ARTISTAS ENSAMBLISTAS 3

H.C Westermann 
(Horace Clifford "Cliff" Westermann) (11 de diciembre de 1922 (los Ángeles, California) – 3 de noviembre de 1981, (Danbury, Connecticut))
grabador y escultor cuyo arte constituye un comentario mordaz sobre el militarismo y el materialismo.
Sus esculturas con frecuencia incorporan las técnicas tradicionales de la carpintería y marquetería.Westermann trabajó en los campos de registro como un trabajador ferroviario en el noroeste del Pacífico. Durante la guerra sirvió como un artillero en el cuerpo de Marines de Estados Unidos en el portaaviones USS Enterprise, asistiendo a numerosos ataques kamikaze y el hundimiento de varios buques. Hizo una gira el Lejano Oriente como un acróbata con la organización de servicio de United y en 1947 se matriculó en la escuela del Art Institute de Chicago.En 1950, Westermann realistada en los Marines para servicio en la guerra de Corea. Después de su aprobación de la gestión, regresó a la escuela del Art Institute de Chicago y completó sus estudios en Bellas Artes. Los efectos psicológicos de sus experiencias durante la guerra fueron un tema subyacente en su trabajo.En 1967, fue uno de los famosos que aparece en la portada del álbum de los Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.Se le dio una retrospectiva en el Museo Whitney de arte estadounidense en 1978. 

Kurt Schwitters

(Hannover, Alemania, 1887-Ambleside, Reino Unido, 1948) Pintor alemán. Cursó estudios de arte en las Academias de Dresde y Berlín. A través de la revista Der Sturm entró en contacto con la vanguardia alemana, en concreto con el expresionismo, a través del cual llegó a la definición de su propio estilo.
Éste comenzó a tomar forma en torno a 1920, cuando realizó sus primeros collages a partir de pequeños fragmentos de madera, recortes de periódico, billetes de tranvía y otros materiales de «desecho», que se transfiguraban en sus obras mediante la incorporación del color o la adición de palabras o frases. A estas creaciones el artista las denominó Merz, por el fragmento de la palabra Kommerz que aparecía en un recorte de periódico incluido en uno de sus collages del comienzo.
Su estilo evolucionó desde un recargamiento inicial hacia un mayor purismo, pero el artista nunca abandonó los Merz, las obras a las que debe su fama. Esta misma palabra dio título a una revista que fundó en 1923 y se publicó hasta 1932. En ella, Schwitters y sus colaboradores difundieron el espíritu del dadaísmo, corriente artística a la que pertenece el pintor, además de contribuir a la modernización de la tipografía y el diseño gráfico.



Lucas Samaras
(n. 14 de septiembre de 1936) es un artista griego. Samaras nació en Kastoriá, Grecia.
Estudió en la Rutgers University, donde conoció a Allan Kaprow y George Segal. Participó en los "Happenings," de Kaprow y posó para las esculturas de plástico de Segal. Claes Oldenberg, en cuyos Happenings también participó, posteriormente se refiere a Samaras como uno de sus compañeros de la "escuela de Nueva Jersey," que también comprende a Kaprow, Segal, George Brecht, Robert Whitman, Robert Watts, Geoffrey Hendricks y Roy Lichtenstein.
Antes de comenzar a realizar fotografías Samaras realizó obras como pintor, escultor, y artes escénicos.

ARTISTAS ENSAMBLISTAS 2

Edward Kienholz
(23 de octubre de 1927 – 10 de junio de 1994)
es un artista norteamericano especializado en instalaciones. Su trabajo fue sumamente crítico de diversos aspectos de la vda moderna. A partir de 1972 y hasta su muerte, realizó numerosas obras en colaboración con su esposa, Nancy Reddin Kienholz. Las mismas son genéricamente identificadas como "Kienholz ".

Claes Oldenburg  
(nacido el 28 de enero de 1929) es un escultor estadounidense, pionero del Pop Art. Es conocido sobre todo por sus instalaciones de arte público que representan réplicas a gran escala de objetos cotidianos. Otro tema en su obra son las versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros
Oldenburg nació en Estocolmo (Suecia), hijo de un diplomático sueco. Siendo niño se trasladó con su familia a los Estados Unidos en 1936, primero a Nueva York y después a Chicago donde se graduó en la Latin School de Chicago. Estudió en la Universidad de Yale desde 1946 hasta 1950, después regresó a Chicago donde estudió bajo la dirección de Paul Wieghardt en el Art Institute of Chicago hasta 1954.Mientras desarrollaba su arte, trabajó como periodista en prácticas para el City News Bureau de Chicago. Abrió su propio taller y, en 1953, se naturalizó ciudadano estadounidense. Regresó a Nueva York en 1956. Allí conoció a toda una serie de artistas, incluyendo Jim Dine, Red Grooms, y Allan Kaprow, cuyos Happenings incorporaban aspectos teatrales y proporcionaban una alternativa al expresionismo abstracto que había llegado a dominar la escena artística.
Oldenburg vive la consolidación de la sociedad de consumo de finales de los años 50 en EE.UU. y ve como a la gente le gusta cada vez más llamar la atención, por eso la época se caracteriza por la opulencia. El mundo estaba empezando a evolucionar muy rápidamente, gracias, en parte, a los medios de comunicación, que hicieron cambiar las bases de las relaciones humanas. Oldenburg y otros artistas, a partir de este pretexto, decidieron usar las innumerables posibilidades de difusión para transmitir mensajes a través de sus obras, ya que si su arte está relacionado con la situación social, resulta más fácil mostrar y entender sus composiciones al público.En 1961 inauguró su primera tienda, llamada El taller, donde vendía figuras de escayola pintada, normalmente de medidas considerables o de forma natural. Solían ser productos gastronómicos: frutas y utensilios de cocina o domésticos. Al principio solo empleaba materiales blandos y baratos.Después de haber pasado los primeros años de su carrera artística en el Coger East Side, se instaló en Broome Street (Nueva York). Sus obras reúnen todas las características del Pop Art, ya que generalmente, sus creaciones son elaboradas con objetos sencillos y fáciles de conseguir. Pretende que sus obras comuniquen al artista con el público.
En 1977, el artista se casó con la también artista Cojees Van Bruggen. Desde entonces, firman las obras juntos, y Cojees asesora y aconseja al artista en sus creaciones. En 1978, fijaron su residencia en Broome Street, donde crearon su propia empresa, después de haber restaurado y arreglado dos edificios de esa calle. Allí, reunieron las obras creadas hasta el momento del artista; las restauraron y las expusieron en diversos sitios de la ciudad. Aun así, Oldenburg sigue manteniendo sus principios artísticos; sigue usando materiales sencillos, creando sus obras de forma industrial, que tienen que ver con bienes cotidianos, etc. Su esposa rebautizó algunas obras de los 60 y 70 de Oldenburg.

Robert Rauschenberg
(* 22 de octubre de 1925, Port Arthur, Texas;† 12 de mayo de 2008, Tampa, Florida) fue un pintor y artista estadounidense, que alcanzó notoriedad en 1950 en la transición desde el expresionismo abstracto al Pop-Art del cual era uno de los principales representantes del mismo en su país.
Rauschenberg estudió en el Instituto de Arte de Kansas y en la Academia Julian en París, donde conoció a la pintora Susan Weil, con la que se casaría en 1950 que sería la madre de su hijo, el fotógrafo Christopher Rauschenberg (1951-). En 1948 Rauschenberg y Weil decidieron ir al Black Mountain College en Carolina del Norte.
En el Black Mountain su maestro de pintura fue la renombrada figura de la Bauhaus, Josef Albers. Su estricta disciplina y sentido del método inspiraría a Rauschenberg, como el mismo dijo, para hacer "exactamente lo contrario" de lo que Albers le enseñó.El compositor John Cage, con cuya música Rauschenberg conectaría perfectamente, también asistió a la facultad de Black Mountain 

video tomado de Moca  

EDUARDO PAOLOZZI
Nace un 7 de marzo de 1924 – fallece un 22 de abril de 2005), 
fue un escultor y artista escocés. Paolozzi nació en Leith al norte de Edimburgo, el hijo mayor de inmigrantes italianos. Estudió en el Edinburgh College of Art in 1943, brevemente en la St Martin's School of Art en 1944, y luego en la Slade School of Art en Londres desde 1944 hasta 1947, después de lo cual trabajó en París, Francia.
Ampliamente surrealista, Paolozzi llamó la atención pública en los años 1960 al producir varios impresionantes serigrafías. Paolozzi fue el fundador del Independent Group, que es considerado como precursor del movimiento británico pop art de los 60s. Su collage de 1947 I was a rich man's plaything [1], a veces es etiquetado como la primera muestra real del Pop Art, si bien él ha descrito su obra como surrealista. Posteriormente se haría mejor conocido como escultor. Paolozzi es conocido por crear bastantes estatuas casi reales, pero con elementos rectilíneos (a menudo cúbicos) agregados o removidos, o formas humanas deconstruidas de un modo cubista.
Entre sus obras están:
.Las paredes llenas de mosaicos de la Tottenham Court Road tube station.
.La cubierta del álbum de Paul McCartney Red Rose Speedway.
.La paneles de los techos y la tapicería de las ventanas del Castillo Cleish.
.La escultura "Piscator" fuera de la Euston Station de Londres.
.Puertas de aluminio con relieves para el Hunterian Museum and Art Gallery de la Universidad de Glasgow
..Casos de displayamientos en el Museo de Escocia.
Enseñó escultura y cerámica en varias instituciones, tales como la Universidad de California, Berkeley (en 1968) y en el Royal College of Art. Paolozzi ha tenido una larga relación con Alemania, habiendo trabajado en Berlín desde 1974 como parte del Artists Exchange Scheme. Fue profesor de la Fachhochschule en Colonia desde 1977 hasta 1981, y posteriormente enseñó escultura en la Akademie der Bildenden Künste en Múnich.
Paolozzi fue condecorado con la CBE en 1968 y en 1979 fue elegido para la Royal Academy. Recibió el título de Her Majesty's Sculptor in Ordinary for Scotland en 1986, conservando el oficio hasta su muerte. Se convirtió en Sir Eduardo después de su ordenación en 1989.En 1994 Paolozzi dio a la Scottish National Gallery of Modern Art una buena cantidad de sus obras, y mucho del contenido del estudio del artista. En 1999 las Galerías Nacionales de Escocia abrieron la Dean Gallery para mostrar su colección, y la galería muestra una reproducción del estudio de Paolozzi, con sus contenidos arreglados como lo estaban en su ubicación original en Londres.
En 2001 Paolozzi sufrió un accidente cerebrovascular casi fatal (causando un reporte incorrecto en una revista que señalaba que había muerto).Sin embargo, la enfermedad lo confinó a una silla de ruedas, y murió en un hospital de Londres en abril de 2005.





 Louise Nevelson (Kiev, 23 de septiembre de 1899 – Nueva York, 17 de abril de 1988), pintora y escultora rusa. El apellido por el que se la conoce es el de casada.
nació en Leah Berliawsky, población cercana a Kiev, trasladándose a los siete años a los Estados Unidos. En 1920 se casó con Charles Nevelson, agente naviero, trasladándose a Nueva York. En 1922 nació su hijo Myron.
En 1929 comenzó a estudiar en la Art´s Student´s League, decisión que no gustó a su marido, y que a la postre fue una de las causas de su separación.
Tras una breve estancia en Alemania, de donde tuvo que marcharse precipitadamente a la llegada del partido nazi al poder, se estableció en París, donde mantuvo una relación sentimental con el marchante Georges Wildenstein. Comenzó así una vida bohemia, alternado el ejercicio de la pintura con incursiones en la escultura. En 1943 realizó una gran exposición en la Norlyst Gallery, donde a pesar del éxito de crítica, no consiguió vender ninguna obra. Continuó siendo una personalidad en el mundillo artístico neoyorquino hasta su muerte.

John Aubrey Clarendon Latham: 23 de febrero de 1921 Livingstone , Rhodesia del Norte (ahora Maramba , Zambia ), Murió 1 de enero de 2006 (84 años) Londres , Inglaterra

Estudio en Chelsea College de Arte y Diseño

fue un artista conceptual cuyo trabajo se basó en sus creencias éticas y científicas personales. Por ejemplo, él creía que la violencia y el conflicto entre los pueblos del mundo es el resultado de diferencias ideológicas. Se casó con la compañera de trabajo y colaboradora Barbara Steveni en 1951 y juntos idearon la idea de 'tiempo llano', basada en la física teórica de Event Structure

George Herms (nacido en 1935) es un artista americano más conocido por hacer ensamblajes a partir de objetos desechados, a menudo oxidados, sucios o rotos todos los días, y yuxtaponiendo esos objetos para infundirlos con poesía, humor y significado.  También es conocido por sus trabajos en papel, incluyendo trabajos con tinta, collage, dibujo, pintura y poesía. El prolífico Herms también ha creado piezas de teatro, sobre las cuales él ha dicho, "Yo lo considero como una caja de Joseph Cornell lo suficientemente grande como para caminar por ahí. Es sólo una continuación de mi escultura, un año a la vez. " El curador legendario Walter Hopps , quien conoció a Herms en 1956, "colocó a Herms en un continuum deslumbrante de artistas de ensamblaje que incluye a Pablo Picasso , Kurt Schwitters , Marcel Duchamp y Joseph Cornell, así como a Wallace Berman y Edward Kienholz . "A menudo llamado miembro del movimiento de la Costa Oeste Beat , Herms dijo que Wallace Berman le enseñó que "cualquier objeto, incluso un rechazo mundano, podría ser de gran interés si se contextualiza adecuadamente". "Eso es todo", dice Herms. "Me convierto en mierda en oro, sólo quiero ver algo que nunca he visto antes."  George Herms vive y trabaja en Los Angeles

ARTISTAS ENSAMBLISTAS 1

ENRICO BAJ
(Milán, 31 de octubre de 1924 – Vergiate, 15 de junio de 2003)
fue un artista italiano y escritor sobre arte. Muchas de sus obras muestran una obsesión con la guerra nuclear. Creó grabados, esculturas, pero especialmente collages. Estuvo próximo a los movimientos surrealista y dadá, y más tarde se relacionó con el arte pop. Como escritor, ha sido descrito como un promotor líder de la vanguardia. Trabajó con Umberto Eco entre otros. Tuvo un largo interés en el movimiento pseudofilosófico llamado patafísica.


Nació en el seno de una rica familia milanesa, pero dejó Italia en el año 1944 tras disgustar a las autoridades y para evitar la conscripción. Estudió en la facultad de derecho de la Universidad de Milán y en la Academia de Bellas Artes de Brera.



ALBERTO BURRI
nació en Città di Castello, dentro de la provincia de Perugia (Umbría), en 1915. Entre 1934 y 1939 estudió medicina, obteniendo la titulación en 1940 de la Universidad de Perugia y fue médico militar durante cuatro años en la Segunda guerra mundial. Después de que su unidad fuera capturada en el Norte de África, fue internado en un campo de prisioneros en Hereford, Texas en 1944, donde comenzó a pintar. Después de su liberación en 1946, Burri se trasladó a Roma y se dedicó en exclusiva a la pintura; su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería La Margherita en 1947. Después expuso en la Galería Malborough de Nueva York y en la galería de France de París.
De 1973 es su primer Cretto, imágenes que se realizaba en arcilla que, al cocerse en caolín, formaban grietas en la superficie. La más destacada de esta serie de obras es el Grande Cretto Nero que hizo para el jardín de esculturas de la Universidad de California en Los Ángeles (1976).
Joseph Cornell
(24 de diciembre de 1903 – 29 de diciembre de 1972) fue un artista y escultor norteamericano, uno de los pioneros y exponentes más destacados del denominado arte de assemblage. Recibió influencias de los surrealistas, además fue un cineasta experimental vanguardista.


Jean Dubuffet


En 1951 fundó el movimiento arte nuclear con Sergio Dangelo, que a diferencia del arte abstracto era abiertamente político. El propio Baj se alineó con el movimiento anarquista. Sus obras más conocidas son probablemente una serie de «Generales»: personajes absurdos realizados con objetos encontrados como cinturones o medallas.
Hizo numerosas obras usando motivos de otros artistas, desde Leonardo da Vinci a Picasso. A veces recreó obras enteras de otros pintores.
En 1972 la exposición pública de una gran obra, Funeral por el anarquista Pinelli (una referencia a la famosa pintura de Carlo Carrà El funeral del anarquista Galli de 1911) fue prohibida después del asesinato del oficial de policía que se creía responsable de la muerte de Giuseppe Pinelli bajo custodi. Sin embargo, su obra siguió siendo política. En sus últimos años creó una serie de pinturas a modo de protesta por la elección de Silvio Berlusconi.


En 1951, junto con otros artistas como Giuseppe Capogrossi o Ettore Colla fundó en Roma el grupo «Origen», en cuyas actividades participó. Marchó a Estados Unidos, donde impartió clases de arte desde 1953 hasta 1960. Participó en documenta 2, 3 y 7 de Kassel. Volvió a trabajar en Roma a partir de 1960. Su primera exposición retrospectiva se celebró en la Bienal de Venecia de 1960; en 1972 se celebraron retrospectivas en Turín y París.
Burri recibió la Orden del mérito italiano en 1994. Città di Castello lo recuerda con un gran museo permanente de sus obras.
EstiloBurri pronto se volvió hacia la abstracción (1949), con los catrame, obras realizadas con alquitrán y óleo sobre lienzo. Realizó cuadros de pintura matérica abstracta, muy cercanos al informalismo, especialmente español de la década de los años cincuenta. Su obra se relaciona con el tachismo europeo, el expresionismo abstracto estadounidense, y la abstracción lírica. Cultiva una «estética del desperdicio», con el uso de materiales poco convencionales próxima al Art brut de Jean Dubuffet y el nuevo realismo; se ha señalado además otras tendencias como origen de los elementos de su obra, como el neodadaísmo, el constructivismo y el arte povera. A su personal estilo se le denominó «polimaterialista».
Utilizó la técnica del collages a partir de 1950, y la de ensamblajes de materiales diversos. Burri cogía de la realidad cotidiana materiales poco ortodoxos como pumita, alquitrán o arpillera. Empezó a realizar una serie de cuadros que se transformaban en tridimensionales. De 1952 son sus primeras pinturas sobre sacos. Burri comenzó a producir obras experimentando con madera, metal y plástico; hizo cuadros con madera carbonizada y arpillera como la primera serie de Cuadros negros; más tarde, probó con chapas de hierro soldadas. También hace lienzos con arpillera rota y papel quemado (serie de grandes Telas de saco, 1952-1956). Desde 1956 empieza sus Combustiones y la serie de los Hierros. Comenzó a experimentar con materiales sintéticos quemados, como el plástico, que arrugaba, doblaba y quemaba con una antorcha. A principios de los setenta comenzó sus pinturas «rotas».

Creó, desde 1979 hasta los noventa, una serie de obras integrando en ellas el material industrial llamado cellotex (mezcla de serrín y cola) en tres colores: negro, blanco y oro.


Joseph Cornell nació en Nyack, Nueva York, su padre era Joseph Cornell, un acomodado diseñador y comerciante de telas, y Helen TenBroeck Storms Cornell, que era maestra de jardín de infantes. Joseph tenía tres hermanos, Elizabeth (n. 1905), Helen (n. 1906), y Robert (n. 1910). Sus dos padres provenían de familias socialmente prominentes de raices neerlandesas, asentadas desde hacia mucho tiempo en el estado de Nueva York.scultura y collage
Las obras más características de Cornell eran conjuntos de objetos contenidos en cajas. Los mismos consistén de cajas simples, por lo general con un vidrio en su frente, dentro d elas que ordenaba una colección sorprendente de fotografías o bric-à-brac victorianos, de forma de combinar la austeridad formal del Constructivismo con la fantasía del Surrealismo. Muchas de sus cajas, tales como la famosa caja Medici Slot Machine, son interactivas y han sido concebidas para ser manipuladas.
Al igual que Kurt Schwitters, Cornell podía crear poesía a partir de temas cotidianos. Sin embargo, a diferencia de Schwitters, él no estaba fascinado con lo descartado o basura, pero si por los fragmentos de objetos que una vez fueron hermosos y preciosos y que encontraba en sus frecuentes búsquedas por las librerías y tiendas de thrift stores of New York.[1] Sus cajas se basaban en la técnica surrealista de juxtaposición irracional y en las evocaciones a la nostalgia. Aunque Cornell admiraba las obras y técnicas de los surrealistas como Max Ernst y René Magritte, él nunca se consideró un surrealista; he disavowed the Surrealists' "magia negra," proclamando que él solo deseaba realizar magia blanca con su arte. La fama de Cornell como un importante surrealista norteamericano le permitió frecuentar a varios miembros del movimiento surrealista cuando se establecieron en Estados Unidos huyendo de la Segunda Guerra mundial. Posterirmente sería aclamado como el heraldo del arte pop y el arte de instalaciones. Cornell was heavily influenced by American Transcendentalists, Hollywood starlets (to whom he sent boxes he had dedicated to them), los simbolistas franceses tales como Stéphane Mallarmé y Gérard de Nerval, y grandes bailarinas de ballet del siglo XIX tales como Marie Taglioni y Fanny Cerrito.
A Cornell también lo cautivaban las aves y por esta razón creó los “Aviarios” a mediados de la década de 1940 y principios de 1950, en los cuales combinó imágenes muy coloridas de aves contra fondos blancos y fríos.


Jean Philippe Arthur Dubuffet (31 de julio de 1901 en Le Havre - 12 de mayo de 1985 en París) fue un pintor y escultor francés de los más famosos de la segunda mitad del siglo XX.
Dubuffet resusito en Le Havre. Se mudó por primera vez a París en 1918 para estudiar pintura en la Académie Julian, pero luego de seis meses dejó la academia para estudiar de forma independiente. En 1924, dudando del valor del arte, dejó de pintar y se hizo cargo del negocio de su padre vendiendo vinos. Retomó la pintura nuevamente en la década de 1930, pero se detuvo nuevamente, sólo volviendo por largo tiempo en 1942. Su primera muestra individual se produjo en 1944. Se aproximó al surrealismo en 1948, luego a la patafísica en 1954.
Influenciado por el libro de Hans Prinzhorn, Artistry of the Mentally Ill, Dubuffet acuñó el término Art Brut (arte en bruto) para el arte producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas, tales como el arte de los pacientes mentales, prisioneros y niños. Él formó su propia colección de tal forma de arte, incluyendo a artistas tales como Aloïse Corbaz y Adolf Wölfli. Dubuffet pretendía crear un arte tan libre de las preocupaciones intelectuales como el Art Brut, crea figuras elementales y pueriles y, a menudo crueles:(se inspiro en los dibujos de los niños,los criminales y dementes) personajes bufos, morbosos,como las mujeres de su serie"DAMES"; o seres infrahumanos,figuras deformes,absurdas y grotescas como los ciclos "BARBAS"
Muchos de los trabajos de Dubuffet fueron realizados con óleos, utilizando un lienzo reforzado con materiales tales como arena, alquitrán y paja, otorgándole al trabajo una inusual superficie texturada. Desde 1962 produjo una serie de obras en las cuales se limitaba a sí mismo con los colores rojo, negro, blanco y azul. Hacia finales de la década de 1960 se volcó más a la realización de esculturas, produciendo trabajos en poliestireno, a los cuales pintaba con vinílico.

EL ARTE COLOMBIANO DE LUTO

El pintor, grabador y escultor colombiano Omar Rayo, quien se caracterizó por sus figuras geométricas y de gran colorido, falleció este lunes en la población de Roldanillo, en el departamento (provincia) de Valle (suroeste), informaron allegados del artista.

Rayo, de 82 años, sufrió un infarto en su residencia de Roldanillo, donde desde 1981 dirigía el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano, una sede 
cultural donde exponía su obra y daba cabida a los nuevos exponentes del arte.

BREVE BIOGRAFIA.

Nombre real : Ómar Rayo Reyes

Nacimiento: 20 de enero de 1928Roldanillo, Colombia

Fallecimiento: 7 de junio de 2010 (82 años)Palmira, Colombia

Nacionalidad: COLOMBIANO

Área: Pintor, grabador y escultor

Inicio su carrera en el barrio siloé dibujando e ilustrando para los periódicos y revistas de Cali. Desde 1948 expuso varias veces sus obras en varias ciudades de Colombia, gano el Salón Nacional de Artistas de Colombia. En 1954 comenzó a viajar por América Latina para estudiar. Vivió en México de 1959 a 1960 y se radicó en Nueva York desde entonces.

En 1981 estableció el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en su natal Roldanillo. Fue diseñado por el arquitecto mexicano Leopoldo Gout. Se exponen dos mil cuadros y grabados de la producción de Rayo, además de quinientos de diferentes artistas latinoamericanos que hacen parte de su colección personal. Funcionan allí diferentes módulos como el de las exposiciones permanentes, las itinerantes, una biblioteca y el taller de artes gráficas, además de un teatro con capacidad para 150 personas.

La obra de Rayo está dedicada a la figura geométrica sin ser abstracto. Su estilo original, con imágenes claras, pinta objetos concretos. Es un artista geométrico-óptico, que ama los cuadrados, los rectángulos y las líneas en zig zag y se expresa con el blanco, el negro y el rojo. Nos demuestra que el arte geométrico pertenece tanto al pasado ancestral como al futuro insondable. Utilizando el rastro primordial de los ancestros indígenas, descubre nuevas maneras de ejecutar y presentar los intrincados laberintos visuales y geométricos.

HISTORIA DE LA ESCULTURA 3ERA PARTE

ESCULTURA EUROPEA DEL SIGLO XXLa mayor parte de las esculturas realizadas en el siglo XX difieren radicalmente en forma y contenido de las de épocas anteriores. En algunos casos son producto de investigaciones en la misma dirección que las de la pintura y comparten la misma denominación, como en el caso del cubismo, el futurismo, el constructivismo, el dadaísmo y el surrealismo, por mencionar sólo algunas. Entre las influencias dominantes que recibieron los escultores europeos de comienzos del siglo XX pueden citarse la del arte primitivo y la escultura de África y Oceanía, pues muchas de dichas obras se exponían en los museos de Ciencias Naturales de Francia y Alemania.

ESCULTURA BIOMÓRFICA. BRANCUSI Y MODIGLIANI
Constantin Brancusi, nacido en Rumania, llegó a París en 1902; obras como Figura antigua (1908, Instituto de Arte, Chicago) y El beso (1908, Museo de Arte, Filadelfia) evidencian su admiración por el arte antiguo y primitivo. En El beso, siguiendo su propósito de “dar al espectador puro disfrute”, demuestra además un ingenio lúdico, igual que en el Torso de un joven (1924, Museo Hirshhorn, Washington D.C.) y la obra de tipo totémico Adán y Eva (1912, Museo Guggenheim, Nueva York). Está claro que las dos últimas esculturas, a pesar de su apariencia abstracta, están basadas en los órganos sexuales femenino y masculino. La reducción de las formas a lo esencial y su habilidad para extraer la belleza intrínseca de los materiales ya fuera madera, piedra o metal que logró Brancusi ejerció una profunda influencia en los escultores del siglo XX. También trabajó en París el italiano Amedeo Modigliani y allí, a instancias de Brancusi, estudió el arte primitivo y el cicládico (arte originario de las Cícladas). Entre 1909 y 1914 realizó esculturas en piedra caliza como Cabeza de mujer (1912, Centro George Pompidou, París) que, inspirada en el arte cicládico, influyó a su vez en su modo de pintar.

ESCULTURA CUBISTA.
El arte africano desempeñó un papel muy significativo en el desarrollo del cubismo del pintor francés Braque y del español Picasso. De hecho, este último realizó algunas pequeñas tallas en madera en 1907 que evidencian la influencia de las máscaras africanas. Influido también por la escultura ibérica, ejecutó algunas obras en bronce con rostros que parecen máscaras, como Cabeza de un toro (1943, Museo Picasso, París); en ellos se aprecia la evolución del estilo cubista que desarrollaba de manera simultánea en pintura. Una mayor distorsión puede verse en Cabeza de mujer (c. 1909, Galería de Arte Albright-Knox, Buffalo, Nueva York) cuyos rasgos faciales contraídos la convierten en la primera escultura auténticamente cubista de Picasso. En los años siguientes hizo numerosas construcciones y esculturas que pueden considerarse cubistas, como la Guitarra (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) de chapas metálicas y alambre, y la obra en madera Vaso de vino y dado (1914, Museo Picasso, París). Sin embargo, sus obras posteriores están más dentro de la línea figurativa tradicional, como el bronce Hombre del cordero (1944, Museo de Arte de Filadelfia).

CONTINUADORES DEL CUBISMO
Durante las primera décadas del siglo XX muchos de los escultores que trabajaban en París se vieron influidos por el cubismo, como Raymond Duchamp-Villon, Alexander Archipenko y Jacques Lipchitz. Todos ellos trabajaban estilos en cierta medida figurativos, enfatizando los planos volumétricos, como puede verse, por ejemplo, en el Marinero con guitarra de Lipchitz (1914, colección del artista). En España reciben la influencia del cubismo de Picasso dos grandes artistas de la escultura en metal, Julio González y Pablo Gargallo. El primero fue uno de los grandes pioneros en ese campo, y su influencia en la escultura contemporánea construida en acero ha sido decisiva.

ESCULTURA CONSTRUCTIVISTA

El constructivismo, que da prioridad a la dinámica del espacio escultórico sobre lo estático de la masa, fue una tendencia nueva que se desarrolló sobre todo en Rusia. Su fundador, inspirado en sus comienzos por la obra de Picasso, fue Vladímir Tatlin; alcanzó gran renombre con la maqueta en espiral de madera, hierro y vidrio para su Monumento a la III Internacional (1919-1920, Museos Estatales Rusos, San Petersburgo). Hacia esa misma época los hermanos Naum Gabo y Antoine Pevsner también se dedicaban a la escultura constructivista en Rusia, pero el vanguardismo de su obra no gustaba al régimen comunista y por ello emigraron y extendieron sus ideas por la Europa occidental y Estados Unidos.

ESCULTURA DADÁ Y SURREALISTA 

Durante los años de la I Guerra Mundial el artista Dadá Marcel Duchamp expresaba su nihilismo estético seleccionando objetos industriales, que luego utilizaba como esculturas y a los que denominaba ready-mades. Duchamp consideraba temas artísticos objetos como secadores de botellas, palas para quitar la nieve y urinarios. El hincapié que hacían los dadaístas en el papel de la casualidad, la suerte y el inconsciente en la creación del arte, como en la obra de Duchamp Tres zurcidos patrón (1913-1914, Museo de Arte Moderno), influyó en el movimiento surrealista que se desarrolló con posterioridad.
El artista francés Jean Arp utilizó la casualidad en varios relieves en madera pintada a los que dio títulos ingeniosos y sugestivos. Sin embargo, es más conocido por sus esculturas abstractas posteriores, de formas biomórficas redondeadas, que denominó Concreciones, como por ejemplo Concreción humana (1935, versión en piedra, 1949, Museo de Arte Moderno). El pintor nacido en Alemania Max Ernst, al igual que Arp, fue un pionero del Dadá y del surrealismo; su Espárrago lunar (1935, Museo de Arte Moderno), obra deliciosa en escayola, representa dos figuras alargadas como si fueran plantas. El escultor suizo Alberto Giacometti dio forma a sus fantasías en obras inquietantes como la construcción El palacio a las cuatro de la madrugada (1932-1933) y el bronce Mujer con la garganta cortada (1932), ambas en el Museo de Arte Moderno. Frecuente colaborador de Duchamp y también relacionado con el Dadá y el surrealismo, fue el artista estadounidense de nacimiento Man Ray, cuya obra queda bien ilustrada con el fascinante Objeto para ser destruido (1923, destruido en 1957) que consistía en un metrónomo con una varilla oscilante en la que había adherida la fotografía de un ojo.
En España uno de los máximos representantes de la escultura surrealista es el canario Óscar Domínguez; en su obra, que adoptó la figura femenina como tema principal, se puede apreciar la influencia de otra de las grandes figuras de este movimiento, Salvador Dalí. En 1938, este artista catalán sembró el desconcierto entre el público asistente a la inauguración de la Exposición Internacional del Surrealismo en París con su Taxi lluvioso. Se trataba de un viejo automóvil en cuyo interior había situado dos maniquíes: uno de ellos era un chófer con cabeza de cocodrilo y el otro, situado en la parte posterior, era una mujer rubia en traje de noche sentada sobre un lecho de verduras sobre la que caía constantemente un copioso aguacero. A todo esto se añadían numerosas plantas y 200 caracoles vivos. También son de inspiración surrealista las formas fantásticas de las esculturas del madrileño Alberto Sánchez.

ESCULTURA FUTURISTA 

Otra de las direcciones que tomaron los escultores de vanguardia del siglo XX fue la del futurismo, estilo surgido en Italia que hace hincapié en la expresión del movimiento en el arte. Uno de sus principales exponentes, Umberto Boccioni, realizó bronces muy originales como Desarrollo de una botella en el espacio (1912) y Formas únicas de continuidad en el espacio (1913), ambas en el Museo de Arte Moderno.

ESCULTURA FIGURATIVA

A pesar de las tendencias de los nuevos estilos, numerosos escultores europeos continuaron trabajando dentro del estilo figurativo a principios del siglo XX, cada uno con distintas formas características, aunque la mayor parte giraba en torno a la figura humana. En Francia, Aristide Maillol volvió al sosiego clásico con bronces impresionantes de figuras femeninas. Una de estas obras, Acción en cadena (1906, Museo Nacional de Arte Moderno, París) es un torso femenino que demuestra el perfecto equilibrio, característico de Maillol, entre tensión y relajación. Al igual que Maillol, el artista francés de nacimiento Gaston Lachaise, que más tarde emigraría a Estados Unidos, también hizo de la figura femenina su vehículo de expresión, dotando a sus esculturas de una enorme gracia y delicadeza a pesar de las descomunales proporciones de sus torsos. El pintor francés Henri Matisse también llevó a cabo varias series de figuras en bronce con diferentes grados de distorsión que expresan tensiones musculares internas.

En Alemania Wilhelm Lehmbruck realizó figuras alargadas que transmiten sosiego, recogimiento y resignación. Por el contrario, la obra del también alemán Ernst Barlach es más expresionista; elegía temas modestos e ilustraba un amplio espectro de emociones que iban de la alegría, como en Hombre cantando (1928, colección privada, Alemania) a la venganza, como en El vengador (1914, Museo Hirshhorn, Washington, D.C.). Los escultores escandinavos más importantes fueron el sueco Carl Milles y el noruego Gustav Vigeland; ambos crearon figuras alegóricas para fuentes y otros monumentos públicos en sus respectivos países de origen. Milles también vivió en Estados Unidos e hizo fuentes en Nueva York, Saint Louis, Missouri y otras ciudades estadounidenses. El escultor de origen polaco Elie Nadelman, después de estudiar en París, emigró a Estados Unidos donde realizó figuras en bronce de suaves contornos y volúmenes simples, como Hombre al aire libre (c. 1915, Museo de Arte Moderno, Nueva York). Jacob Epstein, nacido en Estados Unidos y afincado en Londres, alcanzó fama internacional con retratos figurativos en bronce cuya característica principal es las superficies toscas e irregulares que confieren gran expresividad a sus obras. El español Manuel Martínez Hugué, también conocido como Manolo, crea figuras de toreros, animales, campesinos y mujeres, de inspiración claramente mediterránea, influidas por la escultura de Mesopotamia y el antiguo Egipto.

Pero el más importante de los artistas ingleses modernos fue Henry Moore. En sus inicios su obra estaba influida por la escultura precolombina, lo cual queda patente si se compara la escultura en piedra maya-tolteca del dios de la lluvia Chac, llamada Chacmool (c. 1000, Museo Nacional de Antropología, Ciudad de México), con su escultura Figura reclinada (1929, Museo Municipal, Leeds). Durante toda su vida Moore trabajó el tema de la figura femenina yacente, que siempre representó con gran frescura y originalidad. Muchas de sus elegantes obras monumentales están concebidas para colocarse al aire libre. Otra escultora inglesa de talla internacional es Barbara Hepworth que, aunque trabajó por lo general dentro de un estilo orgánico próximo a la abstracción, tiene algunas esculturas sobre la figura humana, como Grupo II (Evocación) (1952, Colección Margaret Gardner, Inglaterra).

Del mismo modo que los pintores, los escultores de principios del siglo XX estuvieron influidos por el arte primitivo, como se refleja en las primeras obras de Constantin Brancusi y Henry Moore. Brancusi simplificó las formas hasta el límite en El recién nacido (1915, Colección Arensberg, Museo de Arte de Filadelfia), que forma parte de una serie de obras basadas en formas ovoides, cuyas curvas evocan los ritmos del cuerpo humano sólo rotos por los bordes afilados y el extremo cortado. Brancusi combinó la sutileza expresiva con una habilidad inigualable para descubrir la belleza intrínseca de los materiales, ya fueran madera, piedra o metal. El británico Moore también explotó la textura de los materiales, creando obras curvilíneas de gran elegancia y monumentalidad. Inspirándose en la escultura prehispánica, adoptó como tema recurrente la figura femenina reclinada

ÚLTIMAS TENDENCIAS DE LA ESCULTURA CONTEMPORÁNEA

Mientras que cierto número de escultores contemporáneos se han mantenido fieles a la estética de los movimientos de principios de siglo, otros han explorado nuevas direcciones. La definición de escultura se ha extendido hasta incluir un amplio espectro de manifestaciones creativas, materiales y técnicas. Los minimalistas Robert Morris, Sol LeWitt, Donald Judd y Dan Flavin destacan por la sencillez geométrica y la repetición modular a gran escala, y Richard Serra por sus enormes instalaciones con planchas de metal. En el campo de los earthworks (intervenciones en la propia naturaleza) sobresalen las figuras de Robert Smithson, Michael Heizer, Jan Dibbets, Walter de Maria o Denis Oppenheim. Otras corrientes, como el videoarte, los happenings, el arte povera, se cuentan entre las manifestaciones artísticas de las últimas décadas. Volviendo a la escultura, las simpáticas estatuillas de Claes Oldenburg se asocian con el Pop Art, al igual que las figuras en escayola a tamaño natural de Georges Segal. El alemán Joseph Beuys utilizó materiales de los happenings, electrónicos y tecnológicos, y al mismo tiempo otros convencionales como la madera, la grasa y el fieltro. Con ellos elaboró una obra de carácter conceptual dota de una fuerte personalidad. A mediados de la década de 1980, especialmente en la obra de Joël Shapiro y otros, la figura humana comienza a reaparecer en la escultura dentro de la tendencia conocida como posmodernismo.

LA ARQUEOLOGIA EN LAS ARTES

Los Arqueólogos Demuestran Que El Arte Escultórico Precedió A La Arquitectura Propiamente Dicha, Y Que Tiene Su Origen En Las Edades Arqueolíticas, A Partir De La Tendencia Humana A Imitar, En Volumen, Las Formas De La Naturaleza. Para Conservar Una Coherecia Temporal Con El Desarrollo De La Humanidad, Podemos Clasificar La Escultura En Dos Periodos: Escultura Prehistórica Y Escultura Protohisórica

Escultura Prehistórica

Las Primeras Esculturas Prehistóricas Europeas Se Remontan Al Periodo Auriñaciense Del Paleolítico Superior Y Son Figuras Femeninas, Y Algunas Representaciones De Animales, Talladas Con Mucha Precisión.

Astas De Reno Con Grabados; Bastones De Mando, Descubiertos En Bélgica, Suiza, Austria, Francia, Polonia Y España; Idolillos De Cobre Y Bronce, Encontrados En Estaciones Prehistóricas De España Y De Otros Países; Modelados De Bisontes Y Caballos En Francia, Tallas De Caballos, Etcétera. Se Trata De Un Arte Realista, Admirable En Exactitud Unas Veces Y Rudo Otras; Pero De Bastante Sentimiento. Entre Sus Exponentes Hallamos:

- Escultura Egipcia

- Escultura Caldea

- Escultura Asiria

- Escultura Medopersa

- Escultura Fenicia

- Escultura India

- Escultura Americana

Escultura Egipcia

La Edad Del Bronce Marca El Nacimiento De Los Estados Mesopotámico Y Egipcio, Los Cuales Desarrollaron De Manera Extraordinaria La Estatuaria Y El Bajorrelieve.

Se Conservan Millares De Estatuas Y De Bajorrelieves En Madera, Marfil, Bronce, Barro Cocido Y Piedra. Los Tamaños Varían, Desde Los Colosos De Memnón, Que Miden Veinte Metros Hasta Un Centímetro Que Tienen Algunas Figurillas.

Escultura Caldea

Formas Robustas, Célebres Son Las Estatuas De Gudea Y Ur-Bau Y La Estela De Los Buitres, Del Museo Del Louvre.

Escultura Asiria

Parca En Estatuas. Bajorrelieves De Teglatfalsar I (Siglo XII A.C.) Y Asurbanipal II (S. VII).

Escultura Medopersa

Formas Y Procedimientos Asirios, Con Mayor Atildamiento. Es De Gran Interés El Friso De Los Arqueros, Del Palacio De Susa (Azulejo En Relieve), Hoy En El Louvre.

Escultura Fenicia

En Este Grupo Entran Numerosas Y Variadas Obras De Los Pueblos Fenicios, Libios, Sardos, Tirrenos, Pelasgos, Heteos Y Chipriotas. Rigidez Arcaica Y Falta De Naturalidad.

Escultura India

Figuras Monstruosas, Simbolismo Extraño, Pesadez Y Profusión, Abrumando La Parte Arquitectónica.

Escultura Americana

Remotas Semejanzas Egipcias, Asirias E Indias. Las Obras De Arte Aimara-Quechua Son Sencillas, Desprovistas De Adornos Y Realistas; Las De Hua-Maya Se Distinguen Por Su Exuberancia Ornamental Y Simbólica, Que Llega Al Barroquismo. Es Famoso El Templo De La Cruz, De Palenque.

Escultura Protohistórica

Desde La Grecia Antigua Hasta Nuestros Días, La Gama De Representaciones Escultóricas Es Muy Variada, Y Así Podemos Encontrarnos Con:

Escultura Griega

Escultura Etrusca Y Romana

Escultura Romanocristiana

Escultura Bizantina

Escultura Románica

Escultura De Transición

Escultura Gótica

Escultura Renacentista

Escultura Contemporánea

Escultura Griega

El Periodo Prehistórico, Con Micenas (Egeos), Creta, Chipre (Del 3000 Al 1100 A. C.);Es Un Arte Primitivo Lleno De Vida Y Movimientos. Siguen A Éste Cuatro Periodos Históricos:

1º De Formación (Desde 620 A 540 A.C.);

2º Arcaico (De 540 A 460);

3º De Perfección O Clásico, Cuyos Paladines Son Fidias, El Escultor De Los Dioses, Y Policleto, Su Condiscípulo;

4º De Difusión Y Decadencia (De 323 A 146).

Escultura Etrusca Y Romana

Derivación De La Griega. Sarcófagos Con Estatuas Semiyacentes En Etruria. En Roma, Los Escultores Son Griegos Romanizados. Bustos, Relieves Para Arcos De Triunfo. Laboreo De Piedras Preciosas. Estatua De Octavio, El Pudor, En El Vaticano; Agripina En El Museo Capitolino; Las Ecuestres De Los Balbo (Museo De Nápoles). Escultura Ibérica E Hispanorromana.

Escultura Romanocristiana

En Los Tres Primeros Siglos Del Cristianismo Los Cristianos Toman Las Formas De Paganismo.

Escultura Bizantina

Su Estilo Es Una Derivación Y Degeneración Del Romano, Por La Influencia Asiática. Amaneramiento, Uniformidad Y Rapidez En Las Figuras, Gravedad Y Religiosidad En Los Asuntos, Exuberancia En La Ornamentación.

Escultura Románica

Siglos XI Y XII, Con Buena Parte Del Siglo XIII, Hasta Llegar A La Gótica, Sin Que La Separe De Ésta Una Línea Perfectamente Divisoria. Imitación De Modelos Artificiales. Una De Sus Obras Maestras El Pórtico De La Gloria, De La Catedral De Santiago De Compostela (España).

Escultura De Transición

Tratar De Imitar En Algo La Realidad De La Naturaleza Y Da A Las Obras Mayor Vida Y Movimiento Que En La Románica, Pero Sin Desprenderse Completamente El Artista De Los Convencionalismos Y Amaneramientos Precedentes.

Escultura Gótica

Se Distingue Por La Tendencia A La Imitación De La Naturaleza O Copia De Lo Real, No Servilmente Ejecutada, Sino Con Cierto Idealismo Que La Dignifica. Actitudes Sobrias, Escasos Desnudos, Plegados Naturales Y Elegantes, Viva Expresión De Los Afectos, Serenidad En El Semblante, Dignidad Y Nobleza En El Porte De La Figura Humana.

Escultura Renacentista

Se Reconoce Por La Tendencia A Reproducir Plásticamente Los Modelos Que Nos Ofrece La Naturaleza, Directamente Estudiada, Adoptando A La Vez Los Escultores Las Formas Y La Técnica De La Antigüedad Griega Y Romana.

En España Se Divide En Plateresca, De La Decadencia Y Neoclásica.

Escultura Contemporánea

Comprende Las Escuelas Neoclásica (Hasta 1850), Romántica (Imitación De La Escultura Italiana Del Siglo XV) Y Ecléctica Dirección Realista Junto Con La Imitación De Varios Estilos).

HISTORIA DE LA ESCULTURA 2 PARTE

LA ESCULTURA PREHISTÓRICA PRIMITIVA
Paleolítico: desde los primeros tiempos de su existencia, el hombre tuvo una gran tendencia a las representaciones figurativas, a las que hay que dar esencialmente un valor simbólico o mágico. El hombre y los animales constituyeron los únicos protagonistas de aquellas representaciones.
Los materiales utilizados son la piedra, el hueso y el marfil. Y se practica la escultura de bulto redondo y el relieve.

LA ESCULTURA EGIPCIA
El gran desarrollo de la agricultura en las civilizaciones del Próximo Oriente, determinó el mejoramiento de la vida y de todas las formas de expresión.
La figura garantiza la inmortalidad del difunto. Éste es el fundamento de la ley de la frontalidad y del predominio de la escultura de formas redondeadas, características de Egipto y Mesopotamia.
Ley de la frontalidad, lleva a las esculturas de bulto redondo a mantenerse rígidas, responde al deseo de evitar lo narrativo y episódico, que indican transitoriedad, hay un deseo de detener o fijar el curso de la vida. Y el bulto evita toda clase de salientes, por riesgo de roturas, ya que todo desperfecto afecta a la vida de ultratumba del difunto.
Otros dos rasgos fundamentales son la Visión rectilínea y armonía de la proporciones. También otra característica propia de este periodo es el Hieratismo y rigidez en la forma.
En los relieves ciertas partes permanecen de perfil, pero otras se hallan de frente, en orden a obtener el máximo de elementos definidores de la figura, los relieves alcanzaron un gran desarrollo. El relieve tenía dos propósitos fundamentales en el muro de los templos glorificar al faraón y en las tumbas preparar el alma en su camino hacia la eternidad.
Las esculturas fueron talladas en los más diversos materiales desde la blanda caliza y la madera, a las piedras más duras y lujosas, como el granito, el basalto, la diorita, la obsidiana, el pórfido.
La policromía se aplicaba a las esculturas de caliza, pero sobre todo a las de madera, para favorecer la policromía antes de pintarlas se les daba una capa de estuco. Materias incrustadas en los ojos aumentaban la vivacidad de estos.
Durante el Imperio Nuevo la escultura alcanzó una nueva dimensión de la severidad y majestuosidad del I. Antiguo se paso a la elegancia al cuidado por el detalle y en general se vivió un momento de humanización de las formas ya que la vida cotidiana paso a tener mas importancia que la vida eterna.


LA ESCULTURA GRIEGA
La escultura es el arte griego por excelencia pero presenta la dificultad de que apenas quedan rectos originales y las conocemos gracias a las copias romanas.
La estatua griega siempre forma parte de un conjunto en unión con la arquitectura los tres periodos clásico son:
· Periodo Arcaico:
La primera escultura del imperio Arcaico es la Dama de Auxerre en ella como en toda la escultura arcaica rige la ley de la frontalidad. El segundo momento lo determino Los Koroi y las Korai, estos presentan la novedad que desde entonces estará en toda la escultura clásica y será el Angulo Inguinal, aunque aún sigue la ley de la frontalidad, hombros rígidos y horizontales, ojos abultados y la típica sonrisa arcaica.
La culminación del I. arcaico lo tenemos en el Auriga de Delfos, en esta el rostro ya aparece perfecto aunque poco expresivo la túnica es estriada recordando la escultura Dórica.
· La escultura Clásica
El periodo clásico comprende dos siglos, siglo V a. c., sus tres máximas figuras son: Mirón, Fidias Y Policleto y en el siglo IV a. c. Scopas, Praxíteles y Lisipo. Estos seis autores comparten 4 características fundamentales:
· Búsqueda de la Armonía y la proporción. En el siglo V Policleto establece el canon en 7 cabezas y en el siglo IV tanto Praxíteles como Lisipo lo establecen en 8 cabezas.
· Principio de Diartrosis (articulación movible) se acentúa la división entre el tronco y las extremidades.
· Marcan mucho los pectorales, la cintura y el pliegue inguinal.
· postura de contraposto. Por primera vez se rompe la ley de la frontalidad, una pierna actúa de sostén, la otra se flexiona desnivelándose por tanto la línea recta de las caderas.
En el siglo V Mirón nos presenta “El Discóbolo”. Mirón consigue por primera vez captar el movimiento en el momento de máximo desequilibrio del cuerpo cuando el atleta va a iniciar el giro para lanzar el disco; el cuerpo aparece contraído y apoyado en el pie derecho.
La culminación del sigo V se alcanza con Fidias considerado el máximo exponente del clasicismo sus obras se caracterizan por la belleza serena de los rostros flexibilidad y transparencia de los ropajes y la combinación entre equilibrio y vida.
Policleto, es un teórico de la anatomía humana y recoge sus cánones de belleza en obras literarias. La obra que recoge toda su teoría estética es “el Doriforo”, también es un atleta, en concreto un lancero, en el se estudia cada pliegue muscular y consigue un gran efecto de profundidad en la posición de piernas y brazos.
“El Diadumeno” La expresión es más dulce y las piernas más cortas aunque con un mayor grado de flexión en la pierna izquierda es un claro ejemplo de postura de contraposto.
Siglo IV
1º Desnudo femenino de la escultura griega es el de “Afrodita Cnidia de Praxíteles; este es un gran innovador de la escultura, crea un estilo propio que lo recoge perfectamente “la curva Praxiteliana”
Scopas vuelve a revolucionar la escultura clásica con dos características fundamentales de sus obras, la contorción de los cuerpos y la violencia de la expresión sobre todo en su obra “Ménade Furiosa”.
Lisipo: Los músculos son a un tiempo grasa y fibra adquiriendo mucho volumen. El canón es más largo, los rostros más varoniles omo por ejemplo en el “Hércules Farnesio”, sin embargo en el “Apoxiomeno” vuelve a esculpir al atleta en un instante. Lisipo va a adelantar la visión de la escultura del Helenismo de hecho es el escultor preferido de Alejando Magno.
El Helenismo
El helenismo comprende tres siglos desde la muerte de Alejandro Magno hasta el 20 a.c. Se supone que el helenismo es un periodo de crisis. Tras el clasicismo hay una ruptura con la polis griega y eso desencadenó en arte la construcción de grandes conjuntos monumentales como “El altar de Pérgamo”
Durante este periodo se prefiere el estilo Jónico y Corintio y a veces en el mimo edificio aparecen los dos aunque Atenas sigue teniendo peso específico, la ciudad que más importancia tendrá será Alejandría, en escultura se sustituye la escultura individual por la composición en grupo, siendo un tema frecuente las conocidas “Alegorías” y en ellas aparece con frecuencia la videncia tanto en las formas como en los temas.
El autor ya no busca la idealización del cuerpo sino su miseria y realidad porque durante el Helenismo nos encontramos con las tres edades del hombre, la frescura de la infancia, el vigor de la juventud y la decrepitud del anciano.
La “Venus de Milo” es sin duda una de las obras fundamentales del helenismo, tiene gran influencia de Lisipo, aunque es de autor desconocido se acentúa la línea sinoidea del cuerpo y adquiere un gran dinamismo en el juego de paños.
Laoconte y sus hijos la composición recoge el momento en el que Apolo castiga al Sacerdote Laoconte. Se observa la diferencia entre el Helenismo de Laoconte y el intento por retomar el Clasicismo en sus hijos. La obra es de una gran espectacularidad dramática y esta considerado como la expresión universal del dolor.


LA ESCULTURA EN ROMAEl periodo mas importante no va a ser el periodo de la republica si no más bien el periodo imperial.
Los retratos de la época republicana presentan un tipo de busto corto, triangular, donde no asoma el vestido. El pelo es corto, muy plano de talla, apenas sin peinar. El peinado de las mujeres se hace a raya al medio.
La escultura romana se forja fundamentalmente con manos griegas.
Se observa como surge el interés del romano por el retrato: esta es la innovación romana en escultura, por lo tanto su característica más importante es un gran realismo y naturalismo, no sólo se busca la apariencia física sino la vida íntima y la personalidad del retratado. Una característica es que dejan el globo ocular en blanco. La estatuaria romana tiene su culminación en la época imperial tomándose como modelo los retratos de Octavio o Augusto.
Con los Severos (193-192) se inicia el resquebrajamiento político romana. Esta misma falta de solidez se acredita en el arte. La religión romana se llena de deidades extranjeras. Como fruto de ello se esculpen infinidad de dioses orientales. La manía de lo grande se extiende. Se hacen estatuas descomunales de los emperadores.
El arco de Constantino en Roma, pese a su magnitud, es una evidente muestra de la decadencia en que se hallaba la escultura romana en el siglo IV.
ARTE PALEOCRISTIANO Y BIZANTINO
Escultura Paleocristiana:
En principio, pues, las formas y los temas continúan, lo que cambia es la significación.
Desde el siglo IV se percibe un distanciamiento de la realidad, que terminará situando las imágenes religiosas en un escenario desmaterializado.
Destacó el sarcófago que inicialmente se usan modelos romanos, a partir del siglo II aparece el sarcófago con Estrígidas que es una ornamentación a base se acanaladuras en forma de s y posteriormente apareció el símbolo de la cruz en los sarcófagos.
Escultura Bizantina:
Apenas hay esculturas monumentales en el arte bizantino por dos razones:
· búsqueda del simbolismo
· Porque la influencia judía negaba el culto a las imágenes.
Así que se reduce la escultura a relieves de sarcófagos y pequeños relieves hechos en marfil, en ellos las figuras se presentan sentadas en sillas, son composiciones frontales y con la mirada fija.
ESCULTURA ROMANICA
La escultura románica tiene influencia del Paleocristiano y del arte Bizantino en cuanto a los temas, como por ejemplo el pantocrátor y los cuatro evangelistas, el juicio final y en general cualquier pasaje de la Biblia, porque tiene fundamentalmente una función Catequética y destinado a una población analfabeta pero a diferencia del Paleocristiano y Bizantino, el románico saca las figuras al exterior, tímpanos, jambas, arquivoltas y capitel.
Se reconocen dos leyes:
· Ley del esquema
· Ley del marco.
La primera ley determina la tendencia antinaturalista del escultor románico por eso las esculturas aparecen aisladas entre si y carentes de comunicación.
En cuanto a la ley del marco significa que según sea el marco asi se dispone la escena bien horizontalmente como en los capiteles, bien en circulo como en las arquivoltas y en general aprovechando cualquier hueco o esquina.
Se prefiere el relieve y el bulto redondo se reduce básicamente a la imágenes del crucificado o de la virgen con el niño. El crucificado es de cuatro clavos impasible al dolor, tiene el cuerpo derecho y los brazos horizontales.
A la virgen se le suele esculpir sentada, derecha con el niño de frente en actitud de bendecir.
El relieve en un principio es muy plano, las escenas poco complicadas y los ropajes ajustados al cuerpo.
Después del siglo XII se comienza a trabajar el alto relieve y los ropajes se proyectan al exterior.

ESCULTURA GÓTICA El naturalismo y realismo gótico reaccionan frente al oscuro simbolismo románico. El volumen, el movimiento y la expresividad constituyen las características de la escultura gótica adoptan las proporciones naturales del cuerpo humano y aunque siguen adosadas al marco arquitectónico adquiere un volumen casi completo.
Otro rasgo es que las esculturas dejan de estar encerradas sobre si mismas para establecer un diálogo entre ellas y el creyente. La escultura de las fachadas aumentan y desde el tímpano invaden los muros, siendo los temas más usuales el nuevo testamento, el juicio final, escenas de la virgen y de los santos. También tiene importancia la decoración de sepulcros sillerías del coro y sobre todo los retablos.
La escultura exenta por su parte alcanza una gran difusión con nuevos tipos iconográficos como el crucificado de 3 clavos que si siente y expresa el dolor humano y la virgen con el niño sonriente.
El gótico también recurre a la expresión de los sentimientos tanto positivos como la sonrisa como negativos como el dolor y la muerte y todo para buscar un mayor naturalismo.

LA ESCULTURA RENACENTISTA EN ITALIA EN EL QUATTROCENTO
Características
El artista abandona el anonimato y tiene conciencia de creador. Aunque el comitente le impone los temas se vera libre para dar a la obra un sentido personal. Con ello el campo del arte se enriquece
El hombre y la naturaleza son los protagonistas de aquel arte. El cuerpo desnudo reaparece como portador de suma belleza.
En cuanto al estilo subsisten muchos elementos góticos, como el plegado de los paños. La formación de los maestros en el arte de la orfebrería hace que la técnica de bronce adquiere enorme perfección. Conocimiento ya en las universidades del estudio científico de la anatomía, vedado durante mucho tiempo por la Iglesia.
Los géneros son muy diversos: puertas monumentales de bronce, mármol, altares, tumbas, fuentes públicas, púlpitos, estatuaria urbanística.
Durante la primera mitad del siglo XV predomina el realismo. El retrato triunfa, ya sea de busto, funerario o ecuestre, renace el arte de la medalla.
Con la luz buscan la iluminación homogénea de toda la obra y el color apenas aparece en la escultura.
Se domina completamente el volumen aunque casi siempre dentro de un marco de referencia, el relieve tiene un carácter pictórico, se cuidan los detalles, y la perspectiva lineal consiguiendo sorprendentes efectos de profundidad.
Los esquemas compositivos son simples y geométricos, el movimiento se aprecia en el contraposto, muchas veces en una tensión que muestra un futuro movimiento.
Cuatro serán las figuras más importantes de la escultura Italiana:
El primero de ellos es Lorenzo Ghiberti y sobre todo su obra escultórica en las puertas del “Baptisterio de Florencia”.
Otro autor es Jacobo Della Quercia, muestra un gusto por las formas robustas y macizas, lo que anuncia el estilo de Miguel Ángel, realiza los relieves de “San Petronio de Bolonia”.
El más importante del Quattrocento será Donatello, es el gran creador del estilo escultórico del renacimiento, se caracteriza por la búsqueda del equilibrio clásico y la belleza gusta de un cierto expresionismo que apoyado en la realidad acentúa los valores dramáticos.
Por último destaca en el siglo XV Luca Della Robbia y sobre todo su composición de la Cantería de la catedral de Florencia, esta realizada en mármol donde hay un gran equilibrio y efecto de profundidad y expresividad en los niños.

LA ESCULTURA RENACENTISTA ITALIANA EN EL CINQUECENTO
Al igual que en arquitectura en escultura durante el siglo XVI se produce el predominio de lo Romano frente a lo florentino, a la delicadeza del XV se va poner la monumentalidad y grandiosidad del XVI; frente al relieve el busto redondo y frente al detalle la simplificación de las formas. Miguel Ángel. Aunque destacó en las demás manifestaciones artísticas es sin duda alguna el mayor genio de la escultura del renacimiento, su calidad es insuperable, en el tratamiento de las formas del cuerpo alcanza una gran calidad al igual que en la transferencia emocional de la complejidad del espíritu.
Todo eso hace de Miguel Ángel el prototipo de escultor Universal capaz de representar en mármol cualquier idea, concepto, emoción.
También es un autor que lleva a u obra sus propios estados de -animo, siendo el más frecuente y el que domina prácticamente toda su expresión el sentimiento dramático o Terribilita, estudio los problemas del movimiento y de la composición.

LA ESCULTURA BARROCA
La escultura al igual que la arquitectura se va a caracterizar por la ampulosidad y gracia exuberante , gran movimiento de los vestidos, el vuelo de las faldas y de las mantas, gran cantidad de aureolas todo ellos para crear un arte bello y en continuo dinamismo, que buscará impresionar, convencer y atraer al espectador con escenas fuertes y típicas con arrebates místicos y religiosos, con profundos retratos en el que se vea claramente la psicología y el sentimiento, en definitiva obras que inciten a la piedad, el dolor, a la compasión o al miedo.
La escultura barroca es de tendencia naturalista en donde el movimiento esta expresado hacía fuera, tiene un carácter pictórico, cada vez es mas decorativa y más efectista, aspira a una perfección y virtuosismo técnico.
Una novedad de la época es la aparición de la luz dirigida, para subrayar el efecto pictórico de la escultura.
Los temas mas tratados son los de carácter religioso tales como la vida de los santos, temas de milagros y martirio, lo cruel, lo espantoso etc.
El retrato también tuvo su importancia y tiene un tratamiento integro y moral. El material empleado en Italia es casi exclusivamente el mármol.
El escultor mas destacado es Bernini son su obra el éxtasis de Santa Teresa, en ella se sintetiza por una parte las influencias de Miguel Ángel y el Helenismo con la interpretación del barroco.

ESCULTURA NEOCLÁSICA
El exaltado espiritualismo de la escultura barroca produjo en los racionalistas neoclásicos el deseo de serenar las formas. Los mismo que en arquitectura, los modelos los va a suministrar la antigüedad clásica, más Grecia que Roma.
Apenas hubo otra cosa que imitación de la antigüedad: temas mitológicos, escultura en mármol y bronce, forma bella y arquetípica, en aquella escultura no interesaba sino la belleza puramente formal; el espíritu esta ausente.
La escultura monumental pierde la libertad de que ha gozado durante el periodo barroco.
En Italia destaca Antonio Canova con esculturas como: Venus saliendo del baño, las Tres Gracias…
La calidad de su estilo se debe a la calidad sensorial que transmite a sus estatuas, apoyada de un acabado que luego patinaba con piedra pómez, desvaneciendo así la frialdad de la figura.

LA ESCULTURA ROMÁNTICA
El romanticismo es otro de los grandes movimientos artísticos del siglo XIX, que permitió a los escultores liberarse de los modelos del pasado. Se crearon obras nuevas basadas en la imaginación y en las emociones. En Francia el liderazgo de la escultura romántica lo ostentan François Rude, Antoine Louis Barye y Jean Baptiste Carpeaux. Rude es conocido por las conmovedoras esculturas monumentales del arco de triunfo de L'Etoile, sobre todo por la Partida de voluntarios en 1792, también llamada La Marsellesa, ejecutada en 1833-1836. Una figura alada de gran tamaño que personifica la Libertad se halla ante un grupo de hombres animándoles, gritándoles, urgiéndoles a la batalla. Barye fue tal vez el mejor escultor de animales desde la antigüedad. Sus bronces, trabajados de forma meticulosa, poseen tal vitalidad que parece como si hubiera estado observando a los animales salvajes en sus hábitats cuando en realidad lo que hacía era visitar con mucha frecuencia el zoo de París. El más famoso grupo escultórico de Carpeaux, La danza, adorna la fachada de la Ópera de París. La vivacidad de las figuras y el efecto de luces y sombras rizadas que creó al modelar las superficies tienen una gran afinidad con el arte rococó.
La figura cumbre de la escultura del siglo XIX y el escultor más importante desde Bernini fue el artista francés Auguste Rodin. Su genialidad estriba en la habilidad que tenía para poner de manifiesto la vida interior de los seres humanos mediante gestos y actitudes físicas. A pesar de ser un escultor muy original, Rodin recibió influencias de diversas fuentes: del arte gótico del norte de Europa, de Donatello, de Miguel Ángel y hasta incluso del rococó. Su afinidad con algunas facetas del estilo clásico se manifiesta en su Hombre de la nariz rota (1864, Museo Rodin, Museo de Arte de Filadelfia), obra de tipo naturalista que muestra un rostro tosco, inspirada en los bustos romanos, y más adelante en la escultura en mármol de fina terminación e idealizado erotismo, El beso (1886, Museo Rodin, París). En 1880 recibió el encargo de realizar una serie de puertas para un nuevo museo, que nunca llegó a terminarse. El proyecto, conocido como Las puertas del infierno (1880-1917, Museo Rodin), con numerosas figurillas de escayola, fue la base de obras independientes, realizadas en bronce a tamaño natural, como El pensador (1880), Adán (1880) y Eva (1881), todas ellas en el Museo Rodin. El discípulo y ayudante de Rodin, Antoine Bourdelle, fue también un soberbio escultor de la figura humana y en sus bronces expresionistas convergen sentimientos de poderío y solidez, como en su Gran guerrero de Montauban (1888, Museo Hirshhorn, ciudad de Washington).
En Estados Unidos, William Rimmer, Augustus Saint-Gaudens y Daniel Chester French comparten el enfoque romántico en sus esculturas de carácter alegórico. El Centauro moribundo de Rimmer (1871, Museo de Bellas Artes, Boston), el Mausoleo de Adams de Saint-Gaudens (1886-1891, Cementerio de Rock Creek, Washington, D.C.) y El ángel de la muerte y el escultor de French (1891-1892, Cementerio de Forest Hill, Roxbury, Massachusetts) son obras conmovedoras que demuestran la excelente técnica de los artistas románticos estadounidenses.