TRANSFER, TRANSPORT, TRANSIT.

Con este nombre el artista  egipcio Chant Avedissian  inauguró el pasado 25 de marzo su primera exposición individual  en España  en la Galería Sabrina Amrani de Madrid.

Chant Avedissian

Transfer, para Chant Avedissian, es la manera en que el artista conecta con las expresiones culturales de sus raíces para traerlas al presente.

El concepto de Transport implica el movimiento a través de las fronteras de tierras, reinos y países. Ya no es solo la capacidad de traer el mundo antiguo al presente, sino la posibilidad de acortar distancias y adoptar formas de arte y artesanía de distintos puntos cardinales de todo el planeta y llevarlos a su trabajo

Transit, nos recuerda la perennidad, lo efímero, el estado transitorio en el que todos nos encontramos y la constante reapropiación del individuo.

Avedissian nació en 1951 en El Cairo.

Hijo de refugiados armenios. 

Tras estudiar Bellas Artes en la Escuela de Arte y Diseño en Montreal y artes aplicadas en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas de París durante la década de 1970, Avedissian regresó a Egipto y  en sus trabajo se refleja la fusión de técnicas, conceptos y experiencias adquiridas en el extranjero con la herencia armenio-egipcio. 

Su relación con Hassan Fathy, un arquitecto egipcio que abogaban por el uso de materiales y mano de obra local, inclino a Avedissian a ver las tradiciones locales del arte, sus materiales y sus propiedades como un punto para enriquecer su obra. Su trabajo va desde la fotografía, Diseño textile , stencils pintados sobre cartón.  

Fotografías facilitadas por  la Galería Sabrina Amrani.

FERNANDO DE SZYSZLO: ‘EL ARTE HOY ES BANAL Y VACÍO, COMO LA SOCIEDAD’

El pintor Fernando de Szyszlo, una de las figuras más relevantes del arte y la cultura peruana, acaba de publicar sus memorias en España, La vida sin dueño, un recorrido por el siglo XX y lo que va del XXI donde habla de sus relaciones con escritores como Mario Vargas Llosa o critica al arte actual.

“El arte contemporáneo corresponde a la sociedad en la que vivimos hoy, banal, vacío, gestual, conceptual, siempre tiene que haber una persona que le explique al espectador lo que está viendo”, explica Szyszlo (Lima, 1925) en una entrevista telefónica.

“Matisse decía 'si eres pintor córtate la lengua', porque trabajar es trabajar la forma y el color, no hay nada que explicar y contar”, subraya este artista que escribe en sus memorias, publicadas por Alfaguara, que “el arte contemporáneo es una amenaza contra la pintura”.

“Las nuevas tecnologías no me interesan nada en el arte –argumenta–, son un puro divertimento. Yo he sido jurado de algunos concursos en Estados Unidos donde se utilizaba siempre la computadora y al principio fascina la idea de hacer, por ejemplo, un dibujo en tres dimensiones, pero luego siempre es algo muerto, decorativo, no hay alma”, recalca.

“No hay nadie que sufra o goce detrás; hay alguien que manipula que tiene sutileza pero no contenido”, precisa Szyszlo que estos días tiene una de sus grandes pictóricas en Madrid, en la sala Alcalá 31, dentro de la muestra de la colección Hochschild, premiada este año con la A de ARCO 2017.

El título de las memorias de Szyszlo, La vida sin dueño, es una idea que obedece a la vida en busca de la libertad que siempre ha perseguido al pintor.

“He tenido la suerte de haber tenido una profesión en la que no había un jefe y nunca he tenido que tener cuidado con lo que decía por temor a ofender a nadie. Toda mi vida he dicho lo que pienso. Eso es la suerte del artista y es a lo que se refiere mi título”, dice.

Considerado el maestro de la pintura peruana, el nonagenario Szyszlo repasa en el libro su infancia, su juventud con los artistas que en los 1940 hicieron “la revolución cultural” en Lima, habla de lecturas, de pintores, de su vida con las mujeres, las únicas que le “distrajeron de la pintura”, reconoce, aunque afirma que fue “fiel” y solo tuvo “tres grandes amores”.

Habla de su última mujer, Lila Yábar, y de su primer matrimonio con la gran poeta Blanca Varela, con la que se fue muy joven a París, donde fueron “muy niños y muy pobres”, y de cómo cuando murió Varela vio llorar a Vargas Llosa, su gran amigo y del que también comenta en el libro el incidente que este tuvo con Gabriel García Márquez y que costó la amistad entre los dos escritores.

De Vargas Llosa añade que es “radical en sus rupturas”. El Premio Nobel peruano escribió hace poco en su columna Piedra de toque que Szyszlo era el “mejor amigo” que tenía “el más extrañado y recordado”. Y precisaba que si el artista se hubiera quedado a vivir en Europa o Estados Unidos hubiera tenido mucha más fama.

“Pues podría ser verdad lo que dice Mario –sostiene– pero en Perú tengo todos mis vínculos y creo, como Unamuno, que la única manera de expresarse es de lo local a lo universal. Tener raíces profundas es lo que siempre he buscado. No he buscado tener éxito, aunque lo he tenido, y no he dependido de nadie, y eso es tener mucha suerte”, añade.

Gran lector, comprometido política y socialmente –“nunca he tenido partido pero soy una persona liberal de izquierdas sin dogmas”, aclara–, Szyslo confiesa que le da “envidia sana” la situación de su amigo Mario Vargas Llosa: “Le veo tan bien, tan enamorado, tan feliz, que da envidia”, concluye riéndose este artista que sigue pintando cada día a sus casi 92 años.

Tomado de www.elnuevoherald.com/vivir-mejor/artes-letras/article136075373.

Por:Carmen Sigüenza

ARTE COLOMBIANO EN ARCO 2017

El artista Bogotano Ivan Argote recibió el premio Illy Sustainart en la feria de arte ArcoMadrid 2017,  Por su proyecto is this tomorrow. 

El jurado, formado por ferrán barenblit, director del macba, patrick charpenel, curador independiente –méxico- y carlo bach, director de arte de illycaffè, ha reconocido al artista colombiano de 33 años por su deconstrucción con humor de la realidad política, social e histórica del mundo globalizado. 

OBRA: UN NUEVO FINAL DE IVAN ARGOTE

FOTO ARCHIVO TITO AILLON TOVAR

El premio illy sustainart nació hace diez años con el objetivo de difundir el enfoque de la compañía hacia el crecimiento sostenible en la comunidad artística internacional, ofreciendo oportunidades de visibilidad e intercambio dentro del mercado de los artistas procedentes de países productores de café.

MADRID Y SUS FERIAS DE ARTE

Como ya es costumbre en el mes de febrero, Madrid, la capital española, se convierte por una semana en la sede  del arte  mundial.

Del 22 al 26 de febrero 2017, se llevará a cabo la reconocida feria de arte Arco Madrid, que es el eje principal del momento del arte internacional además de algunas ferias alternas, como Justmad, Art  Madrid, Flecha y Drawing Room que  en los últimos años vienen  aportándole a la semana del arte sus propuestas.  En este 2017  debutan dos ferias más Urvanity y Hybrid.

FOTO ARCHIVO

*ARCOMADRID: del  22 al 26 de febrero con  200 galerías de 27 países, cumple 36 años, dentro de la feria se desarrollará el salón Leibniz. 
Galerias colombianas participantes;  Nueve Ochenta y Casa Riegner

*JUSTMAD: feria de arte emergente,en su octava edición la cual contara con 28 expositores de 14 paises. 

*ART MADRID, la cual cumple 12 años, contará con 43 galerías nacionales e internacionales, que representan a más de 300 artistas. 

*FLECHA (Feria de Liberación de Espacios Comerciales Hacia el Arte), celebra su 26 edición representando 53 artistas.

DRAWING ROOM, en su segunda edición es la única feria española dedicada al dibujo contemporáneo, reúne a 37 artistas representados por 21 galerías nacionales e internacionales.

*URVANITY se suma a la semana con un evento centrado en el arte urbano a través de 17 galerías nacionales e internacionales.

*HYBRID tendrá su primera edición como feria de arte, Hybrid es un festival y una feria internacional de arte emergente que tendrá lugar los días 24, 25 y 26 de febrero de 2017 durante la Semana del Arte de Madrid. Participan 34 espacios de arte con y sin fines de lucro, desde galerías a espacios de arte híbridos y colectivos de artista.

SANTIAGO MARTÍNEZ DELGADO SU OBRA EN CÚCUTA

Jesús encuentra a Maria 

Hoy  un amigo me hizo llegar  un artículo  de prensa  fechado: "Cúcuta, martes10 de enero de 2017", en el cual se trata  un caso más de la indiferencia que se suele tener en nuestro país por el patrimonio artístico.

Hay muchos casos donde la negligencia, el silencio,el olvido y la indiferencia  por lo que le pueda pasar a las piezas de arte, llámese pinturas, esculturas, murales, etc., ocupan el ámbito nacional. Cada vez que una obra artística o arquitectónica se  destruye la ciudad pierde parte de su pasado y al perderse del pasado se pierde identidad y si no hay identidad se pierden valores. 

En muchos  casos se pisotea el pasado glorioso de una ciudad en nombre del progreso; no es que el progreso sea malo si no que hay que ver a que contribuye en una sociedad que debe valorar las dos caras de la moneda. Porque un país, una ciudad y una persona debe saber de su pasado, presente y futuro.

El articulo en mención trata de un mural que el artista Santiago Martínez Delgado elaboró para los inversionistas  antioqueños que llegaron a la ciudad  de Cúcuta  en los años  50. Dicho mural se encontraba en el  Banco Comercial Antioqueño, y representaba la reunión que se llevó a cabo en Villa del Rosario entre Santander y Bolívar. Tristemente, tal mural terminó adornando un parqueadero de carros y motos en el centro de la ciudad.

Yo personalmente recuerdo ese edificio,recuerdo el mural que de niño visité  con mi padre . Recuerdo Caminar y hacer  fila frente al gran y colorido mural. ¿de quién era?  No lo sabía  ni tampoco me interesaba, la verdad es que  no fue la única obra que conocería de este artista en la ciudad, sin saberlo, puesto que también conocí unos cuadros que representaban parte del Viacrucis,  los cuales se encontraban  en la catedral de Cúcuta  o el relieve  en piedra que adornaba o adorna la fachada del palacio nacional  o parque de la bola, como lo conocí yo.

Sería  años  mas tarde cuando  comenzaba mis clases en el  desaparecido instituto de bellas artes de Norte de Santader, que una tarde  de 1986 me encontré con el maestro Carlos Cormane , uno de mis profesores,  en el edificio en mención y sería él el encargado de informarme sobre la  obras de MartÍnez en la ciudad de Cúcuta.

La verdad es, sin demeritar la preocupación del autor del articulo, que este asunto es viejo; porque si no estoy mal lo del parqueadero viene del 2012.  Por eso es bueno refrescar la memoria de su patrimonio  aunque  en este caso no hay nada que hacer  porque el inmueble es privado  y  la ciudad no tiene ninguna injerencia sobre el mural, aquí solo resta esperar que los tenedores tengan el buen criterio de conservar el mural  como menciona el artículo.

Hay algunos datos que creo vale la pena resaltar:

Aunque el mural causaba sensación para algunos, también fue  blanco de duras críticas por parte de historiadores, artistas y críticos de arte de la época.

Al artista fue contratado por la curia de Cúcuta para realizar las catorce estaciones del Viacrucis; de ello el artista entregó cinco estaciones: Cristo cae con su cruz, Encuentro con la Madre, La Crucifixión, Jesús ante Pilatos, y La Agonía del Huerto.

Disculpen que afirme y niegue la existencia de las piezas pero la verdad es que no visito la ciudad desde el año 2005 y por lo tanto no puedo dar fe de sus existencia.

A continuación dejo la información del articulo. copie y pegue en su navegador.

 http://www.laopinion.com.co/cucuta/lugar-con-historico-mural-convertido-en-parqueadero-125821#ATHS

ESCULTURA EN MI CIUDAD PARTE 12

MONUMENTO AL GENERAL ANTONIO BARAYA

Autor: Bernardo Vieco / Material:Bronce / Inaugurado: 9 de agosto de 194

Ubicación: Separador calle 39 con carrera 13

MONUMENTO A POLICARPA SALAVARRIETA 

Autor: Dionisio Cortés.

Inauguración: 29 de julio de 1910.

Emplazamiento: Carrera 3 con calle  18.

La primera referencia que se conoce sobre un anteproyecto para erigir una estatua a la heroína de la Independencia Policarpa Salavarrieta (¿1794?-1817), fue la Ley 15 del 2 de octubre de 1894, que designó una partida de diez mil pesos para financiar un monumento que  se construiría en la población de Guaduas.1 Ese mismo  año,  Simón Mariño presentó al Ministro de Fomento una propuesta del monumento, donde proyectó una estatua pedestre sobre un hermoso pedestal cercado por una verja de hierro. Los materiales planteados para su construcción eran piedra, mármol y bronce. No obstante, esta obra nunca se instaló.

Años después, durante la exposición organizada por la Escuela Nacional de Bellas Artes en el año de 1899, el escultor Dionisio Cortés presentó el óleo titulado “La Aplanchadora” y en la sección de escultura exhibió la obra sedente titulada “La Pola”, que no recibió ningún reconocimiento académico. Esta estatua más tarde fue utilizada como modelo para la reproducción emplazada en la antigua Plaza de Las Aguas. Ese mismo año, el maestro Cortés participó en un concurso de escultura abierto por el Ministerio de Instrucción Pública, donde obtuvo el primer premio con un modelo pedestre que representaba a la heroína de la Independencia.2

Durante la celebración del primer centenario de la Independencia, la junta de festejos del barrio de Las Aguas –por iniciativa del presbítero Darío Galindo que contó con el apoyo económico de los vecinos de la parroquia– encargó al escultor Dionisio Cortés modelar una estatua de la mártir de la Independencia Policarpa Salavarrieta, que fue vaciada en cemento e instalada en la antigua plaza del barrio. Este lugar, a partir del Artículo 3º del Acuerdo número 30 de 1894, se llamó “Plaza de Policarpa Salavarrieta”, nombre que fue ratificado mediante los Acuerdos número 8 de 1913 y número 3 de 1919. La inauguración de la única estatua sedente de La Pola en Bogotá, se llevó a cabo el viernes 29 de julio de 1910.3

Durante el siglo XX, la estatua de La Pola fue epicentro de varios homenajes públicos y festejos patrios. Entre ellos, se destacaron los honores rendidos con motivo del primer centenario de su muerte. Esta conmemoración, que se oficializó por medio de la Ley 10 de 1917, contó con la participación de un carro alegórico, dirigido por miembros de la sociedad, delegados del Ejército Nacional y algunos miembros de la Academia de Historia.4 Luego, durante los festejos  del sesquicentenario de la Independencia, se rindieron honores a     las mujeres y a su lucha por la libertad con numerosos discursos y ofrendas florales frente a la estatua.

En el sesquicentenario de la muerte de Policarpa Salavarrieta, durante el programa de “homenaje a la mujer de la Independencia”, la junta de festejos patrios de la Academia Colombiana de Historia propuso el remplazo de la estatua debido a las malas condiciones en que se encontraba.

Siguiendo la tradición de otros monumentos de la época, el pedestal original –que tenía la inscripción “Yace por salvar la patria”– fue sustituido por otro de menor mérito. En su lugar se colocaron tres placas grabadas en piedra que aún permanecen. La ubicada en la cara frontal dice: “Policarpa Salavarrieta Ríos ‘La Pola’. Nació en Guaduas el 26 de enero de 1795. Fusilada en Bogotá el 14 de noviembre de 1817. Homenaje del Colegio Militar Antonio Ricaurte”. La placa situada en el costado derecho expresa: “Antes de morir dijo: Pueblo indolente, distinta sería vuestra suerte si conocierais el precio de la libertad”. La placa ubicada en la izquierda cita otra de sus frases: “Aunque mujer y joven, me sobra valor para sufrir la muerte y mil muertes más. Viva la libertad”. El sábado 27 de julio de 1968 fue inaugurada la tan anhelada estatua de bronce de La Pola, reproducción que estuvo a cargo de Gerardo Benítez.5

1. Leyes Colombianas de 1894, Bogotá, Imprenta Nacional, 1894, p. 14.

2. El Gráfico, serie I, núm. 5, agosto 20 de 1910, portada.

3.Primer Centenario de la Independencia 1810-1910, op. cit., p. 353.

4.“La procesión cívica en honor de la Pola”, El Gráfico, serie XXXVIII, núm. 379-380,    

      noviembre 17 de 1917, p. 229; “Centenario de la Pola”, Cromos, vol. IV, núm. 92,  

      noviembre 17 de 1917, p. 301.

5. Boletín de Historia y antigüedades, vol. LV, núm. 645, 646, 647, julio, agosto, septiembre de   1968, p. 347.

Tomado de Bogota Museo a Cielo Abierto , Guía

de Esculturas y Monumentos  en espacios Publicos 

ANDREA MANTEGNA

Frescos de la Capilla Ovetari

Nacio  en 1431 en una pequeña localidad del Véneto entre Vicenza y Padua. De orígenes humildes, muy pronto quedaría huérfano, siendo criado por su hermano mayor y por Francesco Squarcione, pintor y coleccionista paduano a cuyo taller se incorporaría Andrea cuando tan sólo contaba con 10 años.

De la mano de Squarcione, el joven Mantegna iniciaría su formación clásica gracias a la influencia de su maestro dentro de los círculos humanistas de Padua; por aquel entonces, uno de los centros ilustrados más importantes del Renacimiento del norte de Italia. Allí, además de visitar Venecia, tendría la oportunidad de conocer de primera mano la obra de Donatello, Filippo Lippi y Paolo Uccello.

Con sólo 17 años y de una manera no del todo amistosa, rompería con Francesco Squarcione para establecerse por su cuenta, recibiendo entonces sus primeros encargos que le harían ganar una cierta reputación, lo que le serviría, en uno de sus viajes a Venecia, para unirse en matrimonio con una hija del reconocido pintor Giovanni Bellini.

A mediados de los años cincuenta, fue llamado a la corte de los Gonzaga en Mantua para sustituir a Pisanello como pintor de cámara, dedicando desde entonces la mayor parte de su vida al servicio de los diferentes mandatarios mantovanos que fueron sucediéndose: Ludovico, Federico y, sobre todo, Francesco.

Tras un breve periplo romano reclamado en 1487 por el Papa Inocencio VIII para una serie de encargos en el Vaticano, regresa a Mantua, donde se incorporaría al estudio de Isabella d'Este, esposa del Duque Francesco II Gonzaga y una de las más cultas damas humanísticas del Renacimiento Italiano, la cual, supo rodearse de los mejores pinceles del momento.

En 1506 y con nada menos que 75 años de edad, fallecería Andrea Mantegna en Mantua acuciado por problemas económicos ya que, durante los últimos años de su vida.

Oración del huerto

 fuente: arteespana.com