En este
tiempo de confinamiento y distanciamiento social a causa de Covid-19, Artchicó da un paso
adelante al asumir la realización de una nueva edición de su feria de arte en
este 2020 desde un espacio virtual acompañados por artistas, curadores y galerías que le apuestan a esta iniciativa.
Siguiendo
los parámetros de “quédate en casa”, “si yo me cuido, te cuido” y “si nos quedamos en casa volveremos más
fuertes”, las directivas de Artchicó quisieron apostarle al acercamiento
virtual al arte lanzando la sexta edición de la feria para la segunda quincena
del mes de junio. El objetivo primordial
es, por supuesto, seguir apoyando la culturay no dejarnos apabullar por las circunstancias que vivimos, buscando fortalecernos
emocionalmente para salir juntos adelante. Es por eso, que la directiva de Artchicó
realizará una donación importante para apoyar a los artistas colombianos en
situación de vulnerabilidad.
Imagen facilitada a Ensambles1966t por la organización de la feria / Obra Rito XIX # 3, 2019 de la Artista Española Soledad Córdoba.
La feria se
estará realizando del 16 al 21 de junio, y
contará con la
presencia de 20 Galerías Nacionales e Internacionales. Tanto los coleccionistas como elpúblico en general podrán ver a las
galerías participantes y podrán admirar y/o adquirir las obras entrando a la
página web de la feria: www.artchicó.com
Las plataformas virtuales nos permiten llegar al público mundial con una importante
selección de galerías de arte de Argentina, Ecuador, España, Canadá, Colombia, Estados Unidos, Francia,
México, Venezuela y junto a esto la 6ta edición de la Feria de arte se ha unido
estratégicamente al portal Español Arte Informado, para llegar a más
coleccionistas y público internacional”Jesús Olarte,
director de la feria.
Imagen facilitada a Ensambles1966t por la organización de la feria / Obra Fragmenta, 2017 de la Artista
Italiana Micaela Lattanzio.
Este es el nombre
con el cualel escultor Bogotano Maquiamelorealiza un homenaje con una obra de su autoría al artista Enrique Grau Araujo, sumándoseasí a la celebración del centenario de
nacimiento del artista.
“Grau, sueños de Bahía Grande” fue donada a la Casa Museo Grau por el
escultor como un homenaje sentido para con el maestro Grau, la obra es una
porcelana y oro del rostro del maestro.
La idea de la pieza se comenzó a gestar durante la estadía de Maquiamelo en
Turín (Italia) en el 2019 y se terminó de concebir en el 2020 después estudiar fotografías de archivo e
imágenes del maestro.
Maquiamelo me da su apreciación: “la obra nos deja ver a un Grau soñador, donde lo
divino estárepresentadoen la mitad dorada en oro yel blanco brillante de la porcelana que nos habla del alma y espíritu
del Maestro Grau”
Como aporte más
personalhacia su creación el artista representa
el amor de Grau por Cartagena. Un caracol
encontrado por el escultor Bogotano en "playa escondida" en Barú un par
deaños atrás, al cual le saca un molde
y lo vacía en oro aparece en la pieza y termina siendo el hilo conductor entre el maestro Grau ,
sus queridas playas y su mar añorado. Allí
donde su ojo culto encontró arte en las razas, en lo cotidiano y en lo autóctono de su Cartagena.
Imagenes facilitada por el artista para Ensambles1966t.
Ficha técnica
Título: Grau, Sueños de Bahía Grande
Dimensiones: 20 x 12,9 x 12,9 cms
Materiales: Porcelana y oro
Edición 1 de 2 Año: 2020
Debido a la coyuntura que nos apremia por estos
días la casa museo grau invitan a
personas a que aprecien la escultura
homenaje del Maestro en su página oficial www.museocasagrau.com y sus redes sociales o en la página oficial del artista
Maquiamelo: www.maquiamelo.com
La edición
número 59 de la Bienal de Venecia será postergada hasta el año 2022 y se realizara entre el 23 de abril y el 27
de noviembre, como consecuencia de la pandemia del
coronavirus.
Así lo informó la Bienal de Arte a través en su
página web, donde también anunció el aplazamiento de la Bienal de Arquitectura,
a realizarse este año.
La cámara de comercio de Bogotá luego de los análisis
pertinentes toma la decisión de aplazar la edición número 16 de ARTBO, que se
realizaría del 15 al 18 de octubre.
La Feria se aplazará hasta que las condiciones permitan
garantizar la seguridad y salud de visitantes y
todos los involucrados con la realización de La Feria Internacional de Arte
de Bogotá, al igual que las condiciones de mercado que requieren los
expositores.
Para el segundo semestre del año la cámara de comercio esta
planeando una versión digital de la
Feria que incluirá espacios dedicados a las galerías, una oferta especial de
obras, así como secciones especiales.
Sobre el resto del programa ARTBO:
Artbo Salas: tendrá un ciclo de exposiciones cuya fecha de
inauguración se estipulará teniendo en cuenta el levantamiento progresivo de
las restricciones.
Artbo Tutor: creó un cronograma de actividades digitales que
se implementará en el segundo semestre del año.
Artbo Fin de Semana: se llevará a cabo de manera digital en
el mes de julio, buscando mantener un enfoque en la comercialización y
actividades de los espacios participantes, así como el acceso al conocimiento a
través del foro académico y la participación de agentes del sector en un
conjunto de actividades que resignificarán la esencia del proyecto original.
Movimiento pictórico francés de principios de siglo xx de
escasa duración.
Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.
La palabra tiene origen en el vocabulario francés, donde ‘fauves’
significa fiera.
Nombre dado por el crítico francés louis vauxcelles a un grupo
pintores, tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los
trabajos expuestos en el salón de otoño de parís de 1905, a causa de la
«salvaje» violencia expresiva del color, el nombre asignado era en origen un
calificativo peyorativo, pero fue asumido por el público e introducido en la
historia del arte sin connotaciones despectivas.
Características:
Uso de color intenso (rojo, verde, amarillo, azul y rojo).
Búsqueda de establecer armonía, tranquilidad, claridad y
equilibrio en las obras de arte.
Temas favoritos: escenas urbanas y rurales, retratos,
interiores, desnudos y escenas al aire libre.
Uso del color según la técnica de divisionismo. Es decir,
los tonos no se mezclan en la paleta. Se colocan puros en el cuadro uno al lado
del otro.
Los contornos se presentan marcados, incluso con una línea
gruesa de color negro y nada más tenemos que observar.
Rechazaban de forma unánime el concepto de belleza tradicional.
El canon se sustituyó por la libertad expresiva. Hay que recordar que Freud
acababa de definir el inconsciente con lo que esto supuso de revulsivo en la
vida intelectual de entonces.
Admiraban las expresiones artísticas de África y Oceanía a
través de un incipiente comercio de arte que empezaba a despuntar en los
elitistas círculos de París. Las máscaras, los roleos de tatuajes y la desnudez
de estas culturas fascinaron a estos artistas.
Se elimina la perspectiva, los claroscuros y, en estadios
avanzados del movimiento, se reduce al mínimo el “decorado” de los cuadros. La
luz llega de los colores, pero no del juego de las sombras.
Las formas se simplifican y se recurre a lo natural, a lo
primitivo e instintivo.
Con el solo uso del color se intenta captar los
sentimientos. Para ello se utiliza el simbolismo de los objetos.
Por supuesto, estas características se dan de forma
particular y peculiar en cada uno de los artistas más señeros*1 del movimiento.
El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza,
uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de
convencionalismos. El artista es un Demiurgo*2, moldea, crea su obra a partir
de un principio generador parecida a la naturaleza.
Henri Matisse fue su representante por excelencia y estuvo
acompañado por otros artistas con los que compartió una nueva visión de la
pintura y un deseo constante por aprender y experimentar. Él junto a André
Derain y Maurice de Vlaminck lideraron el grupo, en el que también se
incluyeron Albert Marquet, Henri Manguin, Charles Camoin, Jean Puy, Raoul Dufy,
Othon Friesz, Georges Braque, Georges Rouault y Kees van Dongen.
Los aportes del movimiento fueron directos o indirectos, más
allá de su apogeo en Francia y no se puede determinar a ese país solamente. Además
no fue una causa exclusiva o única para las siguientes transcendencias tales
como el fauvismo belga, fauvismo ibérico y el fauvismo húngaro respectivamente.
Hay agrupaciones de artistas que tiene una diversidad de
tipos de arte y donde generalmente toman en cuenta varios movimientos
artísticos en su manera de entender el arte por tanto no considera del todo al
fauvismo. Estos son algunos colectivos artísticos o grupos de artistas
influenciados:
•El grupo
Der Blaue Reiter (el Jinete Azul en español) este grupo tuvo muchas influencias
y entre ellas este movimiento artístico.
•El Grupo
Montparnasse, en 1922, artistas chilenos de la pintura influenciados por la
tendencia postimpresionista europea y, sobre todo, por el fauvismo
•El Puente
(Die Brücke) tuvo influencia del fovismo.129 Donde el holandés Kees Van Dongen
se unió al grupo.
•Sota de
Diamantes fue colectivo ruso cuyo interés fue el desarrollo de nuevos estilos,
a partir de sus interpretaciones de Henri Matisse y su periodo fauvista. Entre
otros movimientos y artistas.
*1: Que sobresale por sus cualidades únicas y extraordinarias
*2: Artista creador."el demiurgo dispone que sus
personajes vuelvan a vivir su propia historia y en su espacio cerrado"
Biografía
Henri Matisse:
Henri Émile Benoît Matisse Nacio en Le Cateau-Cambrésis, Norte-Paso
de Calais, 31 de diciembre de 1869. Fue un pintor francés conocido por su uso
del color y por su uso original y fluido del dibujo.Como dibujante, grabador,
escultor, pero principalmente como pintor, es reconocido ampliamente, junto con
Pablo Picasso, como uno de los grandes artistas del siglo XX.
Cursó estudios de jurisprudencia entre 1887 y
1888 en la Universidad de París, que se vieron interrumpidos por una larga y
grave enfermedad que lo retuvo en cama hacia 1890. Durante su convalecencia
empezó a pintar, y en 1891, ya recuperado, venció la oposición de sus padres y
abandonó la carrera de leyes para entrar en la Escuela Julian, donde se formó
bajo la dirección de Bouguereau.
En 1892 ingresó en el estudio de Gustave Moreau, en la
Escuela de Bellas Artes, en el que permanecería cinco años y donde conoció a
Georges Rouault y a Henri Manguin. Asistió también a los cursos nocturnos de la
Escuela de Artes Decorativas, en la que entabló amistad con Albert Marquet.
Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos
que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del
color y de la forma.
La verdadera liberación artística de Matisse, referida al
uso del color como configurador de las formas y planos espaciales, se produjo
bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista
de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. En La alegría de
vivir (1905-1906) resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de
Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será la
obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente
subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las
traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas
de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos,
que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.
La construcción con el color y la simplificación formal
dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el
color, que es el que da entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de
dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes. En su obra hay alegría,
serenidad, es un arte amable, apacible, es un camino hacia la profundidad de sí
mismo.
Recibió un reconocimiento internacional durante su vida
ganándose la aprobación de los críticos de arte y de los coleccionistas. Uno de
los encargos más importantes fue La música y La danza, donde volumen y ritmo se
conjugan armoniosamente. Usa tres colores para imprimir movimiento a los
bailarines que parecen flotar con ritmo.
Murió el 3 de Noviembre de 1954 en Niza, a la edad de
ochenta y cinco años. Su tomar el conocimiento del Neoclasicismo, Realismo, Impresionismo y Neoimpresionismo para crear un lenguaje moderno. Su mayor influencia llegó de Nicolas Poussin, Jean Siméon Chardin, Antoine Watteau, Gustave Courbet, Édouard Manet y Paul Cézanne. Aunque es uno de los fundadores del Fauvismo también logró importantes obras al margen de este. Su pintura manejó temas como la naturaleza muerta, el paisaje, el desnudo femenino y su propio entorno (el estudio). Sus obras llenas de vigor expresivo, color puro y gesto espontáneo le ganaron gran respeto y popularidad.
Fuentes: Escuelapedia.com, candelavizcaino.es, arteespana.com,
definición.de, wikipedia,el Baul de yorch.
Nació el 17 de julio de 1871 en Nueva York (Estados Unidos).Aunque Lyonel Feininger nació en Nueva York, sus padres Karl Feininger (violinista) y Elisabeth Feininger (pianista y cantante), músicos de origen alemán, quisieron que se trasladara a Hamburgo para completar su formación musical cuando tenía tan solo dieciséis años.
Feininger inició su formación en
Hamburgo, pero no tardó en cambiar de la música a las bellas artes, 1887
asistiendo a clases de dibujo y pintura en la Kunstgewerbeschule. En 1888 se
fue a vivir a Berlín y se matriculó en la Königliche Akademie, formándose con
Ernst Hancke hasta 1892. Posteriormente, durante un año, asistió a la escuela privada de arte
del escultor italiano Filippo Colarossi en París.
En 1893 Feininger regresó a Berlín, donde trabajó como ilustrador,
entre otras cosas, hasta 1906. Durante los siguientes dos años, Lyonel Feiniger
se quedó en París, donde se puso en contacto con el círculo "Café du
Dôme" de los estudiantes alemanes de Matisse y con Robert Delaunay.
1901 Feininger se casó con la pianista Clara Fürst , suhija Eleonore nació el mismo año y Marianne
en 1902.En 1905 conocería a Julia Berg,
su segunda esposa con la que 1906 viajaría a parís
En 1909, Lyonel Feininger se unió a la "Berliner Sezession",
en cuyas exposiciones Feininger participó por primera vez un año después.
Fue dibujante de tiras cómicas para revistas de humor alemanas y para
el Chicago Tribune hasta 1908.
el artista se adentró en un género entonces incipiente, del que sería
uno de sus primeros creadores: Sus viñetas fueron publicadas rápidamente,
aunque de manera puntual, en revistas americanas y alemanas. Esta actividad se
consolidaría con la firma de contratos para la revista alemana Ulk (en 1895),
Lustige Blätter [Páginas cómicas] al año siguiente, y, en 1906, el Chicago
Sunday Tribune: para este último, Feininger creó The Kin-der-Kids [Los niños
Kin-der] y Wee Willie Winkie’s World [El mundo de Willie Winkie], sus
historietas más relevantes.
Con motivo de su exposición en el "Salón de los Independientes",
el artista viajó a París en 1911, influenciado por los cubistas franceses,
principalmente por Robert Delaunay, se dedica a la pintura. Su conocimiento de
Alfred Kubin y los pintores "Brücke" Karl Schmidt-Rottluff y Erich
Heckel abrió nuevas dimensiones en sus obras en 1912. Feininger produjo sus
primeras composiciones arquitectónicas con sus típicas fragmentaciones
cubistasy en 1913, por invitación de
Franz Marc, Feininger participó en el "Erster Deutscher Herbstsalon"
en la galería "Sturm" de Herwarth Walden en Berlín, donde también
realizó su primera exposición individual en 1917.
En 1919 Walter Gropius lo invitó a formar parte de la Bauhaus para que
dirigiera el taller de grabado, en el que Feininger impartió clases hasta su
clausura por los nazis en 1932. Esta experiencia le hizo desarrollar en
profundidad la xilografía, técnica que le permitió ahondar en sus lienzos en el
juego de los distintos planos. Con la llegada del nazismo, su arte fue tachado
de ‘degenerado’.
Junto con Wassily Kandinsky, Paul Klee y Alexej von Jawlensky, Lyonel
Feininger fundó el grupo "Die Blauen Vier" en 1924.
En 1931 hubo una primera retrospectiva integral en el
"Kronprinzen-Palais" en Berlín, a donde el artista se mudó en 1933
En 1937 regresó a Estados Unidos y comenzó a trabajar el tema de los
rascacielos que habría de dominar casi toda la obra de su última época. Ese
mismo año, más de 400 de sus obras fueron confiscadas por los nazis en
Alemania. Feininger tuvo que esperar su avance como artista en los Estados
Unidos hasta 1944, cuando tuvo una exitosa retrospectiva en el Museo de Arte
Moderno de Nueva York. Desde 1945 Feininger realizó un curso de verano en el
Black Mountain College en Carolina del Norte, donde conoció a Gropius y
Einstein. En 1947 fue elegido presidente de la “Federación de Pintores y
Escultores de América” .,Como miembro de la Asociación Alemana de Artistas
Feininger 1953 participó en la tercera exposición anual en la hamburguesa
Kunsthalle, y presentado en los años siguientes hasta 1956 en Frankfurt,
Baden-Baden y Dusseldorf.
Feininger murió el 13
de enero de 1956 a la edad de 84 años en su casa deNueva York. Fue enterrado en el cementerio de
Mount Hope en Hastings-on-Hudson (Condado de Westchester, Nueva York).
Marianna vladímirovna verióvkina, su nombre en ruso, nació en tula,
rusia, el 10 de septiembre de 1860.
Su familia pertenece a la aristocracia y disfruta de una vida
acomodada.
1874 se inició en el aprendizaje del dibujo con 14 años comenzando
clases particulares en Moscú.
En 1880 entró en el taller del más famoso maestro del realismo ruso,
ilya repin.
En 1886 su padre es nombrado gobernador de la fortaleza peter and paul
y la familia se traslada a s. Petersburgo donde werefkin estudia con el pintor
ilya repin, uno de los grandes maestros del realismo ruso.
En 1888 tras un accidente de caza en el que se lesionó una de susmanos, tuvo queabandonar su apredisaje por un tiempo.
En 1892 conoce pintor alexei jawlensky, quien se convierte en su
compañero sentimental. A partir de ese momento ella abandona su propio trabajo
para iniciar un salón que rápidamente se convierte en un importante centro de intercambio
artístico concentrado en el nuevo movimiento, "el expresionismo."
En 1896, muere su padre, que le deja una muy buena pensión lo que
permite a la pareja trasladarse a munich , y a alexei jawlensky dedicarse solo
a la pintura.
Marianne von werefkin , durante 10 años se olvida de su propio trabajo
como pintora y se dedica por completo a la difusión de la obra de su compañero,
lo que le permite entrar de lleno en los círculos artística de la ciudad.
Después de una crisis privada con jawlensky que culmina con el
nacimiento de su hijo en 1902 y viajes de rehabilitación por francia, marianne
von werefkin retoma su arte en 1906 utilizando exclusivamente la témpera y el
goúache, para conseguir mayor luminosidad y transparencia.
Tras diez años sin pintar, en 1907 realizó la que sería su primera obra
expresionista, claramente influenciada por paul gauguin, louis anquetin y
edvard munch.
En 1910 se sumó al grupo nuova associazione degli artisti di monaco,
junto a jawlensky.
En 1909 fundó la neue künstlervereinigung münchen (nueva asociación de
artistas de munich, nkvm), que se convirtió en un foro de exposiciones y
reuniones donde se debatía sobre arte, a la que también perteneció franz marc.
Unos años más tarde wassily kandinsky y franz marc se distanciaron de
este grupo para fundar der blaue reiter (el jinete azul), al que se unieron
después , august macke y gabriele münter; ella misma comenzó a exponer con este
grupo en 1913.
Tras estallar la primera guerra mundial, se refugió junto a jawlensky,
en suiza, cerca de ginebra; e n 1922, la abandona jawlensky que se traslada a
alemania; ella decide quedarse definitivamente en ascona . En esta ciudad se
relacionan con los intelectuales y ocultistas que se reúnen en monte verité.
En 1924 fundó el grupo «grosser bar» (osa mayor).
En sus últimos años hubo de pintar carteles para poder subsistir,
siendo ayudada por sus amigos carmen y diego hagmann.
Murió en ascona, el 6 de febrero de 1938 a los 78 años de edad, siendo
enterrada en el cementerio ruso de esta ciudad.
fuentes. murnau,Biografías
y curiosidades en Facebook,mcnbiografias
