TENDENCIAS CONTEMPORANEAS PARTE 6

ENVIRONMENT ART (Arte ambiental o arte ecológico)

El término puede usarse generalmente en referencia a un arte que trata de temas ecológicos o el medio ambiente natural, mediante 1 suscitando la conciencia de la fragilidad de la naturaleza (lo que incluye fotografía basada en el paisaje, pintura, dibujos, libros-obras y arte propio de un lugar) 2 investigando fenómenos naturales (incluye ilustración científica así como prácticas artísticas interdisciplinares) 3 usando materiales naturales reunidos en el exterior (como ramillas, hojas, piedras, suelo, plumas; lo que a menudo es llamado Arte de la naturaleza) 4 no contribuyendo a la degradación medioambiental (lo que incluye obras «verdes» realizadas con materiales biodegradables o reciclados; la «Eco escultura»,que está sensiblemente integrada en un hábitat natural) El término también se usa para referirse a un arte específico de un lugar o a escultura medioambiental, que a menudo se usan para crear una obra que es «medioambiental» en el sentido anterior, pero que también puede relacionarse con otros aspectos del «medio ambiente», tales como el contexto formal, político, histórico o social. 

Historia 

el arte ambiental como un movimiento, comenzando a finales de los años 1960 o en los setenta. En sus primeras fases se relacionó sobre todo con la escultura - especialmente con el «arte para un lugar específico» (Specific-site art), el Land Art el Arte povera- habiendo crecido como una forma de crítica hacia las formas escultóricas y prácticas tradicionales que eran vistas de forma progresiva como desfasadas y potencialmente en desacuerdo con el medio ambiente natural. La categoría, actualmente, abarca muchos medios artísticos. El Arte ambiental también crea consciencia de la importancia de reciclar materiales. Al identificar el Arte ambiental debe diferenciarse claramente entre artistas que dañan el medio ambiente de aquellos otros que pretenden no causar daño a la naturaleza, en realidad, su obra podría involucrar restaurar el paisaje inmediato para volverlo a un estado natural. Por ejemplo, a pesar de su mérito estético, la celebrada escultura del artista Robert Smithson Spiral Jetty (1969) implicó un daño permanente considerable al paisaje en el que trabajó.El paisaje se convirtió en una forma de campo de residuos, y Smithson usó un bulldozer para raspar y cortar el paisaje, afectando al lago. El arte se convertía entonces en otra forma de contaminación del medio ambiente. Otros artistas land art han sido también objeto de crítica, como el escultor europeo Christo cuando envolvió temporalmente la costa de Little Bay, al sur de Sydney, Australia, en 1969. Los ecologistas locales protestaron argumentando que la obra era ecológicamente irresponsable y afectaba al medio ambiente local de manera negativa, especialmente a los pájaros que tenían nidos en los acantilados envueltos. Las quejas subieron de tono cuando varios pingüinos y una foca quedaron atrapados bajo la tela y tuvo que cortarse. Los comentarios de los ecologistas atrajeron la atención internacional hacia los círculos medioambientales,y llevó a que los artistas contemporáneos de la región se replantearan las inclinaciones del Land art y el arte para un lugar específico.   

Land Art ( arte de la tierra) es una tendencia del arte que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisaje desérticos del Oeste estadounidese a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman earthworks, palabra que puede traducirse como excavaciones, aterramientos o desmontes). 

El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. Otras nuevas modalidades artísticas del mismo tipo serían en body-art, el happening o el arte povera.  pobre arte El(voz italiana para "arte pobre") es una tendencia dada a conocer a finales de los sesenta, cuyos creadores utilizan materiales considerados 'pobres', de muy fácil obtención: como madera, hojas o rocas placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o, también, de desecho y, por lo tanto, carentes de valor. En un esfuerzo por huir de la comercialización del objeto artístico, ocupan el espacio y exigen la intromisión del público. Tratan de provocar una reflexión entre el objeto y su forma, a través de la manipulación del material y la observación de sus cualidades específicas. Acuñado por el crítico y comisario de arte italiano Germano Celant en 1967 para el catálogo de la exposición 'Arte povera – Im Spazio',intentaba describir la tendencia de una nueva generación de artistas italianos a trabajar con materiales nada tradicionales y supuso un importantísima reflexión estética sobre las relaciones entre el material, la obra y su proceso de fabricación y también un claro rechazo hacia la creciente industrialización, metalización y mecanización del mundo que les rodeaba, incluido el del arte. Aunque originario de ciudades como Turín, Milán, Génova o Roma y de carácter muy heterogéneo, el movimiento tuvo en seguida mucha influencia, gracias a la documenta V de Kassel, en las escenas artísticas europea y americana. El término se usó por primera vez una exposición veneciana en el añola obra y su proceso de fabricación y también un claro rechazo hacia la creciente industrialización, metalización y mecanización del mundo que lesrodeaba, incluido el del arte. Aunque originario de ciudades como Turín, Milán, Génova o Roma y de carácter muy heterogéneo, el movimiento tuvo en seguida mucha influencia, gracias a la documenta V de Kassel, en las escenas artísticas europea y americana. El término se usó por primera vez una exposición veneciana en el añola obra y su proceso de fabricación y también un claro rechazo hacia la creciente industrialización, metalización y mecanización del mundo que les rodeaba, incluido el del arte. Aunque originario de ciudades como Turín, Milán, Génova o Roma y de carácter muy heterogéneo, el movimiento tuvo en seguida mucha influencia, gracias a la documenta V de Kassel, en las escenas artísticas europea y americana. El término se usó por primera vez una exposición veneciana en el añoEl término se usó por primera vez una exposición veneciana en el añoEl término se usó por primera vez una exposición veneciana en el año 1967.

Tendencias Contemporaneas parte 5

Minimalismo

El término minimalista se refiere a cualquier cosa que haya sido reducida a lo esencial, despojada de elementos sobrantes.
Es una traducción transliteral del inglés minimalist, que significa minimista, o sea, que utiliza lo mínimo (minimal en inglés). Es la tendencia a reducir a lo esencial.
+El término "minimal" fue utilizado por primera vez por el filósofo británico Richard Wollheim en 1965, para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros objetos de muy alto contendio intelectual pero de bajo contenido formal o de manufactura, como los ready-made de Marcel Duchamp.

Como movimiento artístico, se identifica con un desarrollo del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, iniciado en el año 1960
Según el diccionario de la real academia española , el minimalismo es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas geométricas simples, tejidos naturales,etc.
El minimalismo es una corriente estética derivada de la reacción al pop art. Frente al
colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al
fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, barajó conceptos
diametralmente opuestos. El sentido de la individualidad de la obra de arte, la
privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el
espectador. Así como la importancia del entorno como algo esencial para la
comprensión y la vida de la obra.
Características:Abstracción.
Economía de lenguaje y medios.
Producción y estandarización industrial.
Uso literal de los materiales.
Austeridad con ausencia de ornamentos.
Purismo estructural y funcional.
Orden.
Geometría Elemental Rectilínea.
Precisión en los acabados.
Reducción y Síntesis.
Sencillez.
Concentración.
Protagonismo de las Fachadas.
Desmaterialización.


posminimalismo
Partiendo del aludido “Arte minimal” y parejo a su consecuencia ”arte procesual“, tenemos una nueva generación de artistas que profundizaron llevándolo a un punto más exótico y original. Añadieron, en contraposición al carácter neutral de las obras minimalistas, sensualidad y vitalismo utilizando nuevos materiales, como látex, vinilos, sacos…
Los inicios de este nuevo estilo los tenemos en el periodo de pleno apogeo del minimal con una exposición comisariada por Lucy R. Lippard, en 1966 en Nueva York.
A pesar de no llegar a la arbitrariedad, encontramos en este novedoso movimiento, la reconciliación de efectos formales diferentes y una combinación de realidades heredadas del surrealismo.
Esta herencia es un punto contravertido en la abstracción excéntrica, ya que fuera de esta combinación de realidades, nada hay de surrealista en el movimiento. Careciendo de interferencias emocionales y sin asociación aparente al subconsciente del autor.
Una de las más grandes personalidades de este movimiento es Eva Hesse, que en el año 1965 profundiza y reflexiona acerca del vigente arte minimal desde su más completo conocimiento ya que es amiga íntima del artista Sol Le Witt. Así, su arte pasa la frontera de lo minimal y se concentra en la experiencia humana, en la intuición, en la memoria, en el sexo…

Arte procesual
El arte procesual o arte en proceso (en inglés, Process art) es un movimiento artístico así como un sentimiento creativo y un punto de vista sobre el mundo donde el producto final del arte y la artesanía, el objeto de arte, no es el centro de atención principal. El «proceso» en el arte procesual se refiere al proceso de la formación de arte: la búsqueda, clasificación, recopilación, asociación y estampado. El arte procesual está preocupado con el hacer real; el arte como un rito, ritual y performance. El arte procesual a menudo acarrea una motivación inherente, racional e intencional. Por lo tanto, el arte se ve como un viaje creativo o proceso, más que como el producto acabado.
El arte procesual ha sido considerado un movimiento creativo en los EE.UU. y Europa a mediados de los sesenta. Tiene sus raíces en las pinturas de goteo (dripping) de Jackson Pollock y su empleo de la serendipia tiene una macada correspondencia con el dadaísmo. El cambio y la fugacidad son temas marcados en el movimiento de arte procesual. El Museo Guggenheim afirma que Robert Morris en 1968 tuvo una exposición innovadora y un ensayo definiendo el movimiento y la página web del Museo afirma:
Los artistas procesuales se vieron implicados en temas referentes al cuerpo, ocurrencias al azar, improvisación y la liberación de cualidades de materiales no tradicionales como la cera, el fieltro y el látex. Usando estos elementos, crearon formas excéntricas en disposiciones erráticas o irregulares producidas por acciones como cortar, colgar y gotear, o procesos orgánicos como el crecimiento, la condensación, el congelamiento o la descomposición
A menudo se subrayó la naturaleza efímera y la insustancialidad de los materiales.
El movimiento de arte procesual y el movimiento de arte ambiental están directamente relacionados:
Los artistas procesuales se implican en la primacía de los sistemas orgánicos, usando materiales perecederos, insustanciales y transitorios como conejos muertos, vapor, grasa, hielo, cereales, serrín y hierba. A menudo los materiales se dejan expuestos a las fuerzas naturales: la gravedad, el tiempo, el clima, la temperatura, etc.
En el arte procesual, como en el movimiento de arte povera, la propia naturaleza es celebrada como arte; se rechaza a menudo la simbolización y la representación de la naturaleza.
Antecedentes de arte procesual
El movimiento de arte procesual tiene precedentes en ritos indígenas, chamánicos y rituales religiosos, formas culturales como la pintura con arena, la danza del Sol y la ceremonia del té son actividades fundamentalmente relacionadas.

tendencias contemporaneas parte 4

ARTE CONCEPTUAL.

como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-mades daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.

¿Cuál es la ideología de este tipo de arte? El arte conceptual se define claramente opuesto a la burguesía y contrario al consumo, ya que se considera que la obra no es dueña de nadie.
Los artistas del arte conceptual se valen de métodos inusuales y diversos para presentar la idea de su obra. Eligen fotografías, vídeos, documentales escritos, grabaciones, presentaciones de actos en público… y muchos otros materiales efímeros que les sirven para documentar sus ideas o explicar eventos que ocurren fuera de los museos. Uno de los ejemplos tempranos del arte conceptual es “Una y tres sillas”, una creación de Joseph Kosuth, artista estadounidense que en 1965 crea una obra con una silla como protagonista central. La obra en cuestión consiste en una silla plegable de madera, una fotografía de una silla y una ampliación fotográfica de la definición de silla extraída del diccionario. Con ello este artista conceptual busca que el público conteste en cuál de los tres elementos se encuentra la identidad del objeto: ¿en la cosa misma, en la representación o en la descripción verbal? ¿Puede descubrirse la identidad de la silla en uno, en algunos, en todos, o en ninguno de ellos?A finales de la década de 1980, el arte conceptual experimenta un fuerte resurgimiento, justo cuando la atención del mundo del arte de vanguardia se orienta hacia la obra basada en el tema y el contenido. No obstante, por su carácter efímero, el arte conceptual dejó pocas obras en los museos. Sólo quedaron las fotografías y las declaraciones impresas (libros, catálogos y folletos) sobre los proyectos.
De este concepto han surgido formas artísticas como fluxus y el mail art.



FLUXUS (FLUJO)
es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura.
Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón.

(Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional) George Maciunas

Fluxus, que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total“.



Las formas de arte más estrechamente asociados con Fluxus son resultados de eventos y cajas de Fluxus. cajas de Fluxus (a veces llamado Fluxkits o Fluxboxes) se originó con George Maciunas , que se reunían las colecciones de tarjetas impresas, juegos, e ideas, organizándolas en pequeñas de cajas plástico o de madera.

El Arte Correo o Arte Postal , en inglés Mail Art
es un movimiento planetario de intercambio y comunicación a través del medio postal. Su historia viene de antiguo, tanto como el servicio postal, ya que es ese su medio de difusión, aunque puede rastrearse hasta sus primeras manifestaciones en el grupo Fluxus o los neo-dadaístas.

[editar] Características
El hecho de utilizar este medio de transporte condiciona las características del objeto a enviar, en cuanto a tamaño, peso o forma, que deben atenerse a las condiciones establecidas por los distintos servicios postales de cada país. Es frecuente que existan lo que podríamos denominar “transgresiones” del sistema por ambas partes, a veces los artistas postales juegan con las especificaciones estatales del correo, y otras, los funcionarios permiten la circulación de esos objetos tomando parte en un juego del que ya forman parte sean o no conscientes de ello.

El canal es parte integrante, y a veces la de mayor peso, puesto que aporta el ruido, la incertidumbre, o la intervención sobre la obra de las distintas fases administrativas por las que transcurre el viaje postal.

Pero el AP es algo más que un simple intercambio de arte a través del correo, es sobre todo comunicación. Ambos aspectos, arte y comunicación se funden en el envío postal, primando en cada ocasión y dependiendo de cada artista postal, uno sobre el otro, o estableciendo una compensación entre ambas características.

Hoy día, el AP ha hecho suyas las nuevas tecnologías ofimáticas o digitales y utiliza cualquiera de estos nuevos instrumentos como medios de difusión, así, se generalizaron antes los envíos a través del fax, o por medio del correo electrónico actualmente.

Existen varios principios que se entienden aceptados y compartidos por los actores del AP. Estos, fueran formulados expresamente o no en sus comienzos, han devenido en normas a cumplir en el ejercicio del AP y constituyen su esencia más profunda, de modo que si no se respetan, hace tambalearse al espíritu del AP.

Todos ellos no son sino signos diferenciadores del arte oficial, donde el mercado es quien dicta las normas y al que hay que ajustarse para sobrevivir.

Libertad de expresión: aunque a veces en los proyectos de AP se establecen temas determinados, al artista postal se le supone libertad absoluta para el ejercicio de su actividad.
No hay selecciones, no hay jurados. Todos los trabajos recibidos en los proyectos se aceptan y se exponen, sin limitaciones.
No hay ventas. El dinero y el AP no se llevan bien, los trabajos enviados permanecen en poder de sus receptores en forma de archivos, y estos tienen el derecho de exponerlos, coleccionarlos o disponer de ellos como deseen, con una cierta obligación entendida de preservarlos y conservarlos del mejor modo posible.
Realizar catálogos o listas de los participantes en los proyectos entra dentro tanto de las posibilidades económicas del momento y de cada artista postal, como de las normas de la buena educación.
Los objetos que constituyen este movimiento artístico son variados e incluyen libros de artista, postales de artista, estampillas de artistas, sellos de artista, collages, sellos de caucho, vídeos, audios, copy-art, cadenas de artista, ATC, objetos en 3D, creaciones digitales, net-art, y un largo etcétera en el que cabe citar los mismos sobres y postales, intervenidos y convertidos en objetos artísticos por los remitentes.

Actualmente, aceptado en las bienales, objeto de estudios académicos, incluido en libros y antologías, estudiado en las universidades, o de tratamiento obligado en toda revista de arte que se precie, está sufriendo los intentos de ser integrado socialmente, por esa clásica manera de absorción que realiza la sociedad ante la presencia de un cuerpo extraño en su estructura cultural.

Tendencias Contemporaneas parte 3

APROPIACION ART

De alguna forma, siempre ha sido parte de la historia del arte el préstamo y el uso de estilo, formas. Solo pensemos en los estudiantes de artes aprenden copiando. Pero escrudiñemos un poco Picasso y Georges Braque se apropiaron de objetos a partir de un contexto de arte. En 1912, Picasso pego un trozo de tela sobre un el lienzo. Composiciones posteriores, tales como la guitarra, periódicos, vidrio y botella (1913), en el que Picasso utiliza recortes de periódico para crear formularios, pasó a ser categorizadas como el cubismo sintético. Los dos artistas incorporan aspectos del "mundo real" en sus lienzos
Cinco años más tarde, en 1917, Marcel Duchamp introdujo la idea del readymade. El trabajo consistía en un orinal, acostado de lado sobre un pedestal con la firma "R. Mutt". Duchamp también llegó a través del arte existente en su obra, apropiándose de una aparente copia de la Mona Lisa en su pieza, LHOOQ

Y Los surrealistas, detrás del movimiento Dada, también se incorpora el uso de "encontrar" objetos como objetos de Meret Oppenheim (Almuerzo en piel) (1936). Estos objetos adquirieron un nuevo significado cuando se combina con otros objetos inverosímiles e inquietantes. En 1938 Joseph Cornell producido lo que podría considerarse el primer trabajo de apropiación de cine en su corte al azar y la película reconstruye 'Rose Hobart. Este trabajo fue para inspirar a artistas posteriores vídeo. En la década de 1950, Robert Rauschenberg utilizó lo que denominó "combina", literalmente, la combinación de objetos readymade, como los neumáticos o las camas, la pintura, la seda-pantalla, el collage y la fotografía. Del mismo modo, Jasper Johns, trabajando al mismo tiempo como Rauschenberg, incorporó objetos encontrados en su trabajo. Johns también consignó las imágenes simbólicas como la bandera o el "blanco" símbolo en su obra.

En 1958, Bruce Conner produce el influyente 'una película' en el que se recombinan clips de película para producir este trabajo seminal que los comentarios sobre la propensión a la humanidad hacia la violencia. Al mismo tiempo, Raphael Montañez Ortiz participó en la Destructionist "movimiento en el que los objetos y la película se cortaron, desmontadas, quemadas y destruidas parcialmente y luego reformada para crear nuevas obras. En 1958 Ortiz produjo "Cowboy y 'Indian Film, una obra seminal película de crédito.

Pero según la apropiación en este periodo del arte surge como una propuesta desmitificadora a raíz de la exposición que organizara el crítico Douglas Crimp en la ciudad de Nueva York en 1977. Bajo el título de Pictures, se expusieron trabajos de Troy Brauntuch, Robert Longo, Sherrie Levine y Cindy Sherman, cuyo propósito era poner en escena, antes que la representación misma, los procesos a través de los cuales ésta obtiene su codificación social. Indisociable de las indagaciones posestructuralistas del Roland Barthes de las mitologías, los apropiacioncitas quisieron hacer patente de qué forma usos establecidos y que pasan por “naturales” en realidad son el resultado de un trabajo en el que ha triunfado una cierta política de la representación que merece ser cuestionada. La dirección principal del apropiacionismo, si se lo entiende de este modo, no podía ser sino subversiva, y sin duda tiene que ver con los procedimientos de “extrañamiento” que son tan socorridos dentro del campo del arte.

TENDENCIAS CONTEMPORÁNEAS parte 2

Arte interactivo

designa a prácticas artísticas contemporáneas en las cuales participa el espectador de modo directo en la realización de la obra, no simplemente como intérprete o receptor.

Algunas esculturas se clasifican como tal al permitir que el observador camine sobre, en, o alrededor de la obra. Otros ejemplos incluyen ciertas computadoras y detectores de movimiento, y otros sensores en instalaciones interactivas. Muchas obras de net.art, software art y arte electrónico son sumamente interactivas. A veces los visitantes pueden explorar un ambiente de hipertexto.




Interactividad Mecánica-Eléctrica



Hace referencia a la utilización de ejes, ruedas, engranajes y muelles para la construcción de sistemas que se accionan mediante palancas. Claros exponentes los encontramos en los móviles de Alexander Calder y Joan Miró. A estos dispositivos mecánicos se les fueron añadiendo posteriormente motores e interruptores, como en los artefactos de Marcel Duchamp.


Interactividad electrónica
A mediados del siglo XX, el gran auge de los medios de comunicación de masas y un público acostumbrado a la utilización de este lenguaje, dan pie a la creación de objetos artísticos con sensores, sistemas de grabación y reproducción de audio y vídeo.




Interactividad informática Con la llegada de la computadora se introduce el concepto de búsqueda de una multisensorialidad en las representaciones: la llamada realidad virtual donde los sensores globales exceden sentidos como la vista y el tacto. Lo representado se manifiesta creando entornos ficticios que se pueden manipular e incluso cambiar.
También aparece un nuevo concepto: la obra abierta. Según este término, descrito por el teórico italiano Umberto Eco, la obra de arte se presenta ante el espectador sólo parcialmente terminada de forma que cada individuo la complete y enriquezca con sus propias aportaciones. Con esto se sustituye el arte para todos, propio de las vanguardias históricas, por el arte por todos.Fórmulas de navegación no lineal, hipertextual e hipermedia, donde varios individuos interactúan a la vez en tiempo real. Es un nuevo campo de acción en el que la comunicación en sí se convierte en valor estético.
Roy Ascott, pionero en la cibernética, la telemática y la interactividad en el arte, ha generado algunos de los más importantes proyectos en red. En estos nuevos conceptos y trabajos artísticos el museo objetual y la galería de arte como contenedor dan paso al museo virtual o puesto en Internet.

Net art Es la producción artística realizada ex profeso en y para la red internet. El net art es una de las formas de arte interactivo habilitadas por los soportes digitales, y las prácticas comunicativas generadas por ellos.
La denominación net art designa las prácticas artísticas que apuntan a una experiencia estética específica en internet como soporte de la obra, y señalan o desarrollan un lenguaje característico.
Una obra de net art tiene como característica fundamental el uso de los recursos de la red para producir la obra. Esto puede ser en forma de uso de datos tomados de internet o del usuario ó uso de programación en el servidor, formularios, email, etc. Ejemplos de lo que no es net art son películas autónomas interactivas en flash que pueden ser reproducidas offline.
El net art, entendido como disciplina artística, debe diferenciarse del net punto art, que es una corriente estética que tuvo lugar en los comienzos del arte en red. El nombre net.art surgió, según el mito contado por Alexei Shulgin, de un error informático producido en el envío de un correo electrónico enviado por Vuk Cosic a una lista, donde lo único legible en el mensaje era net.art. Ambos artistas son parte del llamado período heroico de la historia del net.art.

TENDENCIAS CONTEMPORÁNEAS parte 1

Nuevas tendencias en el arte actual

Durante mucho tiempo yo como artista plástico e tratado de mantenerme en un lineamiento puro (todo hecho por mi) y por ello considere que había, mayor ganancia artística en lo que yo sin ningún tipo de ayuda realizaba en mi taller, pero llegaron las nuevas tendencias con un valor artístico muy grande. solo hay que experimentar con ellas.

hoy le trataremos algunas de ellas, lo que les escribo en mi blogs no es la ultima palabra pero espero que les llegue.

cualquier sugerencia o tema que deseen por favor al correo.

1. EL ARTE CREADO DIGITALMENTE

El arte digital engloba una serie de disciplinas creativas en las que se utilizan tecnologías digitales en el proceso de producción o en su exhibición.

Las computadoras forman parte de la industria visual desde las últimas décadas del siglo XX; el aumento de su capacidad para generar, reproducir y difundir imágenes ha llevado a una extensión de su uso en el cine, la televisión y la publicidad, y posteriormente en la industria de los videojuegos, que no deja de mejorar la calidad visual de sus productos; diseñadores gráficos y arquitectos utilizan cada vez más las computadoras en su trabajo y los soportes digitales como el CD-Rom, el DVD y la misma Internet difunden las colecciones de museos y la obra de artistas de todos los estilos y épocas.

La informática y los nuevos medios de producción, tratamiento y distribución digitales constituyen un campo fértil para el desarrollo de la expresión artística

El arte digital es todavía una forma de expresión relativamente nueva y en gestación. La novedad del medio conduce a una trascendentalización de piezas digitales sin una revisión adecuada de su calidad, creando un serie de obras que probablemente no superen la prueba del tiempo: la novedad del medio se convierte en categoría estética , y los críticos de arte y escritores de la cultura digital, así como las empresas que publicitan novísimas tecnologías contribuyen a ello.

La Escultura Digital:En los años 70 la escultura digital irrumpe realmente en el mundo del arte a través del escultor alemán Eberhart Fiebig que dibuja proyectos monumentales asistido por un ordenador. El francés Yves Kodratoff con una maquina de control numérico excava bloques de yeso en una galería y bajo las órdenes del público. ¡Obras realmente interactivas!

El ordenador será la herramienta numero uno del escultor del siglo XXI. Habría que esperar a la llegada de la de la micro-informática y las tecnologías de prototipado rápido para que vuelva a surgir la "computer sculpture" que hoy en día esta transformando todos los métodos de visualización y fabricación en el mundo del arte (escultura, fotografía, cine ...), del diseño, o de la arquitectura.

La tecnología y el arte siempre han ido de la mano en todas las civilizaciones. Desde el antiguo Egipto y china o mayas hasta nuestros días, algunas esculturas se han favorecido de mecanismos para añadir otra dimensión a una escultura tridimensional. Con ello creando efectos de movimiento, sonido o luz. Desde estatuas articuladas hasta objetos cinéticos llamados móviles.

Y lógicamente hoy también se ha desarrollado un arte electrónico de la escultura utilizando circuitos, motores, pantallas y todos tipos de accesorios modernísimos. Estos apartados no son los que realmente mas me interesan porque me gustan objetos esculturales tradicionales que también pueden ser innovadores pero que no me mareen."Lo mínimo que se le puede pedir a una escultura es que se este quieta" Salvador Dalí.

La escultura digital para mi es una nueva herramienta para esculpir, prefiero utilizar la informática y la robótica para crear, mejor que integrarlas en la propia escultura. Hasta hace poco el espacio virtual estaba separado del real por el monitor de una computadora. Los escultores digitales utilizan el espacio virtual como lugar de creación, utilizando software de modelado en 3D, pero también pueden trasladar sus obras al espacio físico mediante máquinas de prototipado rápido (PR), control numérico por computadora (CNC en sus siglas inglesas), sistemas de sinterización láser, impresoras de chorro de tinta que pulverizan adhesivo u otras habituales en los laboratorios de diseño industrial o ingeniería, una especie de impresoras en tres dimensiones que traducen los objetos virtuales que el escultor digital crea al mundo físico en distintos materiales, como plásticos policarbonados, resinas plásticas y metales.

Tanto los equipos de prototipado como el software de modelado y los ordenadores que han sufrido un proceso de abaratamiento; existen aplicaciones gratuitas de modelado, como Wings 3D, y las instituciones educativas y los estudiantes pueden disponer por poco precio de software de gráficos 3D potentes, como Maya y 3D Studio Max.

Las máquinas de escultura digital están cada vez más presentes en empresas de diseño, agencias de servicios y estudios de escultura; máquinas de PR se usan en clínicas dentales para realizar prótesis personalizadas y muchos despachos de arquitectura cuentan con instalaciones propias para la proyección de modelos. También los conservadores de arte utilizan PR para realizar facsímiles de esculturas. Entre las instituciones con instalaciones de escultura digital dedicadas al arte están la Partnership for Research in Spatial Modeling (PRISM), el Laboratorio de la Escuela de Arte de la Universidad del Estado de Arizona, el Manchester Institute for Research and Innovation in Art and Design (MIRIAD), la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París y el Departamento de Bellas Artes del Instituto de Tecnología de Nueva York.

Cabe mencionar que algunos artistas utilizan las tecnologías de escultura digital sólo para la fabricación de la obra, creando las maquetas de estas con métodos tradicionales, como el ensamblaje o el modelado manual, que luego se escanean en tres dimensiones, debido a la reducción de los costes que producen dichas técnicas en esculturas de grandes dimensiones.

Arte Generativo
El arte generativo es una modalidad artística todavía poco definida que ha recibido aportaciones de artistas de dominios muy diferentes, como son Brian Eno, Adrian Ward, Joshua Davis o Casey Reas.
Las obras más antiguas de arte generativo pertenecen a la era pre-digital, pero es evidente que han experimentado una gran evolución con la llegada de la computación. Muchas de las obras anteriores a los ordenadores han sido rápidamente retomadas y reformuladas haciendo uso de esta nueva herramienta.
La presentación consistirá en una revisión de la historia del arte generativo, incluyendo un debate sobre las diferentes perspectivas desde las que puede abordarse. Se hará una pequeña introducción a la computación para entender sus aportaciones al arte generativo, y se mostrarán y analizarán algunas de las piezas precursoras, así como algunos de los ejemplos más recientes y representativos. También se discutirá sobre las diferentes formas de distribución, y finalmente se presentará un ejemplo práctico del proceso de creación de una obra generativa sencilla.

LA ESCULTURA EN MI CIUDAD /PARTE 1

Bogotá cuenta con monumentos y piezas de arte ubicadas en espacio público, de los cuales 51 han sido declarados bienes de interés cultural según publicaciones Se han editados varios libros sobre la escultura en el espacio público en la ciudad uno de ellos Bogotá museo a cielo abierto el cual es una guía de monumentos y algunas esculturas de la ciudad. 

Pero ensambles 1966t tratara de informar de las escultura modernas ubicadas en la ciudad esto lo realizo porque muchas de las obras de la ciudad no tiene ningún tipo de información y sus historial solo reposa en los artistas que la realizaron o en el libro como una cuenta de cobro por la misma son obras sin nombre, sin registros en la recordación del transeúnte que en mucho de sus casos son paisajes cotidianos de en su andar, espero les pueda agradar mi esfuerzo: 

SALVE MINERVA 
Autor: vico consorti Fundida en Florencia (italia) Ubicación: Entrada principal, Biblioteca Luis ángel Arango , carrera 4, calle 11. Inauguración: en abril de 1958

RELIEVE DEL BANCO DE LA REPÚBLICA

Material: mármol                                                
Autor: vico consorti,                                  
Ubicación: calle 7 #14-78

Banco de la república, bogotá.

Inauguración 1958 
Este relieve es un homenaje a las riquezas del país (Minería, industria y comercio).    

VICO CONSORTI, o ludovico consorti
 Nació en semproniano, Italia en 1902 Falleció: 1997, siena, Italia Estudió en la academia de bellas artes de siena, viajo a roma donde asistió a la escuela de arte de la medalla y abrió un estudio. En 1950 realiza una de sus obras más conocidas en la basílica de san pedro en el vaticano, se trata de la puerta santa hecha en bronce encargada para el jubileo de 1950 por el papa pío xii, donde se encuentran escenas de adán y eva, la expulsión de paraíso, la anunciación a maría, el bautismo de jesús, hechos de la vida de cristo y la imagen de pio xii abriendo la puerta santa.

LA REBECA 
 El parque del centenario se inauguró en el 24 de julio 1883, pero por iniciativa del presidente pedro Nel Ospina en 1926 siendo Laureano Gomes ministro de obras públicas, inauguro las reforman que se realizaron en el parque , y entre las reformas se construyó una fuentes en la que se instaló la escultura la rebeca encargada al escultor oriundo de armenia Roberto Henao Buritica quien se encontraba estudiando en parís, no se sabe si la obra fue encargada para ese fin o simplemente se escogió por ser la más adecuada para adornar la fuente. Pero la pieza fue colocada en el centro de la fuente adornada con plantas acuáticas para adornar la fuente y cubrir la desnudes de la pieza, la cual causo polémica en la época.

Pero llego el año 1950 se abrió la Avenida 26 y quedó dividida en dos. Cinco años después se construyó una glorieta en la misma avenida, obra que obligó a que las esculturas que lo habitaban, fueran trasladadas al parque Nacional y a otros sitios de la ciudad. Pero la única que no se fue desterrada de ese lugar fue , la Rebeca, escultura que se ubicó en un sitio original que hoy en día es representativo e histórico, además de estar a la vista de todos los ciudadanos y turistas. Del linaje neoclásico, por lo que busca ser perfecta, es inexpresiva, un ser no terrenal. A ella se le suman otras cualidades y desconocer su historia es restarle importancia a un monumento multifacético que ha suscitado polémica desde su nacimiento. La Rebeca además de ser la primera mujer desnuda en el espacio público, es también la primera escultura no heroica que se ubica en una de las principales avenidas de Bogotá. En los años 30 las esculturas importantes eran las de los héroes, las heroínas, los literatos y los políticos y era poco probable que una escultura de mujer fuera considerada significativa. Sin embargo, esta obra se prestó para muchas interpretaciones; hubo quienes la consideraron atrevida y vulgar, otros en cambio llegaron a apreciarla como un símbolo estético. Por otro lado los católicos la catalogaron como la representación de su Rebeca, esa mujer atenta y aguerrida que fue escogida por los siervos de Abraham como esposa de Isaac por ser la primera mujer que al pasar cerca de la fuente les ofrece agua. 

ROBERTO HENAO BURITICA (1898 -1964), 
Escultor Nacido en Armenia ,Caldas en 1898  
1913. Ingresó a la escuela de bellas artes de Bogotá. Mediante beca del gobierno del valle del cauca, viajó a parís en donde permaneció varios años estudiando escultura en la academia de bellas artes, y pintura en la academia julián y en el estudio del pintor claude granie. 

1926. Participó en el salón anual de parís en donde presentó la escultura de tamaño natural titulada "eva", la cual obtuvo el primer premio en escultura. También obtuvo una mención honorífica por su pintura "la muerte de atala". 

1928. Octubre 26. Se inauguró el monumento de "la rebeca" el cual fue adquirido por el doctor laureano gómez para bogotá. 

1930. Octubre 10. Regresó a Colombia después de haber obtenido más de 20 condecoraciones en exposiciones internacionales, y trayendo consigo un monumento en miniatura de bolívar. 

1930. Diciembre 17. Se inauguró en armenia la escultura del libertador simón bolívar. 1944. Sufrió un desequilibrio nervioso causado por la muerte de su madre, el cual le impidió volver a trabajar como antes. 

1958. Sufrió una trombosis cerebral que le paralizó el costado derecho. 

1964. Marzo 2. Murió en Bogotá a donde había sido traído por un pariente a petición del maestro. Fue enterrado en el cementerio central del norte. 

 * Consulta libro Bogotá un Museo a Cielo Abierto, Guía de Esculturas y Monumentos en el Espacio Público, Instituto Distrital de Patrimonio Cultural. * Biblioteca Luis Ángel Arango