La cámara de comercio de Bogotá luego de los análisis
pertinentes toma la decisión de aplazar la edición número 16 de ARTBO, que se
realizaría del 15 al 18 de octubre.
La Feria se aplazará hasta que las condiciones permitan
garantizar la seguridad y salud de visitantes y
todos los involucrados con la realización de La Feria Internacional de Arte
de Bogotá, al igual que las condiciones de mercado que requieren los
expositores.
Para el segundo semestre del año la cámara de comercio esta
planeando una versión digital de la
Feria que incluirá espacios dedicados a las galerías, una oferta especial de
obras, así como secciones especiales.
Sobre el resto del programa ARTBO:
Artbo Salas: tendrá un ciclo de exposiciones cuya fecha de
inauguración se estipulará teniendo en cuenta el levantamiento progresivo de
las restricciones.
Artbo Tutor: creó un cronograma de actividades digitales que
se implementará en el segundo semestre del año.
Artbo Fin de Semana: se llevará a cabo de manera digital en
el mes de julio, buscando mantener un enfoque en la comercialización y
actividades de los espacios participantes, así como el acceso al conocimiento a
través del foro académico y la participación de agentes del sector en un
conjunto de actividades que resignificarán la esencia del proyecto original.
Movimiento pictórico francés de principios de siglo xx de
escasa duración.
Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.
La palabra tiene origen en el vocabulario francés, donde ‘fauves’
significa fiera.
Nombre dado por el crítico francés louis vauxcelles a un grupo
pintores, tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los
trabajos expuestos en el salón de otoño de parís de 1905, a causa de la
«salvaje» violencia expresiva del color, el nombre asignado era en origen un
calificativo peyorativo, pero fue asumido por el público e introducido en la
historia del arte sin connotaciones despectivas.
Características:
Uso de color intenso (rojo, verde, amarillo, azul y rojo).
Búsqueda de establecer armonía, tranquilidad, claridad y
equilibrio en las obras de arte.
Temas favoritos: escenas urbanas y rurales, retratos,
interiores, desnudos y escenas al aire libre.
Uso del color según la técnica de divisionismo. Es decir,
los tonos no se mezclan en la paleta. Se colocan puros en el cuadro uno al lado
del otro.
Los contornos se presentan marcados, incluso con una línea
gruesa de color negro y nada más tenemos que observar.
Rechazaban de forma unánime el concepto de belleza tradicional.
El canon se sustituyó por la libertad expresiva. Hay que recordar que Freud
acababa de definir el inconsciente con lo que esto supuso de revulsivo en la
vida intelectual de entonces.
Admiraban las expresiones artísticas de África y Oceanía a
través de un incipiente comercio de arte que empezaba a despuntar en los
elitistas círculos de París. Las máscaras, los roleos de tatuajes y la desnudez
de estas culturas fascinaron a estos artistas.
Se elimina la perspectiva, los claroscuros y, en estadios
avanzados del movimiento, se reduce al mínimo el “decorado” de los cuadros. La
luz llega de los colores, pero no del juego de las sombras.
Las formas se simplifican y se recurre a lo natural, a lo
primitivo e instintivo.
Con el solo uso del color se intenta captar los
sentimientos. Para ello se utiliza el simbolismo de los objetos.
Por supuesto, estas características se dan de forma
particular y peculiar en cada uno de los artistas más señeros*1 del movimiento.
El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza,
uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de
convencionalismos. El artista es un Demiurgo*2, moldea, crea su obra a partir
de un principio generador parecida a la naturaleza.
Henri Matisse fue su representante por excelencia y estuvo
acompañado por otros artistas con los que compartió una nueva visión de la
pintura y un deseo constante por aprender y experimentar. Él junto a André
Derain y Maurice de Vlaminck lideraron el grupo, en el que también se
incluyeron Albert Marquet, Henri Manguin, Charles Camoin, Jean Puy, Raoul Dufy,
Othon Friesz, Georges Braque, Georges Rouault y Kees van Dongen.
Los aportes del movimiento fueron directos o indirectos, más
allá de su apogeo en Francia y no se puede determinar a ese país solamente. Además
no fue una causa exclusiva o única para las siguientes transcendencias tales
como el fauvismo belga, fauvismo ibérico y el fauvismo húngaro respectivamente.
Hay agrupaciones de artistas que tiene una diversidad de
tipos de arte y donde generalmente toman en cuenta varios movimientos
artísticos en su manera de entender el arte por tanto no considera del todo al
fauvismo. Estos son algunos colectivos artísticos o grupos de artistas
influenciados:
•El grupo
Der Blaue Reiter (el Jinete Azul en español) este grupo tuvo muchas influencias
y entre ellas este movimiento artístico.
•El Grupo
Montparnasse, en 1922, artistas chilenos de la pintura influenciados por la
tendencia postimpresionista europea y, sobre todo, por el fauvismo
•El Puente
(Die Brücke) tuvo influencia del fovismo.129 Donde el holandés Kees Van Dongen
se unió al grupo.
•Sota de
Diamantes fue colectivo ruso cuyo interés fue el desarrollo de nuevos estilos,
a partir de sus interpretaciones de Henri Matisse y su periodo fauvista. Entre
otros movimientos y artistas.
*1: Que sobresale por sus cualidades únicas y extraordinarias
*2: Artista creador."el demiurgo dispone que sus
personajes vuelvan a vivir su propia historia y en su espacio cerrado"
Biografía
Henri Matisse:
Henri Émile Benoît Matisse Nacio en Le Cateau-Cambrésis, Norte-Paso
de Calais, 31 de diciembre de 1869. Fue un pintor francés conocido por su uso
del color y por su uso original y fluido del dibujo.Como dibujante, grabador,
escultor, pero principalmente como pintor, es reconocido ampliamente, junto con
Pablo Picasso, como uno de los grandes artistas del siglo XX.
Cursó estudios de jurisprudencia entre 1887 y
1888 en la Universidad de París, que se vieron interrumpidos por una larga y
grave enfermedad que lo retuvo en cama hacia 1890. Durante su convalecencia
empezó a pintar, y en 1891, ya recuperado, venció la oposición de sus padres y
abandonó la carrera de leyes para entrar en la Escuela Julian, donde se formó
bajo la dirección de Bouguereau.
En 1892 ingresó en el estudio de Gustave Moreau, en la
Escuela de Bellas Artes, en el que permanecería cinco años y donde conoció a
Georges Rouault y a Henri Manguin. Asistió también a los cursos nocturnos de la
Escuela de Artes Decorativas, en la que entabló amistad con Albert Marquet.
Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos
que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del
color y de la forma.
La verdadera liberación artística de Matisse, referida al
uso del color como configurador de las formas y planos espaciales, se produjo
bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista
de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. En La alegría de
vivir (1905-1906) resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de
Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será la
obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente
subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las
traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas
de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos,
que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.
La construcción con el color y la simplificación formal
dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el
color, que es el que da entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de
dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes. En su obra hay alegría,
serenidad, es un arte amable, apacible, es un camino hacia la profundidad de sí
mismo.
Recibió un reconocimiento internacional durante su vida
ganándose la aprobación de los críticos de arte y de los coleccionistas. Uno de
los encargos más importantes fue La música y La danza, donde volumen y ritmo se
conjugan armoniosamente. Usa tres colores para imprimir movimiento a los
bailarines que parecen flotar con ritmo.
Murió el 3 de Noviembre de 1954 en Niza, a la edad de
ochenta y cinco años. Su tomar el conocimiento del Neoclasicismo, Realismo, Impresionismo y Neoimpresionismo para crear un lenguaje moderno. Su mayor influencia llegó de Nicolas Poussin, Jean Siméon Chardin, Antoine Watteau, Gustave Courbet, Édouard Manet y Paul Cézanne. Aunque es uno de los fundadores del Fauvismo también logró importantes obras al margen de este. Su pintura manejó temas como la naturaleza muerta, el paisaje, el desnudo femenino y su propio entorno (el estudio). Sus obras llenas de vigor expresivo, color puro y gesto espontáneo le ganaron gran respeto y popularidad.
Fuentes: Escuelapedia.com, candelavizcaino.es, arteespana.com,
definición.de, wikipedia,el Baul de yorch.
Nació el 17 de julio de 1871 en Nueva York (Estados Unidos).Aunque Lyonel Feininger nació en Nueva York, sus padres Karl Feininger (violinista) y Elisabeth Feininger (pianista y cantante), músicos de origen alemán, quisieron que se trasladara a Hamburgo para completar su formación musical cuando tenía tan solo dieciséis años.
Feininger inició su formación en
Hamburgo, pero no tardó en cambiar de la música a las bellas artes, 1887
asistiendo a clases de dibujo y pintura en la Kunstgewerbeschule. En 1888 se
fue a vivir a Berlín y se matriculó en la Königliche Akademie, formándose con
Ernst Hancke hasta 1892. Posteriormente, durante un año, asistió a la escuela privada de arte
del escultor italiano Filippo Colarossi en París.
En 1893 Feininger regresó a Berlín, donde trabajó como ilustrador,
entre otras cosas, hasta 1906. Durante los siguientes dos años, Lyonel Feiniger
se quedó en París, donde se puso en contacto con el círculo "Café du
Dôme" de los estudiantes alemanes de Matisse y con Robert Delaunay.
1901 Feininger se casó con la pianista Clara Fürst , suhija Eleonore nació el mismo año y Marianne
en 1902.En 1905 conocería a Julia Berg,
su segunda esposa con la que 1906 viajaría a parís
En 1909, Lyonel Feininger se unió a la "Berliner Sezession",
en cuyas exposiciones Feininger participó por primera vez un año después.
Fue dibujante de tiras cómicas para revistas de humor alemanas y para
el Chicago Tribune hasta 1908.
el artista se adentró en un género entonces incipiente, del que sería
uno de sus primeros creadores: Sus viñetas fueron publicadas rápidamente,
aunque de manera puntual, en revistas americanas y alemanas. Esta actividad se
consolidaría con la firma de contratos para la revista alemana Ulk (en 1895),
Lustige Blätter [Páginas cómicas] al año siguiente, y, en 1906, el Chicago
Sunday Tribune: para este último, Feininger creó The Kin-der-Kids [Los niños
Kin-der] y Wee Willie Winkie’s World [El mundo de Willie Winkie], sus
historietas más relevantes.
Con motivo de su exposición en el "Salón de los Independientes",
el artista viajó a París en 1911, influenciado por los cubistas franceses,
principalmente por Robert Delaunay, se dedica a la pintura. Su conocimiento de
Alfred Kubin y los pintores "Brücke" Karl Schmidt-Rottluff y Erich
Heckel abrió nuevas dimensiones en sus obras en 1912. Feininger produjo sus
primeras composiciones arquitectónicas con sus típicas fragmentaciones
cubistasy en 1913, por invitación de
Franz Marc, Feininger participó en el "Erster Deutscher Herbstsalon"
en la galería "Sturm" de Herwarth Walden en Berlín, donde también
realizó su primera exposición individual en 1917.
En 1919 Walter Gropius lo invitó a formar parte de la Bauhaus para que
dirigiera el taller de grabado, en el que Feininger impartió clases hasta su
clausura por los nazis en 1932. Esta experiencia le hizo desarrollar en
profundidad la xilografía, técnica que le permitió ahondar en sus lienzos en el
juego de los distintos planos. Con la llegada del nazismo, su arte fue tachado
de ‘degenerado’.
Junto con Wassily Kandinsky, Paul Klee y Alexej von Jawlensky, Lyonel
Feininger fundó el grupo "Die Blauen Vier" en 1924.
En 1931 hubo una primera retrospectiva integral en el
"Kronprinzen-Palais" en Berlín, a donde el artista se mudó en 1933
En 1937 regresó a Estados Unidos y comenzó a trabajar el tema de los
rascacielos que habría de dominar casi toda la obra de su última época. Ese
mismo año, más de 400 de sus obras fueron confiscadas por los nazis en
Alemania. Feininger tuvo que esperar su avance como artista en los Estados
Unidos hasta 1944, cuando tuvo una exitosa retrospectiva en el Museo de Arte
Moderno de Nueva York. Desde 1945 Feininger realizó un curso de verano en el
Black Mountain College en Carolina del Norte, donde conoció a Gropius y
Einstein. En 1947 fue elegido presidente de la “Federación de Pintores y
Escultores de América” .,Como miembro de la Asociación Alemana de Artistas
Feininger 1953 participó en la tercera exposición anual en la hamburguesa
Kunsthalle, y presentado en los años siguientes hasta 1956 en Frankfurt,
Baden-Baden y Dusseldorf.
Feininger murió el 13
de enero de 1956 a la edad de 84 años en su casa deNueva York. Fue enterrado en el cementerio de
Mount Hope en Hastings-on-Hudson (Condado de Westchester, Nueva York).
Marianna vladímirovna verióvkina, su nombre en ruso, nació en tula,
rusia, el 10 de septiembre de 1860.
Su familia pertenece a la aristocracia y disfruta de una vida
acomodada.
1874 se inició en el aprendizaje del dibujo con 14 años comenzando
clases particulares en Moscú.
En 1880 entró en el taller del más famoso maestro del realismo ruso,
ilya repin.
En 1886 su padre es nombrado gobernador de la fortaleza peter and paul
y la familia se traslada a s. Petersburgo donde werefkin estudia con el pintor
ilya repin, uno de los grandes maestros del realismo ruso.
En 1888 tras un accidente de caza en el que se lesionó una de susmanos, tuvo queabandonar su apredisaje por un tiempo.
En 1892 conoce pintor alexei jawlensky, quien se convierte en su
compañero sentimental. A partir de ese momento ella abandona su propio trabajo
para iniciar un salón que rápidamente se convierte en un importante centro de intercambio
artístico concentrado en el nuevo movimiento, "el expresionismo."
En 1896, muere su padre, que le deja una muy buena pensión lo que
permite a la pareja trasladarse a munich , y a alexei jawlensky dedicarse solo
a la pintura.
Marianne von werefkin , durante 10 años se olvida de su propio trabajo
como pintora y se dedica por completo a la difusión de la obra de su compañero,
lo que le permite entrar de lleno en los círculos artística de la ciudad.
Después de una crisis privada con jawlensky que culmina con el
nacimiento de su hijo en 1902 y viajes de rehabilitación por francia, marianne
von werefkin retoma su arte en 1906 utilizando exclusivamente la témpera y el
goúache, para conseguir mayor luminosidad y transparencia.
Tras diez años sin pintar, en 1907 realizó la que sería su primera obra
expresionista, claramente influenciada por paul gauguin, louis anquetin y
edvard munch.
En 1910 se sumó al grupo nuova associazione degli artisti di monaco,
junto a jawlensky.
En 1909 fundó la neue künstlervereinigung münchen (nueva asociación de
artistas de munich, nkvm), que se convirtió en un foro de exposiciones y
reuniones donde se debatía sobre arte, a la que también perteneció franz marc.
Unos años más tarde wassily kandinsky y franz marc se distanciaron de
este grupo para fundar der blaue reiter (el jinete azul), al que se unieron
después , august macke y gabriele münter; ella misma comenzó a exponer con este
grupo en 1913.
Tras estallar la primera guerra mundial, se refugió junto a jawlensky,
en suiza, cerca de ginebra; e n 1922, la abandona jawlensky que se traslada a
alemania; ella decide quedarse definitivamente en ascona . En esta ciudad se
relacionan con los intelectuales y ocultistas que se reúnen en monte verité.
En 1924 fundó el grupo «grosser bar» (osa mayor).
En sus últimos años hubo de pintar carteles para poder subsistir,
siendo ayudada por sus amigos carmen y diego hagmann.
Murió en ascona, el 6 de febrero de 1938 a los 78 años de edad, siendo
enterrada en el cementerio ruso de esta ciudad.
fuentes. murnau,Biografías
y curiosidades en Facebook,mcnbiografias
Nació el 5 de diciembre de 1866 en Moscú. (nacionalizado
alemán y posteriormente francés), destacado pionero y teórico del arte
abstracto. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de
dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las
manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte
propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra
de Rembrandt y Monet.
Hijo de Lidia Ivánovna Tijéieva, natural de Moscú, y de
Vasili Silvéstrovich Kandinski, comerciante de té. Su abuela era alemana y por
parte paterna, pertenecía a la aristocracia mongola de la dinastía Gantimúrov.
Cursó estudios de Derecho y Ciencias económicas en la
Universidad de Moscú. Además estudió etnografía. Realizó estudios de pintura y
dibujo en Odessa.
En 1892, contrajo matrimonio con su prima Anna Chemyákina,
con quien convivió hasta 1904.
Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la
docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico
ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de Franz von Stuck y en
ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada
amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera,
y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del
postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.
Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a
Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en
Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910.
Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la
representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial,
y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la
simplificación formal.
Este descubrimiento le condujo a una experimentación
continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la
abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la
exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los
expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis
teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza
y sus formas.
Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó numerosas obras que
agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las
improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que
aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se
caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores; en
ellos todavía se percibe un poco la presencia de la realidad.
En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der
Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich.
Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho
vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual
en el arte (1910) y en el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos
y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas,
como partituras de Schönberg (Kandinsky mantuvo una constante y fructífera
relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e
infantil.
Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a
Moscú; allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del
Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917
se casó con Nina Andreievsky, y cuatro años más tarde se trasladó con ella a
Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde
continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.
La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su
obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto
compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de
su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos
circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para
la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano.
En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se
instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular
búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de
manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos
eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.
Wassily Kandinsky falleció el 13 de diciembre de 1944 en
Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.
Este pintor alemán nació el 3 de febrero d 1887 llegando a
ser uno de los miembros más sobresalientes del movimiento del expresionismo
alemán conocido como Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).
Había nacido en la localidad de Meschede, Alemania, hijo de
un próspero contratista inmobiliario August Friedrich Hermann Macke, su padre y
de María Florentine née Adolph, su madre, que provenía de una familia de
granjeros de la región de Sauerland.
Inicialmente la familia se asentó en la Brüsseler Straße,
hasta cuando August tuvo trece años de edad, cuando se trasladan a Bonn en
donde vive la mayoría de su vida, con excepción de los períodos en general
cortos que pasó en el Lago de Thun, Suiza y los pocos viajes que hizo a París,
Italia, Holanda y Túnez.
Interesado por el arte, estudia en la Academia de Bellas
Artes de Bonn y en la Escuela de Artes y Oficios de Düsseldorf.
Pasó la mayor
parte de su vida creativa en Bonn, excepto breves períodos en el Lago de Thun
(Suiza) y algunos viajes al extranjero que marcarían su desarrollo como
artista: París, Italia, Holanda y Túnez.
En parísen 1907allí entra en contacto con los impresionistas
y con los pintores Cezanne y Matisse.
En 1910, ya de regreso en Alemania y gracias a su amigo
Franz Marc, entra en contacto con Kandinsky compartiendo con él los elementos
simbólicos y místicos de la escuela de Der Blaue Reiter.
En 1911 participa en la fundación, en Munich, junto a Franz
Marc, Paul Klee, Kandinsky y Alexey von Jawlensky de la asociación
expresionista Der Blaue Reiter (El jinete azul), grupo que celebró su primera
exposición colectiva ese mismo año. Desde 1911 hasta 1913 este grupo de
creadores transforma el expresionismo alemán, convirtiéndose en una de las
corrientes artísticas más importantes del siglo XX. Su primera exposición, en
la Galería Moderna "Thannhäuser" de Múnich, dio cabida a 49 obras de
Henri Rousseau, Albert Bloch, Heinrich Campendonk, Robert Delaunay, Wassily Kandinsky
y el propio Macke, entre otros.
Dado el interés del público en este nuevo arte,
esa exposición se transformará en una muestra itinerante, recorriendo varias
ciudades, entre ellas Colonia y Berlín. La segunda exposición del grupo se
desarrolló desde el 12 de febrero hasta el 18 de marzo de 1912 en la librería y
galería de arte muniquesa "Hans Goltz". En ella se exhibieron 315
dibujos y la obra gráfica de más de 30 artistas de vanguardia.
Nuevamente en París, en 1912 Macke conoce a Robert Delaunay,
lo que será toda una revelación. El cubismo cromático del artista francés,
bautizado por Apollinaire como "orfismo", se impuso a partir de
entonces en su obra, transitando la frontera con la abstracción y perdiendo
peso progresivamente la representación de la realidad.
La última gran
convulsión en su arte tendrá lugar en 1914, cuando viaja a Túnez con Paul Klee,
que también había sido miembro del grupo Der Blaue Reiter. Esa breve estancia
en África le produce un profundo impacto por la luz y el color del paisaje, que
va a marcar las obras de su etapa final.
Poco después, el 28 de julio, estalla la Primera Guerra
Mundial y August Macke acude al frente como combatiente. Menos de dos meses
después de empezar la guerra, el 26 de septiembre, Macke muere en el frente, en
suelo francés, cerca de Perthe-les-Hurlus en la región de Champagne. (Fallece
el 26 de septiembre de 1914 a sus27
años de edad)
A pesar de haber dado su vida por Alemania en la Gran
Guerra, pocos años después el Partido Nazi incluiría sus obras en el catálogo
de "artistas degenerados", vetando sus cuadros en museos y galerías y
convirtiéndoles en objeto de burlas por su pintura de vanguardia.
Es una de las artistas plásticas más influyente del siglo
XX; fue pintora, escultora, diseñadora teatral y de vestuario, perteneciendo a
varios colectivos rupturistas y de vanguardias europeas de la pre guerra, y con
inspiraciones cubistas y futuristas, que se mezclaban con iconografías rusas.
Nació en el pueblo de Ladýzhino, cerca de Tula, Rusia en
1881.
Nacida en una familia de la alta burguesía rural y biznieta
de Alexander Pushkin, se crió en una granja de la provincia de Tula
1898: Estudió escultura en la Escuela de arte, escultura y
arquitectura de Moscú, pero comenzó a pintar en 1904. Se inspiró en los
aspectos primitivos del arte folclórico ruso e intentó reflejarlos en su propia
obra, incorporando elementos fauvistas y cubistas. Junto a Mijaíl Lariónov
desarrolló el rayonismo. Fueron los padres del avant-garde ruso
pre-revolucionario, organizando la exposición La cola del burro de 1912 y
exponiendo con Der Blaue Reiter en Múnich el mismo año.
Natalia Goncharova destacó por su liderazgo dentro de la
vanguardia rusa anterior a la
Revolución soviética y por su intensa
colaboración en la puesta en escena de los ballets de su compatriota Serguéi
Diághilev.
En el 1900 conoció a Mijaíl Lariónov y formó una relación de
por vida con él. Conoció el arte postimpresionista francés gracias a la
exposición Vellocino de Oro, de 1908, que dejó una influencia decisiva en unas
obras en las que predominaban los temas rurales rusos. En 1910 fue miembro
fundador de la Sota de Diamantes. Dos años más tarde lo abandonó junto a
Lariónov para fundar El Rabo de Burro y fue la principal protagonista de la
exposición que se celebró con este nombre. En este momento, algunas de sus
obras continuaban relacionándose directamente con el mundo de los iconos y el arte
popular ruso, mientras que en otras comenzaba a ser evidente la influencia del
cubismo y el futurismo. De ahí evolucionó al rayonismo, estilo en el que
realizó una serie de vistas de bosques en 1913. Su obra fue bien acogida por la
crítica y el público, aunque su estilo de vida, alejado de los
convencionalismos sociales, estuvo siempre acompañado de una cierta polémica.
Goncharova fue miembro del grupo avant-garde Der Blaue
Reiter desde sus comienzos en 1911.
En 1913 Goncharova protagonizó su primera gran exposición en
Moscú para la que produjo más de 800 obras.
En 1914 Goncharova participó en la puesta en escena de Le
Coq d’or de Diághilev, la primera de toda una serie de colaboraciones que
hicieron que en Francia y Occidente se la conociese principalmente como
escenógrafa. Viajó con Diághilev y Lariónov a Suiza, Italia y España, y cuando
en 1919 establecieron su residencia en París, su trabajo juntos continuó siendo
muy fructífero. La muerte de Diághilev, en 1929, supuso para ella un cierto
declive en su creatividad. Goncharova y Lariónov contrajeron matrimonio en
1955. Pocos meses antes de su muerte, acaecida en 1962, el Arts Council de
Londres organizó una exposición retrospectiva de la obra de ambos en la que se
reconocía su importancia dentro de panorama artístico ruso y europeo del siglo
XX.
Los últimos años los pasó en la pobreza y muere en París, el
17 de octubre de 1962.
