Tendencias Contemporaneas parte 9

performance
se refiere en gran parte a un rendimiento que se presenta a una audiencia, pero que no pretende presentar una obra teatral convencional o una narración lineal formal o que alternativamente no pretende representar un conjunto de caracteres ficticios en formales de las interacciones con secuencias de comandos. Por lo tanto, a menudo incluirá alguna forma de acción o la palabra hablada, que es una forma de comunicación directa entre el artista y audiencia, en lugar de un guión escrito de antemano.
A menudo, implica un artista intérprete o ejecutante dramático que es directamente consciente y en comunicación con el público, lo mismo como un cantante o el malabarista en un concierto o espectáculo de variedades podría decirse que realizar directamente para una audiencia, en lugar de crear un personaje ficticio que habita un ajuste dramático ficticio en el escenario.

Arte de la performance a menudo rompe la cuarta pared, lo que significa que la artista de performance no tratar a comportarse como si inconsciente de la audiencia.
Algunos arte de rendimiento pueden utilizar una secuencia de comandos o crear una configuración dramática ficticia, pero aún constituye el arte de la performance en que no debe tratar de seguir la norma habitual dramática de la creación de una configuración de ficticia con una secuencia de comandos lineal que sigue convencional mundo real dinámica; por el contrario, intencionalmente trataría a satirizar o a trascender la dinámica habitual de reales que se utiliza en obras teatrales convencionales. De esta manera, la propia obra de rendimiento goza de una forma de comunicación directa con el público, apoyándose en de familiaridad la audiencia con locales dramáticos nominales y normas, a fin de ir más allá de ellas o eludir a ellos, incluso si los caracteres dentro de los trabajos propios no evince dicha conciencia.
Aunque podría decirse arte de performance para incluir formas relativamente estándar de rendimiento tales como la danza, la música y las cosas relacionadas con el circo como fuego de respiración, malabarismo y gimnasia, estos son normalmente en su lugar conocido como las artes escénicas.


Tomar 40 personas. Les visten de blanco. A continuación, prepararlos para un paseo lento, sereno, arriba y abajo de los pasos del Capitolio de Utah hasta la ruptura de la madrugada. Machu y befuddlement saludaron 'Espera', una pieza de arte de la performance de 12 horas por el artista basada en Nueva York Ernesto Pujol. Música compuesta por Rosi Hayes


Historia
Orígenes
Las primeras formas de arte de la performance empezaron en la edad media, en las formas de poetas itinerantes, como juglares, trovadores, los bardos y en algunos casos de bufones. Estos fueron los artistas que a menudo compuso e interpretó sus propias obras. En el caso de los juglares, sus poemas a menudo fueron compuestas espontáneamente y llevaba directamente pertinentes a la audiencia y su sociedad. por lo tanto, constituyen una forma primitiva de arte de la performance. Esto evolucionó en diversas formas en las diversas culturas, como la del arte de la comedia en Italia, pantomima en Gran Bretaña, artistas de mime (que son bastante distintas de pantomima), harlequinade en varias de las sociedades europeas, skomorokh en Rusia y el folk juega en diversos países.
En la era moderna, sigue habiendo algunos papeles paradigmáticos que encaja esta función, tales como saltimbanquis.
Desarrollo moderno
En la era moderna, ha habido una variedad de nuevas obras, conceptos y artistas que han dado lugar a nuevos tipos de arte de la performance. Andy Warhol se señaló para nuevos tipos de eventos masivos y arte de la performance en Nueva York, en particular con la Velvet Underground y también con el Warhol Superstars de ensayo. Arte de la performance de Laurie Anderson asistiéramos a un número de lugares importantes, como el Lincoln Center. Modernos conceptos artísticos como el surrealismo y el dadaísmo fueron utilizados por varios artistas para producir nuevos tipos de arte de la performance.
En la década de 1960, un número creciente de artistas produjo nuevas formas de arte de performance, incluyendo Yves Klein, Allan Kaprow, quien acuñó el término Happenings — Carolee Schneemann, Hermann Nitsch, Yoko Ono, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Barbara T. Smith, Vito Acconci, Joan Jonas, las mujeres asociadas con el taller de Studio feminista y la creación de la mujer en Los Angeles y Chris Burden. Pero arte performance fue, sin duda, anticipó, si no formulado explícitamente, por grupo de Gutai de Japón de la década de 1950, sobre todo en obras como "Electric Dress de Atsuko Tanaka" (1956) [1]. En 1970 la pareja de británicos Gilbert y George creó la primera de sus actuaciones "vivir la escultura" cuando pintaban oro y cantó "Underneath The Arches" durante períodos prolongados. Yalkut de Jud, una artista de vídeo pionera y otros, tales como Carolee Schneemann y Sandra Binion, comenzó a combinar vídeo con otros medios de comunicación para crear obras experimentales. Teatro de guerrilla, o teatro de calle, incluyendo las actuaciones de los estudiantes y otros, han aparecido regularmente dentro de las filas de los movimientos contra.El grupo contra de anarquista los Yippies, en parte organizado por Abbie Hoffman, realiza teatro callejero cuando cayeron cientos de billetes de dólares desde el balcón de la bolsa de valores de Nueva York. También debe mencionarse el Latino, grupos de teatro de calle de América Latina y otros, incluidos los como el San Francisco Mime Troupe, que se derivan del circo y tradiciones de teatro itinerante. A pesar de que no puede no ser antecedentes directos de rendimiento del mundo del arte, debe señalarse su influencia, especialmente en los Estados Unidos — como se debe a que el artista conceptual de U.S. Sol LeWitt, convertidos en la década de 1960 dibujo mural-estilo en un acto de rendimiento por otros. Arte de la performance, debido a su relativa fugacidad, había una presencia bastante robusta en la vanguardia de los países del bloque del este, especialmente de Yugoslavia y Polonia, por la década de 1970.
Teóricos culturales occidentales a menudo rastrear la actividad de arte de la performance volver a comienzos del siglo XX. Dada, por ejemplo, proporcionó un progenitor significativo con las actuaciones no convencionales de la poesía, a menudo en el Cabaret Voltaire, por los gustos de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara. También hubo artistas de rusa futurista que pudieron ser identificados como artistas de rendimiento, tales como David Burliuk, quien pintó su rostro por sus acciones (1910-20). Sin embargo, hay cuentas de artistas del Renacimiento poniendo en actuaciones públicas que podrían decirse son primeros ancestros de arte moderno de rendimiento. Algunos artistas y teóricos apuntan a otras tradiciones e historias, que van desde tribales a eventos deportivos y rituales o religiosos. Arte de la performance de actividad no se limita a las tradiciones de arte europeo o americano; muchos practicantes notables se encuentran en Asia y América Latina.

Olivier de Sagazan


Extracto de la actuación de Olivier de Sagazan Festival de arte & terrorismo / sonido: Olivier zol




Géneros
Los géneros de arte de la performance incluyen

body art, fluxus, suceda, poesía de la acción y la intermedia. Algunos artistas, por ejemplo, la Actionists vienés y neo-dadaístas, prefieren usar el arte vivo de términos, "arte de acción", intervención o "maniobra" para describir sus actividades. Estas actividades son mencionadas también a veces simplemente como "acciones".

Body art es arte realizadas, con, o consistan, en el cuerpo humano. Las formas más comunes de body art son tatuajes y piercings de cuerpo, pero otros tipos incluyen escarificación, marca, scalpelling, la conformación (por ejemplo una estrecha-lazado de corsés), el tatuaje de cuerpo completo y la pintura corporal

en el body arte el body art (arte del cuerpo) es también una sub-categoría de arte de performance, en la que los artistas usan o abusan de su propio cuerpo para hacer sus declaraciones en particular.en representaciones mas extremos pueden implicar cosas tales como la mutilación o el sometimiento al cuerpo a exsigencias físicos hasta limites muy fuertes.
dentro de body art tenemos:
bodypainting pintura corporal, o, a veces, es una forma de arte corporal. A diferencia del tatuaje y otras formas de arte corporal, body painting es temporal, pintado sobre la piel humana, y sólo dura varias horas, o como máximo (en el caso de Mehndi o "henna tatuaje") un par de semanas. Consejo de pintura que se limita a la cara que se conoce como pintura de la cara. La pintura corporal también se conoce como (una forma de) tatuaje temporal; a gran escala o de cuerpo entero-la pintura es más comúnmente conocida como pintura corporal, mientras que el trabajo más pequeños o más detalladas se conoce generalmente como tatuajes temporales.

Body modification (o alteración del cuerpo) es la alteración deliberada del cuerpo humano por motivos no médicos, tales como el mejoramiento sexual, un rito de pasaje, razones estéticas, que denota pertenencia, confianza y lealtad razones, religiosas, el valor de choque, y la auto- expresión. Puede variar desde la decoración socialmente aceptable (por ejemplo, las orejas perforadas en muchas sociedades) a la religión sea necesario (por ejemplo, la circuncisión en una serie de culturas), y por todas partes. el arte corporal es la modificación de cualquier parte del cuerpo humano de carácter espiritual, religioso, artístico o estético razones.

fluxus performance

TENDENCIAS CONTEMPORÁNEAS /PARTE 8

Instalaciones artisticas

la instalacion presenta obras tridimensionales, específica del sitio, diseñados para transformar la percepción de un espacio.
Por lo general, el término se aplica a espacios interiores, Considerando que las intervenciones exteriores son llamadas a menudo Land art; sin embargo se superponen los límites entre estos términos.

Arte de instalación puede ser temporal o permanente. Obras de arte de instalación han sido construidos en los espacios de exposición, como museos y galerías, así como público - y espacios privados.

El género incorpora una muy amplia gama de materiales cotidianas y naturales, que a menudo son escogidos por sus cualidades evocadoras, así como de los nuevos medios de comunicación, como vídeo, sonido, performance, realidad virtual inmersiva y la internet. Muchas instalaciones son específicas del sitio en que están diseñados para que sólo existen en el espacio para el que fueron creados.comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970.

Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado.

Los artistas de instalaciones por lo general incorporan el espacio de demostración , tomando este espacio como un elemento mas de la obra, sean estos espacios públicos museos, galerías de arte o espacios urbanos diversos.

HistoriaEste género de arte contemporáneo adquirió relevancia en los años setenta. Muchos buscan las raíces de este arte en artistas de épocas más remotas como Marcel Duchamp o kurt Schwitter y su arte objeto, en lugar de arte más tradicional basado en la escultura. La intención del artista es primordial en el arte de instalación más tardío cuyas raíces se encuentran en el arte conceptual de los años sesenta. Esto nuevamente parte de la escultura tradicional que pone énfasis en en la forma. El arte de instalación no occidental incluye eventos puestos en escena por el grupo Gutai en Japón iniciando en 1954, que influyó a los pioneros de la instalación americana como Allan Kaprow .
Aunque se considera que la primera instalación como tal, es decir efímera, fue la realizada en 1956 en una tienda de Barcelona por el poeta Joan Brossa, "instalación" como nomenclatura para una forma específica de arte empezó a utilizarse recientemente; su primer uso como lo documenta la OED fue en 1969. Se acuñó en este contexto en referencia a una forma de arte que había supuestamente existido desde la prehistoria pero no fue considerada como una categoría hasta mediados del siglo veinte. Allan Kaprow utilizó el término "ambiente" en 1958 para describir sus espacios interiores transformados; esto más tarde unió términos como "arte proyecto" y "arte temporal". Esencialmente, instalación/ambiente toma en cuenta toda la experiencia sensorial del espectador...
El filósofo, performer y artista multi-media argentino Eduardo Sanguinetti inicia a mediados de la década del setenta la presentación de sus Instalaciones Habitables. Ubicadas en espacios naturales, se tornaban funcionales, en la medida que plantas, animales y minerales, asimiladas a los cuatro elementos: agua, aire, fuego y tierra, se hacían cargo de es topos particular, y adquirían más tarde el ruido de códigos capaces de catalogar visualizaciones, olores y colores,completando de ese modo la idea originaria de Sanguinetti, demasiado consustanciado en su calidad de ecólogo , con la naturaleza y su radiación especular. La interacción Instalación - pintura -ambientación- música -performance, propuesta por Eduardo Sanguinetti, con la designación de Solum, serie que devino en diez "Acciones" presentadas en espacios naturales de la Pampa Húmeda, en el Centro Cultural Recoleta 1987, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Buenos Aires El Pedestal Vacío1994, en la Kunsthalle de Recklinhausen , Bochum, Alemania, en concordancia del artista alemán Igadim 1991 ,entre otros espacios, persiguiendo un propósito sensorial, que no descarata la envergadura conceptual , formal y material. La naturaleza y la ciudad ingresan al dominio del arte en función de una verdadera alfombra de pastura y tierra natural y una carpeta asfáltica que sintetiza el itinerario de la traslación de la idea que Sanguinetti pone en acto. Con paquetes de promesas para el imaginario con el agregado de presencias vivientes: caballos, a los que hay que sumarle mujeres pintadas, en un body art muy particular ya que exalta el color , músicos trashumantes y obreros con instrumentos industriales como tornos, tambores de petróleo, yunques, mazas y demás y el piano acústico y la voz de Sanguinetti que emite el sonido minimalista, en otro aspecto de la obra, es su ambientación multi-media y multi-solum, posibilidad de búsqueda de un lugar que hasta ese momento se ha mostrado efímero entre lo provisorio y lo culminante de una experiencia. La obra de Eduardo Sanguinetti no aparece de manera abrupta, está determinada por su momento histórico, con todas las decepciones inherentes que lo obligan a obrar aisladamente y optar por el impulso individual. He aquí la construcción de un mundo vital-no rentable-que ritualiza la acción artística, aceptando el mito de su caída y el simulacro de su renacimiento.
El arte consciente de abordar artisticamente todos los sentidos en relación con la experiencia del espectador en su totalidad hizo un gran debut en 1849 cuando Richard Wagner concibió una Gesamtkunstwerk, o un trabajo operístico para el escenario que se inspira en el teatro griego en su inclusión de todas las principales formas de arte: pintura, escritura, música, etc., ....
La importancia central del punto de vista subjetivo cuando se experimenta el arte de instalación, apunta hacia el descuido de la teoría de la imagen platónica tradicional. En efecto, toda la instalación adopta el carácter de simulacro o estatua defectuosa: deja de lado cualquier forma ideal en favor de optimizar su apariencia directa frente al observador. La instalación opera completamente dentro del ámbito de la percepción sensorial, en un sentido "instalar" al espectador a un sistema artificial que apela a su percepción subjetiva como su fin último


ACCESS es un una instalación interactiva que permite a los usuarios de la web realizar un seguimiento de individuos anónimos en lugares públicos, les persiguiendo con un foco robótico y un sistema de haz acústico.

Tendencias Contemporaneas parte 7

READY MADE (Arte encontrado)
Palabra inglesa que en una traducción no literal, pero bastante aceptada, se conoce como "lo ya visto", y que deriva en el "objeto encontrado" del surrealismo.
El término arte encontrado –más comúnmente objeto encontrado (en francés objet trouvé; en inglés, found art o ready-made) o confeccionado– describe el arte realizado mediante el uso de objetos que normalmente no se consideran artísticos, a menudo porque tienen una función no artística, sin ocultar su origen, pero a menudo modificados. Marcel Duchamp fue su creador a principios del siglo XX.

El arte encontrado deriva su identidad como arte del nombre que se le da por el artista. El contexto en el que se ubica, generalmente una galería o museo, es también un factor muy relevante. La idea de dignificar objetos cotidianos de esta manera era originalmente un desafío chocante para la distinción hasta entonces aceptada entre lo que se consideraba arte en oposición a lo que no era arte.

PRECEDENTES
En obras de arte medievales se introducía el oro, presente por sus cualidades innatas, por lo que puede considerarse un «objeto encontrado», lo mismo que se introducían piedras preciosas. La diferencia esencial entre esta forma antigua de introducir objetos directamente en el cuadro y el «objeto encontrado» actual es el valor de los materiales introducidos directamente.
En el pasado se incrustaban objetos valiosos (oro, joyas), mientras que en el arte moderno lo que se usan son principalmente objetos cotidianos, vulgares, que se elevan a un estatus especial al emplearse en una manifestación artística. Hay excepciones, como el uso que hicieron en 2003 los Hermanos Chapman de un conjunto de grabados de Goya, Los desastres de la guerra, que ellos «adaptaron» colocando en las figuras rostros de payasos y marionetas de manera que las láminas fueron valiosas ya por derecho propio como arte.

En el siglo XIX, el escritor francés Conde de Lautréamont había llamado la atención sobre las posibilidades de transformar objetos vulgares con la frase, hoy famosa de «Bello como el encuentro fortuito de una máquina de coser y un paraguas sobre una mesa de disección».

Desarrollo
El uso de objetos encontrados fue una técnica asumida de forma inmediata por el movimiento dadaísta, usándolo tanto Man Ray como Francis Picabia quien lo combinó con arte tradicional al unir peines a una pintura que representaba el pelo. [2] Una obra bien conocida de Man Ray es The Gift (Le Cadeau en francés), un ready-made temprano realizado con la ayuda de Erik Satie que consiste en una plancha con catorce clavos pegados en su parte inferior, realizada en 1921 en París.

Wolf Vostell: obra realizada con objetos encontrados en Malpartida de Cáceres.La combinación de varios objetos encontrados es un tipo de readymade a veces conocido como ensamblaje (assemblage). Está ejemplificado en la obra de Marcel Duchamp Why Not Sneeze Rose Sélavy?, formada por una pequeña jaula para pájaros que contiene un termómetro, un jibión y 151 dados de mármol que parecen azucarillos.

Para cuando se celebró la Exposición Surrealista de Objetos de 1936 se había desarrollado toda una subclasificación entre objetos encontrados (found objects), preparados (ready-made), perturbados (perturbed), matemáticos, naturales, naturales interpretados, naturales incorporados, oceánicos, estadounidenses y surrealistas. En este momento, el líder surrealista, André Breton, definió a los objetos preparados como «objetos manufacturados elevados a la dignidad de obras de arte a través de la elección del artista».

Pablo Picasso usó objetos encontrados como la base de su Babuino y joven y unió un «sillín de bicicleta» con «manillar» a una cabeza de toro.

En los años sesenta los objetos encontrados estaban presentes en la obra del movimiento Fluxus y también en el Pop art. Joseph Beuys mostraba objetos encontrados modificados, como piedras con un agujero en la que se incluía piel y grasa, o ununa furgoneta con trineos por debajo y una viga oxidada.
En 1973 Michael Craig Martin dijo, de su obra titulada An Oak Tree, «No es un símbolo. He cambiado la sustancia física del vaso de agua por la de un roble. No cambié su apariencia. El roble real está físicamente presente, pero en la forma de un vaso de agua»



Ready made y el siglo XXI
Marcel Duchamp inspiró a muchos con sus percepciones del arte y sus propuestas. Impacta por ser un artista que le fue indiferente su oficio, que terminó sus días jugando ajedrez, pero sigue vivo con la semilla que sembró en todo aquel que le siguió en la producción de obras de arte y en la estética, propuestas que sorprenderá hasta el día de hoy.
Marcel Duchamp nació en 1887 que viene de una familia de clase media alta francesa, de 7 hermanos, de los cuales cuatro fueron artistas, Gastón, Gustav, Marcel y Suzanne. Cuando cumple diecisiete años ingresa a Good Art Academy en Paris.
Marcel llegará a tener influencias de Cezanne, del Fauvismo, Cubismo y Simbolismo, pero para el año 1912 cambia su forma de pintar, a una técnica de captar el movimiento para llegar a la abstracción, a finales de ese año deja casi por completo la pintura. Duchamp comienza a buscar otras maneras para explorar con los límites de la mente y dejar de complacer solamente a la vista. En sus siguientes obras Marcel jugará con ideas de lo que para él es el arte, obras que jugaban con la suerte, como fue la obra de Canned chance, donde experimentaba con una cuerda de un metro de longitud la estiraba y la dejaba caer en un canvas rectangular y dejando que se moviera al azar con su gravedad y así comenzó navegar aguas sin trazar con la idea, con el concepto.
Más tarde llegará a concebir una nueva idea, que comenzó como un pasatiempo y se convertiría en una idea grandiosa para muchos y para otros una basura, el READY MADE
El Ready made es la idea de jugar con lo que es y no es arte, lo que inicio un gran debate que sigue a nuestros tiempos. El ready made es una idea que en sí comenzó antes de que se le concibiera como tal, la primer obra fue en 1913 con una rueda de bicicleta empotrada en un taburete que simplemente era una distracción diaria, más tarde se le ocurriría llamarlo ready made. Otra de sus obras, la más emblemática es la fuente compuesta de un urinario volteado, que le puso la fecha y un seudónimo, otra más es una pala para la nieve, que le grabaría el escrito In advance of the broken arm.
El ready made puede caracterizarse por su falta de gusto, materiales sencillos, objetos cotidianos, desechables, y por ser neutros. Para Marcel Duchamp el gusto es algo que se hace por costumbre, algo que se hace después de muchas repeticiones, esa acción crea el gusto, y para él, tenía que tener una falta de buen o mal gusto, estas propuestas no pueden ser clasificadas como antiarte, más bien como una intersección entre el arte y el no arte, en sus límites.
Duchamp quería causar en el espectador que su mente llegara a otras lecturas de un objeto hecho en serie. A Duchamp le preocupaba el abuso de esta nueva forma de crear arte, y para solucionarlo solo hizo unos pocos cada año, Duchamp dijo en un informe al museo de arte moderno de Nueva York en 1961: Comprendí por esa época que, para el espectador más aun que para el artista, el arte es una droga de hábito y quise proteger mis ready mades contra una contaminación de tal género.
Lo que tiene un ready made es que no es único, es una pieza en serie, esto es del mismo modo que un tubo de pintura es manufacturado y ya hecho, se pudiera decir que todas las telas del mundo son ready mades (Marcel Duchamp) .
Marcel Duchamp, como afectaron sus ideas el siglo actual
Duchamp influyo de manera importante en el siglo XX ya que propuso una forma diferente de ver el arte y sembró una semilla que se irá desarrollando a través del modernismo, el post modernismo a la actualidad, es otra propuesta que hizo del ready made, su crítica de la pintura retinal, la pintura idea y la importancia del contexto en la formación de la experiencia estética. La crítica de Duchamp invade la estética, y ésta disciplina se creó para comprender, percibir y apreciación de las ideas del arte y terminaría lazándola con el arte y su historia.
El modernismo inició en el siglo XVIII junto con la creación del museo y la elaboración del concepto arte y estética, aquí el cubismo propondría muchas visiones de la modernidad, la contradictoria del dadaísmo en el concepto de arte, este movimiento es adoptado por los jóvenes artistas por su insatisfacción sociopolítica, era el movimiento antiarte.
La incorporación a Duchamp en el dadaísmo, con su propuesta de cero gusto con el ready made, pone a relucir la falta de conciencia en la concepción del objeto de arte como una pieza singular de la privatización del mismo arte, cuando debía ser una pieza del proceso del esfuerzo intelectual, sería una crítica a las instituciones en general del arte, en torno a la obra misma del arte. Duchamp puso en evidencia el mercantilismo del arte y como objeto de consumo.
La idea de arte es lo que se denomina arte de Marcel Duchampo, abre las posibilidades para crear arte y esto se puede ver en varias corrientes como el pop con Andy Warhol y su caja de detergente Brillo que fue una pieza que fue hecha en serie. A igual que el minimalismo, son propuestas contradictorias del arte pop, pero sus piezas también son en series, como lo fue el land art que usa el mismo proceso de elaboración, que es usar piezas ya existentes para crear otra como es el Spiral Jetty que fue hecha con piedras, sales y minerales, que terminaban exhibiendo una serie de piedras y documentación en los museo, el arte povera usa una forma de ensamble de materiales orgánicos y de la basura para hacer sus propuestas, como fue un montón de ropa apilada con una estatua dando la espalda al público, estas son algunas de las muchas propuestas a lo largo de esta idea que nació en Nueva Cork, que incluso el apropiacionismo hace lo mismo, cuando exhibe en las galerías sus piezas de objetos de consumo.

Conclusión
La idea de arte ha ido cambiando a través de la historia. En un principio sólo era un recurso más del ser humano para llenar su vida de belleza, que incluso nos dejaba perplejos, pero gracias a esta preocupación de expresarnos y preguntarnos, que es arte? que me produce? nos motivó a estudiarla más a fondo y llegar a crear un concepto de arte y como se enlaza con la belleza y el observador. Como raza en evolución, siempre existen los que pueden ver más allá del horizonte y cuestionan todo, gracias a las ideas de estos tenemos un sin fin de posibilidades. El ser humano es capaz de todo, si lo puede concebir en su mente. Duchamp propuso una nueva forma de ver hacer arte, que sigue inspirando a muchos a proponer nuevas ideas y a motivar la producción de conceptos.


VARIACIONES DE READY MADE

Escultura de materia prima
En los ochenta surgió una variación del arte encontrado, llamado commodity sculpture (escultura de materia prima) donde objetos producidos en masa comercialmente se colocaban en la galería de arte como una escultura. El centro de atención de esta variedad de escultura estaba en el marketing, en la exhibición de los productos. Entre estos artistas se encontraban Jeff Koons, Haim Steinbach y Ashley Bickerton (quien más tarde se dedicó a otros tipos de obra).

Una de las primeras obras firmadas de Jeff Koons fue Two Ball 50/50 Tank, 1985, que estaba formada por dos balones de baloncesto flotando en el agua, que llena hasta la mitad un depósito de cristal (una influencia sobre Damien Hirst).






Arte basura

Un Lincoln Continental y otros restos del paso del Katrina por Nueva Orleáns se ha convertido en una obra de arte basura temporal titulada Bushmobile, una referencia sarcástica al presidente George W. Bush.Un subgénero específico dentro del arte encontrado es lo que se conoce como «arte basura» (trash art o junk art).
Estas obras están formadas principalmente de componentes que han sido tirados. A menudo vienen literalmente de la basura. Muchas organizaciones esponsorizan competiciones de arte basura.





Contemporánea
A lo largo de los noventa, los Young British Artists (YBA) hicieron amplio uso de «objetos encontrados», a menudo con una fuerte reacción por parte de la prensa. Aunque es una técnica admitida con carácter general, el uso que estos Jóvenes Artistas Británicos hicieron de él suscitó las controversias en la prensa, la crítica y el público.

(Young British Artists « Jóvenes artistas británicos» o YBAs (véase Brit artists o Britart) es un grupo de artistas contemporáneos del Reino Unido, provenientes la mayoría del Goldsmith college of arts de Londres.

La expresión «Young British Artist» procede de una serie de exposiciones con este nombre, organizadas en la galería Saatchi a partir de 1992, que lanzó a estos artistas a la fama. Destacaron por su «táctica de choque», el uso de materiales inusuales y de animales. Obtuvieron una amplia cobertura en los medios de comunicación y dominaron el arte británico durante los años noventa del siglo XX. De esta forma, YBA se ha convertido en una expresión histórica, aunque la mayoría de estos artistas alcancen hoy la cincuentena. El artista más emblemático y conocido del grupo es Damien Hirst.)

Como Marcel Duchamp antes que él, Damien Hirst ha sugerido que una pintura puede ser considerado un objeto encontrado adaptado (el objeto que se pinta) esto es, la historia del arte se basa toda ella en objetos encontrados. Hirst expuso un tiburón conservado en formaldehído en un depósito de cristal y lo llamó The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living («La imposibilidad de la muerte en la mente de alguien vivo»). Ha llevado esta idea hasta los extremos al presentar de la misma forma una vaca y un ternero cortados en secciones y en A Thousand Years («Mil años») la cabeza podrida de una vaca, gusanos y moscas.



Artistas
Steven Adamson Fiona Banner Christine Borland Angela Bulloch Simon Callery Jake and Dinos Chapman Mat Collishaw Ian Davenport Tacita Dean Tracey Emin Angus Fairhurst Anya Gallaccio Liam Gillick Marcus Harvey Damien Hirst Gary Hume Michael Landy Abigail Lane Steve McQueen Lala Meredith-Vula Chris Ofili Sarah Lucas Martin Maloney Stephen Park Cornelia Parker Richard Patterson Simon Patterson Marc Quinn Fiona Rae Jenny Saville Georgina Starr Sam Taylor-Wood Gavin Turk Gillian Wearing Mark Wallinger Rachel Whiteread The Wilson Sisters

TENDENCIAS CONTEMPORANEAS PARTE 6

ENVIRONMENT ART (Arte ambiental o arte ecológico)

El término puede usarse generalmente en referencia a un arte que trata de temas ecológicos o el medio ambiente natural, mediante 1 suscitando la conciencia de la fragilidad de la naturaleza (lo que incluye fotografía basada en el paisaje, pintura, dibujos, libros-obras y arte propio de un lugar) 2 investigando fenómenos naturales (incluye ilustración científica así como prácticas artísticas interdisciplinares) 3 usando materiales naturales reunidos en el exterior (como ramillas, hojas, piedras, suelo, plumas; lo que a menudo es llamado Arte de la naturaleza) 4 no contribuyendo a la degradación medioambiental (lo que incluye obras «verdes» realizadas con materiales biodegradables o reciclados; la «Eco escultura»,que está sensiblemente integrada en un hábitat natural) El término también se usa para referirse a un arte específico de un lugar o a escultura medioambiental, que a menudo se usan para crear una obra que es «medioambiental» en el sentido anterior, pero que también puede relacionarse con otros aspectos del «medio ambiente», tales como el contexto formal, político, histórico o social. 

Historia 

el arte ambiental como un movimiento, comenzando a finales de los años 1960 o en los setenta. En sus primeras fases se relacionó sobre todo con la escultura - especialmente con el «arte para un lugar específico» (Specific-site art), el Land Art el Arte povera- habiendo crecido como una forma de crítica hacia las formas escultóricas y prácticas tradicionales que eran vistas de forma progresiva como desfasadas y potencialmente en desacuerdo con el medio ambiente natural. La categoría, actualmente, abarca muchos medios artísticos. El Arte ambiental también crea consciencia de la importancia de reciclar materiales. Al identificar el Arte ambiental debe diferenciarse claramente entre artistas que dañan el medio ambiente de aquellos otros que pretenden no causar daño a la naturaleza, en realidad, su obra podría involucrar restaurar el paisaje inmediato para volverlo a un estado natural. Por ejemplo, a pesar de su mérito estético, la celebrada escultura del artista Robert Smithson Spiral Jetty (1969) implicó un daño permanente considerable al paisaje en el que trabajó.El paisaje se convirtió en una forma de campo de residuos, y Smithson usó un bulldozer para raspar y cortar el paisaje, afectando al lago. El arte se convertía entonces en otra forma de contaminación del medio ambiente. Otros artistas land art han sido también objeto de crítica, como el escultor europeo Christo cuando envolvió temporalmente la costa de Little Bay, al sur de Sydney, Australia, en 1969. Los ecologistas locales protestaron argumentando que la obra era ecológicamente irresponsable y afectaba al medio ambiente local de manera negativa, especialmente a los pájaros que tenían nidos en los acantilados envueltos. Las quejas subieron de tono cuando varios pingüinos y una foca quedaron atrapados bajo la tela y tuvo que cortarse. Los comentarios de los ecologistas atrajeron la atención internacional hacia los círculos medioambientales,y llevó a que los artistas contemporáneos de la región se replantearan las inclinaciones del Land art y el arte para un lugar específico.   

Land Art ( arte de la tierra) es una tendencia del arte que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisaje desérticos del Oeste estadounidese a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman earthworks, palabra que puede traducirse como excavaciones, aterramientos o desmontes). 

El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. Otras nuevas modalidades artísticas del mismo tipo serían en body-art, el happening o el arte povera.  pobre arte El(voz italiana para "arte pobre") es una tendencia dada a conocer a finales de los sesenta, cuyos creadores utilizan materiales considerados 'pobres', de muy fácil obtención: como madera, hojas o rocas placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o, también, de desecho y, por lo tanto, carentes de valor. En un esfuerzo por huir de la comercialización del objeto artístico, ocupan el espacio y exigen la intromisión del público. Tratan de provocar una reflexión entre el objeto y su forma, a través de la manipulación del material y la observación de sus cualidades específicas. Acuñado por el crítico y comisario de arte italiano Germano Celant en 1967 para el catálogo de la exposición 'Arte povera – Im Spazio',intentaba describir la tendencia de una nueva generación de artistas italianos a trabajar con materiales nada tradicionales y supuso un importantísima reflexión estética sobre las relaciones entre el material, la obra y su proceso de fabricación y también un claro rechazo hacia la creciente industrialización, metalización y mecanización del mundo que les rodeaba, incluido el del arte. Aunque originario de ciudades como Turín, Milán, Génova o Roma y de carácter muy heterogéneo, el movimiento tuvo en seguida mucha influencia, gracias a la documenta V de Kassel, en las escenas artísticas europea y americana. El término se usó por primera vez una exposición veneciana en el añola obra y su proceso de fabricación y también un claro rechazo hacia la creciente industrialización, metalización y mecanización del mundo que lesrodeaba, incluido el del arte. Aunque originario de ciudades como Turín, Milán, Génova o Roma y de carácter muy heterogéneo, el movimiento tuvo en seguida mucha influencia, gracias a la documenta V de Kassel, en las escenas artísticas europea y americana. El término se usó por primera vez una exposición veneciana en el añola obra y su proceso de fabricación y también un claro rechazo hacia la creciente industrialización, metalización y mecanización del mundo que les rodeaba, incluido el del arte. Aunque originario de ciudades como Turín, Milán, Génova o Roma y de carácter muy heterogéneo, el movimiento tuvo en seguida mucha influencia, gracias a la documenta V de Kassel, en las escenas artísticas europea y americana. El término se usó por primera vez una exposición veneciana en el añoEl término se usó por primera vez una exposición veneciana en el añoEl término se usó por primera vez una exposición veneciana en el año 1967.

Tendencias Contemporaneas parte 5

Minimalismo

El término minimalista se refiere a cualquier cosa que haya sido reducida a lo esencial, despojada de elementos sobrantes.
Es una traducción transliteral del inglés minimalist, que significa minimista, o sea, que utiliza lo mínimo (minimal en inglés). Es la tendencia a reducir a lo esencial.
+El término "minimal" fue utilizado por primera vez por el filósofo británico Richard Wollheim en 1965, para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros objetos de muy alto contendio intelectual pero de bajo contenido formal o de manufactura, como los ready-made de Marcel Duchamp.

Como movimiento artístico, se identifica con un desarrollo del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, iniciado en el año 1960
Según el diccionario de la real academia española , el minimalismo es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas geométricas simples, tejidos naturales,etc.
El minimalismo es una corriente estética derivada de la reacción al pop art. Frente al
colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al
fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, barajó conceptos
diametralmente opuestos. El sentido de la individualidad de la obra de arte, la
privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el
espectador. Así como la importancia del entorno como algo esencial para la
comprensión y la vida de la obra.
Características:Abstracción.
Economía de lenguaje y medios.
Producción y estandarización industrial.
Uso literal de los materiales.
Austeridad con ausencia de ornamentos.
Purismo estructural y funcional.
Orden.
Geometría Elemental Rectilínea.
Precisión en los acabados.
Reducción y Síntesis.
Sencillez.
Concentración.
Protagonismo de las Fachadas.
Desmaterialización.


posminimalismo
Partiendo del aludido “Arte minimal” y parejo a su consecuencia ”arte procesual“, tenemos una nueva generación de artistas que profundizaron llevándolo a un punto más exótico y original. Añadieron, en contraposición al carácter neutral de las obras minimalistas, sensualidad y vitalismo utilizando nuevos materiales, como látex, vinilos, sacos…
Los inicios de este nuevo estilo los tenemos en el periodo de pleno apogeo del minimal con una exposición comisariada por Lucy R. Lippard, en 1966 en Nueva York.
A pesar de no llegar a la arbitrariedad, encontramos en este novedoso movimiento, la reconciliación de efectos formales diferentes y una combinación de realidades heredadas del surrealismo.
Esta herencia es un punto contravertido en la abstracción excéntrica, ya que fuera de esta combinación de realidades, nada hay de surrealista en el movimiento. Careciendo de interferencias emocionales y sin asociación aparente al subconsciente del autor.
Una de las más grandes personalidades de este movimiento es Eva Hesse, que en el año 1965 profundiza y reflexiona acerca del vigente arte minimal desde su más completo conocimiento ya que es amiga íntima del artista Sol Le Witt. Así, su arte pasa la frontera de lo minimal y se concentra en la experiencia humana, en la intuición, en la memoria, en el sexo…

Arte procesual
El arte procesual o arte en proceso (en inglés, Process art) es un movimiento artístico así como un sentimiento creativo y un punto de vista sobre el mundo donde el producto final del arte y la artesanía, el objeto de arte, no es el centro de atención principal. El «proceso» en el arte procesual se refiere al proceso de la formación de arte: la búsqueda, clasificación, recopilación, asociación y estampado. El arte procesual está preocupado con el hacer real; el arte como un rito, ritual y performance. El arte procesual a menudo acarrea una motivación inherente, racional e intencional. Por lo tanto, el arte se ve como un viaje creativo o proceso, más que como el producto acabado.
El arte procesual ha sido considerado un movimiento creativo en los EE.UU. y Europa a mediados de los sesenta. Tiene sus raíces en las pinturas de goteo (dripping) de Jackson Pollock y su empleo de la serendipia tiene una macada correspondencia con el dadaísmo. El cambio y la fugacidad son temas marcados en el movimiento de arte procesual. El Museo Guggenheim afirma que Robert Morris en 1968 tuvo una exposición innovadora y un ensayo definiendo el movimiento y la página web del Museo afirma:
Los artistas procesuales se vieron implicados en temas referentes al cuerpo, ocurrencias al azar, improvisación y la liberación de cualidades de materiales no tradicionales como la cera, el fieltro y el látex. Usando estos elementos, crearon formas excéntricas en disposiciones erráticas o irregulares producidas por acciones como cortar, colgar y gotear, o procesos orgánicos como el crecimiento, la condensación, el congelamiento o la descomposición
A menudo se subrayó la naturaleza efímera y la insustancialidad de los materiales.
El movimiento de arte procesual y el movimiento de arte ambiental están directamente relacionados:
Los artistas procesuales se implican en la primacía de los sistemas orgánicos, usando materiales perecederos, insustanciales y transitorios como conejos muertos, vapor, grasa, hielo, cereales, serrín y hierba. A menudo los materiales se dejan expuestos a las fuerzas naturales: la gravedad, el tiempo, el clima, la temperatura, etc.
En el arte procesual, como en el movimiento de arte povera, la propia naturaleza es celebrada como arte; se rechaza a menudo la simbolización y la representación de la naturaleza.
Antecedentes de arte procesual
El movimiento de arte procesual tiene precedentes en ritos indígenas, chamánicos y rituales religiosos, formas culturales como la pintura con arena, la danza del Sol y la ceremonia del té son actividades fundamentalmente relacionadas.

tendencias contemporaneas parte 4

ARTE CONCEPTUAL.

como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-mades daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.

¿Cuál es la ideología de este tipo de arte? El arte conceptual se define claramente opuesto a la burguesía y contrario al consumo, ya que se considera que la obra no es dueña de nadie.
Los artistas del arte conceptual se valen de métodos inusuales y diversos para presentar la idea de su obra. Eligen fotografías, vídeos, documentales escritos, grabaciones, presentaciones de actos en público… y muchos otros materiales efímeros que les sirven para documentar sus ideas o explicar eventos que ocurren fuera de los museos. Uno de los ejemplos tempranos del arte conceptual es “Una y tres sillas”, una creación de Joseph Kosuth, artista estadounidense que en 1965 crea una obra con una silla como protagonista central. La obra en cuestión consiste en una silla plegable de madera, una fotografía de una silla y una ampliación fotográfica de la definición de silla extraída del diccionario. Con ello este artista conceptual busca que el público conteste en cuál de los tres elementos se encuentra la identidad del objeto: ¿en la cosa misma, en la representación o en la descripción verbal? ¿Puede descubrirse la identidad de la silla en uno, en algunos, en todos, o en ninguno de ellos?A finales de la década de 1980, el arte conceptual experimenta un fuerte resurgimiento, justo cuando la atención del mundo del arte de vanguardia se orienta hacia la obra basada en el tema y el contenido. No obstante, por su carácter efímero, el arte conceptual dejó pocas obras en los museos. Sólo quedaron las fotografías y las declaraciones impresas (libros, catálogos y folletos) sobre los proyectos.
De este concepto han surgido formas artísticas como fluxus y el mail art.



FLUXUS (FLUJO)
es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura.
Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón.

(Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional) George Maciunas

Fluxus, que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total“.



Las formas de arte más estrechamente asociados con Fluxus son resultados de eventos y cajas de Fluxus. cajas de Fluxus (a veces llamado Fluxkits o Fluxboxes) se originó con George Maciunas , que se reunían las colecciones de tarjetas impresas, juegos, e ideas, organizándolas en pequeñas de cajas plástico o de madera.

El Arte Correo o Arte Postal , en inglés Mail Art
es un movimiento planetario de intercambio y comunicación a través del medio postal. Su historia viene de antiguo, tanto como el servicio postal, ya que es ese su medio de difusión, aunque puede rastrearse hasta sus primeras manifestaciones en el grupo Fluxus o los neo-dadaístas.

[editar] Características
El hecho de utilizar este medio de transporte condiciona las características del objeto a enviar, en cuanto a tamaño, peso o forma, que deben atenerse a las condiciones establecidas por los distintos servicios postales de cada país. Es frecuente que existan lo que podríamos denominar “transgresiones” del sistema por ambas partes, a veces los artistas postales juegan con las especificaciones estatales del correo, y otras, los funcionarios permiten la circulación de esos objetos tomando parte en un juego del que ya forman parte sean o no conscientes de ello.

El canal es parte integrante, y a veces la de mayor peso, puesto que aporta el ruido, la incertidumbre, o la intervención sobre la obra de las distintas fases administrativas por las que transcurre el viaje postal.

Pero el AP es algo más que un simple intercambio de arte a través del correo, es sobre todo comunicación. Ambos aspectos, arte y comunicación se funden en el envío postal, primando en cada ocasión y dependiendo de cada artista postal, uno sobre el otro, o estableciendo una compensación entre ambas características.

Hoy día, el AP ha hecho suyas las nuevas tecnologías ofimáticas o digitales y utiliza cualquiera de estos nuevos instrumentos como medios de difusión, así, se generalizaron antes los envíos a través del fax, o por medio del correo electrónico actualmente.

Existen varios principios que se entienden aceptados y compartidos por los actores del AP. Estos, fueran formulados expresamente o no en sus comienzos, han devenido en normas a cumplir en el ejercicio del AP y constituyen su esencia más profunda, de modo que si no se respetan, hace tambalearse al espíritu del AP.

Todos ellos no son sino signos diferenciadores del arte oficial, donde el mercado es quien dicta las normas y al que hay que ajustarse para sobrevivir.

Libertad de expresión: aunque a veces en los proyectos de AP se establecen temas determinados, al artista postal se le supone libertad absoluta para el ejercicio de su actividad.
No hay selecciones, no hay jurados. Todos los trabajos recibidos en los proyectos se aceptan y se exponen, sin limitaciones.
No hay ventas. El dinero y el AP no se llevan bien, los trabajos enviados permanecen en poder de sus receptores en forma de archivos, y estos tienen el derecho de exponerlos, coleccionarlos o disponer de ellos como deseen, con una cierta obligación entendida de preservarlos y conservarlos del mejor modo posible.
Realizar catálogos o listas de los participantes en los proyectos entra dentro tanto de las posibilidades económicas del momento y de cada artista postal, como de las normas de la buena educación.
Los objetos que constituyen este movimiento artístico son variados e incluyen libros de artista, postales de artista, estampillas de artistas, sellos de artista, collages, sellos de caucho, vídeos, audios, copy-art, cadenas de artista, ATC, objetos en 3D, creaciones digitales, net-art, y un largo etcétera en el que cabe citar los mismos sobres y postales, intervenidos y convertidos en objetos artísticos por los remitentes.

Actualmente, aceptado en las bienales, objeto de estudios académicos, incluido en libros y antologías, estudiado en las universidades, o de tratamiento obligado en toda revista de arte que se precie, está sufriendo los intentos de ser integrado socialmente, por esa clásica manera de absorción que realiza la sociedad ante la presencia de un cuerpo extraño en su estructura cultural.

Tendencias Contemporaneas parte 3

APROPIACION ART

De alguna forma, siempre ha sido parte de la historia del arte el préstamo y el uso de estilo, formas. Solo pensemos en los estudiantes de artes aprenden copiando. Pero escrudiñemos un poco Picasso y Georges Braque se apropiaron de objetos a partir de un contexto de arte. En 1912, Picasso pego un trozo de tela sobre un el lienzo. Composiciones posteriores, tales como la guitarra, periódicos, vidrio y botella (1913), en el que Picasso utiliza recortes de periódico para crear formularios, pasó a ser categorizadas como el cubismo sintético. Los dos artistas incorporan aspectos del "mundo real" en sus lienzos
Cinco años más tarde, en 1917, Marcel Duchamp introdujo la idea del readymade. El trabajo consistía en un orinal, acostado de lado sobre un pedestal con la firma "R. Mutt". Duchamp también llegó a través del arte existente en su obra, apropiándose de una aparente copia de la Mona Lisa en su pieza, LHOOQ

Y Los surrealistas, detrás del movimiento Dada, también se incorpora el uso de "encontrar" objetos como objetos de Meret Oppenheim (Almuerzo en piel) (1936). Estos objetos adquirieron un nuevo significado cuando se combina con otros objetos inverosímiles e inquietantes. En 1938 Joseph Cornell producido lo que podría considerarse el primer trabajo de apropiación de cine en su corte al azar y la película reconstruye 'Rose Hobart. Este trabajo fue para inspirar a artistas posteriores vídeo. En la década de 1950, Robert Rauschenberg utilizó lo que denominó "combina", literalmente, la combinación de objetos readymade, como los neumáticos o las camas, la pintura, la seda-pantalla, el collage y la fotografía. Del mismo modo, Jasper Johns, trabajando al mismo tiempo como Rauschenberg, incorporó objetos encontrados en su trabajo. Johns también consignó las imágenes simbólicas como la bandera o el "blanco" símbolo en su obra.

En 1958, Bruce Conner produce el influyente 'una película' en el que se recombinan clips de película para producir este trabajo seminal que los comentarios sobre la propensión a la humanidad hacia la violencia. Al mismo tiempo, Raphael Montañez Ortiz participó en la Destructionist "movimiento en el que los objetos y la película se cortaron, desmontadas, quemadas y destruidas parcialmente y luego reformada para crear nuevas obras. En 1958 Ortiz produjo "Cowboy y 'Indian Film, una obra seminal película de crédito.

Pero según la apropiación en este periodo del arte surge como una propuesta desmitificadora a raíz de la exposición que organizara el crítico Douglas Crimp en la ciudad de Nueva York en 1977. Bajo el título de Pictures, se expusieron trabajos de Troy Brauntuch, Robert Longo, Sherrie Levine y Cindy Sherman, cuyo propósito era poner en escena, antes que la representación misma, los procesos a través de los cuales ésta obtiene su codificación social. Indisociable de las indagaciones posestructuralistas del Roland Barthes de las mitologías, los apropiacioncitas quisieron hacer patente de qué forma usos establecidos y que pasan por “naturales” en realidad son el resultado de un trabajo en el que ha triunfado una cierta política de la representación que merece ser cuestionada. La dirección principal del apropiacionismo, si se lo entiende de este modo, no podía ser sino subversiva, y sin duda tiene que ver con los procedimientos de “extrañamiento” que son tan socorridos dentro del campo del arte.