr , con base en la escuela de anatomía y biología humana de la University of Western Australia. Ellos suelen usar tejidos vivos como formas escultóricas, comprometiendo en las obras juicios éticos, a menudo de manera controvertida. Joe Davis trabaja en MIT y, con la colaboración de científicos, produjo várias exposiciones.



A unque desde mi punto de vista artística y muy PERSONAL me parece algo atrayente, también esta en que tanto nosotros los artistas entramos a transgredir las leyes naturales de la vida, no es lo mismo darle o manipular materiales inerte, a jugar a ser un mini dios y jugar un rato con seres vivos, en contré este articulo que me parece muy interesante.

Revista Digital Universitaria, 10 de enero 2007 • Volumen 8 Número • ISSN: 1067-6079
BIOARTE: UNA NUEVA FÓRMULA DE EXPRESIÓN ARTÍSTICA
http://www.revista.unam.mx/vol.8/num1/int01/art01.htm

TENDENCIAS COMTEPORANEAS 10

TACHISMO

El Tachismo (Tachisme, derivado de la palabra francesa tache - mancha) fue un estilo de pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto.

Partenece al movimiento mas amplio del Informalismo (Art informel). Un otro nombre del Tachisme (similar a la action painting) es abstraction lyrique (relacionado con la abstracción lírica estadounidense). Los artistas del Grupo Cobra y del japonés Gutai también están relacionados con el tachismo.Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo. Algunos de sus miembros eran:

Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicholas de Stael, Hans Hartung, Serge Poliakoff, y Georges Mathieu, el término tachismo «se usó por primera vez en este sentido alrededor de 1951 (se ha atribuido la acuñación del término a los críticos franceses Charles Estienne y Pierre Guéguen) y circuló ampliamente a partir del libro del pintor y crítico francés Michel Tapié Un Art autre (1952.»
Tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea, goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo, y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía.

CARACTERISTICAS DEL MOVIMIENTO

- Pintura abstracta no geométrica ni constructivista.
- Carácter gestual-informal marcadamente expresivo.
- En cierta medida evoca la realidad, pero atenuada por la expresión de la línea y el color (carácter lírico).
- Utilización de signos abstractos o arabescos hallados libremente que recuerdan caligrafías o pinturas orientales (Hartung).
- Empleo de manchas o borrones (taches) creados espontáneamente (Mathieu).
- Libertad de esquemas.
- En general, color limitado, casi acromático.
- Realización impulsiva, totalmente espontánea.
- Ausencia de planificación reflexiva previa

ARTS AND CRAFTS

El movimiento Arts and Crafts (Artes y oficios) surgio como escuela artistica en Inglaterra en 1880 y se desarrolló en el Reino Unido y en los Estados Unidos durante los últimos años del siglo XIX y en los comienzos del siglo XX. Floreció entre 1880 y 1910,y su influencia llega hasta la década de 1930.

El movimiento defendía la verdad a los materiales y técnicas artesanales tradicionales utilizando formas simples y estilos a menudo medievales, románticos o de folklóricos de decoración. También propuso la reforma económica y social y ha sido visto como esencialmente anti-industrial.
La figura central en el movimiento fue William Morris (activista). Sus ideas emergieron de la Hermandad Prerrafaelita, del que había sido una parte y de su lectura de Ruskin. En 1861 Morris y sus amigos fundaron una compañía, Morris, Marshall, Faulkner & co., que, bajo la supervisión de los interlocutores, diseñados y fabricados de objetos decorativos para el hogar, incluyendo papel tapiz, textiles, muebles y vidrieras. Más tarde se fue reconstituido como co & de Morris En 1890 Morris configurar la Kelmscott Press, para la cual diseñó un tipo de letra basado en formularios de carta de Nicolas Jenson del siglo XV.
El movimiento revaloró, en plena época victoriana, los oficios medievales, con lo cual reivindicó la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas, y constituyó sobre todo un arte decorativo.
Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia sobre la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines.
En los Estados Unidos se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Craftsman o estilo Craftsman para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau (el modernismo) y el art decó, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925. Sostenía que cada objeto debería tener o retomar algo del pasado, pero dándole un sentido elegante.

Principios del Movimiento:
El movimiento comenzó como una búsqueda de auténtico diseño y decoración y una reacción contra los estilos que se habían desarrollado fuera de producción de la máquina.Objetos de Artes y oficios son simples en forma, sin decoración superflua, a menudo mostrando la forma en que se ponen juntos. Siguieron la idea de "verdad al material", preservando y haciendo hincapié en las cualidades de los materiales utilizados. A menudo tenían patrones inspirados por la flora británica y fauna y se basó en las tradiciones vernáculas, o domésticas, de la campiña británica. Varios fabricantes de diseñador configuración de talleres en las zonas rurales y revivieron técnicas antiguas. Ellos fueron influenciados por el neogótico (1830–1880) y estaban interesados en todas las cosas medievales, utilizando negritas de formas y colores fuertes basados en diseños medievales. Creían en el propósito moral de arte. Verdad material, la estructura y la función también había sido defendida por A.W.N. Pugin (1812–1852), un exponente principal del neogótico.

Principios Sociales:
El movimiento fue influenciado por la crítica social de Ruskin, que intentó relacionar la salud moral y social de una nación a las cualidades de su arquitectura y diseño. La máquina en la raíz de muchos males sociales y que una sociedad saludable dependía de trabajadores calificados y creativos, pensó Ruskin. Como Ruskin, artes y oficios artistas tienden a oponerse a la división del trabajo y a preferir la producción artesanal, en el que el elemento todo fue hecho y montado por un grupo pequeño o individual. Les preocupados el declive de artesanías rurales, que acompañó el auge de la industria, y lamentaron la pérdida de los conocimientos tradicionales y la creatividad.

SUPERFLAT ((superplano) - RECUERDOS 8-

El Superflat es un movimiento artístico posmoderno fundado por el artista Takashi Murakami, quien está influenciado por el manga y anime. Este movimiento proporciona una interpretación "exterior" a la cultura popular japonesa de la post-guerra a través de los ojos de la subcultura otaku.

Además de Murakami, entre los artistas cuyos trabajos son considerados "superplanos" se encuentran Chiho Aoshima, Mahomi Kunikata, Yoshitomo Nara y Aya Takano. Además, algunos animadores de anime y algunos mangaka son considerados superplanos, especialmente Koji Morimoto (y la mayoría de los trabajos de su estudio Studio 4°C), y el trabajo de Hitoshi Tomizawa, autor de Alien 9 y Milk Closet.

Murakami define el "Superflat" en términos generales, aunque los temas tocados son muy diversos. A menudo los trabajos hacen una mirada crítica al consumismo y el fetichismo sexual que prevaleció tras la occidentalización de la cultura japonesa tras la post-guerra. Uno de los objetivos de crítica es el estilo loli-con, satirizado en trabajos como los de Henmaru Machino. Estos trabajos son una exploración de la sexualidad otaku mediante imágenes grotescas o distorsionadas. Otros trabajos están más relacionados con el Síndrome de Peter Pan (miedo a madurar). Por ejemplo, los trabajos de Yoshitomo Nara suelen incluir graffiti en obras de ukiyo-e japonés antiguo realizadas de una manera infantil. Otros trabajos se enfocan en la estructura y los deseos subyacentes que abarcan la cultura otaku y la cultura de la post-guerra japonesa en general.