TENDENCIAS CONTEMPORÁNEAS parte 2

Arte interactivo

designa a prácticas artísticas contemporáneas en las cuales participa el espectador de modo directo en la realización de la obra, no simplemente como intérprete o receptor.

Algunas esculturas se clasifican como tal al permitir que el observador camine sobre, en, o alrededor de la obra. Otros ejemplos incluyen ciertas computadoras y detectores de movimiento, y otros sensores en instalaciones interactivas. Muchas obras de net.art, software art y arte electrónico son sumamente interactivas. A veces los visitantes pueden explorar un ambiente de hipertexto.




Interactividad Mecánica-Eléctrica



Hace referencia a la utilización de ejes, ruedas, engranajes y muelles para la construcción de sistemas que se accionan mediante palancas. Claros exponentes los encontramos en los móviles de Alexander Calder y Joan Miró. A estos dispositivos mecánicos se les fueron añadiendo posteriormente motores e interruptores, como en los artefactos de Marcel Duchamp.


Interactividad electrónica
A mediados del siglo XX, el gran auge de los medios de comunicación de masas y un público acostumbrado a la utilización de este lenguaje, dan pie a la creación de objetos artísticos con sensores, sistemas de grabación y reproducción de audio y vídeo.




Interactividad informática Con la llegada de la computadora se introduce el concepto de búsqueda de una multisensorialidad en las representaciones: la llamada realidad virtual donde los sensores globales exceden sentidos como la vista y el tacto. Lo representado se manifiesta creando entornos ficticios que se pueden manipular e incluso cambiar.
También aparece un nuevo concepto: la obra abierta. Según este término, descrito por el teórico italiano Umberto Eco, la obra de arte se presenta ante el espectador sólo parcialmente terminada de forma que cada individuo la complete y enriquezca con sus propias aportaciones. Con esto se sustituye el arte para todos, propio de las vanguardias históricas, por el arte por todos.Fórmulas de navegación no lineal, hipertextual e hipermedia, donde varios individuos interactúan a la vez en tiempo real. Es un nuevo campo de acción en el que la comunicación en sí se convierte en valor estético.
Roy Ascott, pionero en la cibernética, la telemática y la interactividad en el arte, ha generado algunos de los más importantes proyectos en red. En estos nuevos conceptos y trabajos artísticos el museo objetual y la galería de arte como contenedor dan paso al museo virtual o puesto en Internet.

Net art Es la producción artística realizada ex profeso en y para la red internet. El net art es una de las formas de arte interactivo habilitadas por los soportes digitales, y las prácticas comunicativas generadas por ellos.
La denominación net art designa las prácticas artísticas que apuntan a una experiencia estética específica en internet como soporte de la obra, y señalan o desarrollan un lenguaje característico.
Una obra de net art tiene como característica fundamental el uso de los recursos de la red para producir la obra. Esto puede ser en forma de uso de datos tomados de internet o del usuario ó uso de programación en el servidor, formularios, email, etc. Ejemplos de lo que no es net art son películas autónomas interactivas en flash que pueden ser reproducidas offline.
El net art, entendido como disciplina artística, debe diferenciarse del net punto art, que es una corriente estética que tuvo lugar en los comienzos del arte en red. El nombre net.art surgió, según el mito contado por Alexei Shulgin, de un error informático producido en el envío de un correo electrónico enviado por Vuk Cosic a una lista, donde lo único legible en el mensaje era net.art. Ambos artistas son parte del llamado período heroico de la historia del net.art.

TENDENCIAS CONTEMPORÁNEAS parte 1

Nuevas tendencias en el arte actual

Durante mucho tiempo yo como artista plástico e tratado de mantenerme en un lineamiento puro (todo hecho por mi) y por ello considere que había, mayor ganancia artística en lo que yo sin ningún tipo de ayuda realizaba en mi taller, pero llegaron las nuevas tendencias con un valor artístico muy grande. solo hay que experimentar con ellas.

hoy le trataremos algunas de ellas, lo que les escribo en mi blogs no es la ultima palabra pero espero que les llegue.

cualquier sugerencia o tema que deseen por favor al correo.

1. EL ARTE CREADO DIGITALMENTE

El arte digital engloba una serie de disciplinas creativas en las que se utilizan tecnologías digitales en el proceso de producción o en su exhibición.

Las computadoras forman parte de la industria visual desde las últimas décadas del siglo XX; el aumento de su capacidad para generar, reproducir y difundir imágenes ha llevado a una extensión de su uso en el cine, la televisión y la publicidad, y posteriormente en la industria de los videojuegos, que no deja de mejorar la calidad visual de sus productos; diseñadores gráficos y arquitectos utilizan cada vez más las computadoras en su trabajo y los soportes digitales como el CD-Rom, el DVD y la misma Internet difunden las colecciones de museos y la obra de artistas de todos los estilos y épocas.

La informática y los nuevos medios de producción, tratamiento y distribución digitales constituyen un campo fértil para el desarrollo de la expresión artística

El arte digital es todavía una forma de expresión relativamente nueva y en gestación. La novedad del medio conduce a una trascendentalización de piezas digitales sin una revisión adecuada de su calidad, creando un serie de obras que probablemente no superen la prueba del tiempo: la novedad del medio se convierte en categoría estética , y los críticos de arte y escritores de la cultura digital, así como las empresas que publicitan novísimas tecnologías contribuyen a ello.

La Escultura Digital:En los años 70 la escultura digital irrumpe realmente en el mundo del arte a través del escultor alemán Eberhart Fiebig que dibuja proyectos monumentales asistido por un ordenador. El francés Yves Kodratoff con una maquina de control numérico excava bloques de yeso en una galería y bajo las órdenes del público. ¡Obras realmente interactivas!

El ordenador será la herramienta numero uno del escultor del siglo XXI. Habría que esperar a la llegada de la de la micro-informática y las tecnologías de prototipado rápido para que vuelva a surgir la "computer sculpture" que hoy en día esta transformando todos los métodos de visualización y fabricación en el mundo del arte (escultura, fotografía, cine ...), del diseño, o de la arquitectura.

La tecnología y el arte siempre han ido de la mano en todas las civilizaciones. Desde el antiguo Egipto y china o mayas hasta nuestros días, algunas esculturas se han favorecido de mecanismos para añadir otra dimensión a una escultura tridimensional. Con ello creando efectos de movimiento, sonido o luz. Desde estatuas articuladas hasta objetos cinéticos llamados móviles.

Y lógicamente hoy también se ha desarrollado un arte electrónico de la escultura utilizando circuitos, motores, pantallas y todos tipos de accesorios modernísimos. Estos apartados no son los que realmente mas me interesan porque me gustan objetos esculturales tradicionales que también pueden ser innovadores pero que no me mareen."Lo mínimo que se le puede pedir a una escultura es que se este quieta" Salvador Dalí.

La escultura digital para mi es una nueva herramienta para esculpir, prefiero utilizar la informática y la robótica para crear, mejor que integrarlas en la propia escultura. Hasta hace poco el espacio virtual estaba separado del real por el monitor de una computadora. Los escultores digitales utilizan el espacio virtual como lugar de creación, utilizando software de modelado en 3D, pero también pueden trasladar sus obras al espacio físico mediante máquinas de prototipado rápido (PR), control numérico por computadora (CNC en sus siglas inglesas), sistemas de sinterización láser, impresoras de chorro de tinta que pulverizan adhesivo u otras habituales en los laboratorios de diseño industrial o ingeniería, una especie de impresoras en tres dimensiones que traducen los objetos virtuales que el escultor digital crea al mundo físico en distintos materiales, como plásticos policarbonados, resinas plásticas y metales.

Tanto los equipos de prototipado como el software de modelado y los ordenadores que han sufrido un proceso de abaratamiento; existen aplicaciones gratuitas de modelado, como Wings 3D, y las instituciones educativas y los estudiantes pueden disponer por poco precio de software de gráficos 3D potentes, como Maya y 3D Studio Max.

Las máquinas de escultura digital están cada vez más presentes en empresas de diseño, agencias de servicios y estudios de escultura; máquinas de PR se usan en clínicas dentales para realizar prótesis personalizadas y muchos despachos de arquitectura cuentan con instalaciones propias para la proyección de modelos. También los conservadores de arte utilizan PR para realizar facsímiles de esculturas. Entre las instituciones con instalaciones de escultura digital dedicadas al arte están la Partnership for Research in Spatial Modeling (PRISM), el Laboratorio de la Escuela de Arte de la Universidad del Estado de Arizona, el Manchester Institute for Research and Innovation in Art and Design (MIRIAD), la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París y el Departamento de Bellas Artes del Instituto de Tecnología de Nueva York.

Cabe mencionar que algunos artistas utilizan las tecnologías de escultura digital sólo para la fabricación de la obra, creando las maquetas de estas con métodos tradicionales, como el ensamblaje o el modelado manual, que luego se escanean en tres dimensiones, debido a la reducción de los costes que producen dichas técnicas en esculturas de grandes dimensiones.

Arte Generativo
El arte generativo es una modalidad artística todavía poco definida que ha recibido aportaciones de artistas de dominios muy diferentes, como son Brian Eno, Adrian Ward, Joshua Davis o Casey Reas.
Las obras más antiguas de arte generativo pertenecen a la era pre-digital, pero es evidente que han experimentado una gran evolución con la llegada de la computación. Muchas de las obras anteriores a los ordenadores han sido rápidamente retomadas y reformuladas haciendo uso de esta nueva herramienta.
La presentación consistirá en una revisión de la historia del arte generativo, incluyendo un debate sobre las diferentes perspectivas desde las que puede abordarse. Se hará una pequeña introducción a la computación para entender sus aportaciones al arte generativo, y se mostrarán y analizarán algunas de las piezas precursoras, así como algunos de los ejemplos más recientes y representativos. También se discutirá sobre las diferentes formas de distribución, y finalmente se presentará un ejemplo práctico del proceso de creación de una obra generativa sencilla.

LA ESCULTURA EN MI CIUDAD /PARTE 1

Bogotá cuenta con monumentos y piezas de arte ubicadas en espacio público, de los cuales 51 han sido declarados bienes de interés cultural según publicaciones Se han editados varios libros sobre la escultura en el espacio público en la ciudad uno de ellos Bogotá museo a cielo abierto el cual es una guía de monumentos y algunas esculturas de la ciudad. 

Pero ensambles 1966t tratara de informar de las escultura modernas ubicadas en la ciudad esto lo realizo porque muchas de las obras de la ciudad no tiene ningún tipo de información y sus historial solo reposa en los artistas que la realizaron o en el libro como una cuenta de cobro por la misma son obras sin nombre, sin registros en la recordación del transeúnte que en mucho de sus casos son paisajes cotidianos de en su andar, espero les pueda agradar mi esfuerzo: 

SALVE MINERVA 
Autor: vico consorti Fundida en Florencia (italia) Ubicación: Entrada principal, Biblioteca Luis ángel Arango , carrera 4, calle 11. Inauguración: en abril de 1958

RELIEVE DEL BANCO DE LA REPÚBLICA

Material: mármol                                                
Autor: vico consorti,                                  
Ubicación: calle 7 #14-78

Banco de la república, bogotá.

Inauguración 1958 
Este relieve es un homenaje a las riquezas del país (Minería, industria y comercio).    

VICO CONSORTI, o ludovico consorti
 Nació en semproniano, Italia en 1902 Falleció: 1997, siena, Italia Estudió en la academia de bellas artes de siena, viajo a roma donde asistió a la escuela de arte de la medalla y abrió un estudio. En 1950 realiza una de sus obras más conocidas en la basílica de san pedro en el vaticano, se trata de la puerta santa hecha en bronce encargada para el jubileo de 1950 por el papa pío xii, donde se encuentran escenas de adán y eva, la expulsión de paraíso, la anunciación a maría, el bautismo de jesús, hechos de la vida de cristo y la imagen de pio xii abriendo la puerta santa.

LA REBECA 
 El parque del centenario se inauguró en el 24 de julio 1883, pero por iniciativa del presidente pedro Nel Ospina en 1926 siendo Laureano Gomes ministro de obras públicas, inauguro las reforman que se realizaron en el parque , y entre las reformas se construyó una fuentes en la que se instaló la escultura la rebeca encargada al escultor oriundo de armenia Roberto Henao Buritica quien se encontraba estudiando en parís, no se sabe si la obra fue encargada para ese fin o simplemente se escogió por ser la más adecuada para adornar la fuente. Pero la pieza fue colocada en el centro de la fuente adornada con plantas acuáticas para adornar la fuente y cubrir la desnudes de la pieza, la cual causo polémica en la época.

Pero llego el año 1950 se abrió la Avenida 26 y quedó dividida en dos. Cinco años después se construyó una glorieta en la misma avenida, obra que obligó a que las esculturas que lo habitaban, fueran trasladadas al parque Nacional y a otros sitios de la ciudad. Pero la única que no se fue desterrada de ese lugar fue , la Rebeca, escultura que se ubicó en un sitio original que hoy en día es representativo e histórico, además de estar a la vista de todos los ciudadanos y turistas. Del linaje neoclásico, por lo que busca ser perfecta, es inexpresiva, un ser no terrenal. A ella se le suman otras cualidades y desconocer su historia es restarle importancia a un monumento multifacético que ha suscitado polémica desde su nacimiento. La Rebeca además de ser la primera mujer desnuda en el espacio público, es también la primera escultura no heroica que se ubica en una de las principales avenidas de Bogotá. En los años 30 las esculturas importantes eran las de los héroes, las heroínas, los literatos y los políticos y era poco probable que una escultura de mujer fuera considerada significativa. Sin embargo, esta obra se prestó para muchas interpretaciones; hubo quienes la consideraron atrevida y vulgar, otros en cambio llegaron a apreciarla como un símbolo estético. Por otro lado los católicos la catalogaron como la representación de su Rebeca, esa mujer atenta y aguerrida que fue escogida por los siervos de Abraham como esposa de Isaac por ser la primera mujer que al pasar cerca de la fuente les ofrece agua. 

ROBERTO HENAO BURITICA (1898 -1964), 
Escultor Nacido en Armenia ,Caldas en 1898  
1913. Ingresó a la escuela de bellas artes de Bogotá. Mediante beca del gobierno del valle del cauca, viajó a parís en donde permaneció varios años estudiando escultura en la academia de bellas artes, y pintura en la academia julián y en el estudio del pintor claude granie. 

1926. Participó en el salón anual de parís en donde presentó la escultura de tamaño natural titulada "eva", la cual obtuvo el primer premio en escultura. También obtuvo una mención honorífica por su pintura "la muerte de atala". 

1928. Octubre 26. Se inauguró el monumento de "la rebeca" el cual fue adquirido por el doctor laureano gómez para bogotá. 

1930. Octubre 10. Regresó a Colombia después de haber obtenido más de 20 condecoraciones en exposiciones internacionales, y trayendo consigo un monumento en miniatura de bolívar. 

1930. Diciembre 17. Se inauguró en armenia la escultura del libertador simón bolívar. 1944. Sufrió un desequilibrio nervioso causado por la muerte de su madre, el cual le impidió volver a trabajar como antes. 

1958. Sufrió una trombosis cerebral que le paralizó el costado derecho. 

1964. Marzo 2. Murió en Bogotá a donde había sido traído por un pariente a petición del maestro. Fue enterrado en el cementerio central del norte. 

 * Consulta libro Bogotá un Museo a Cielo Abierto, Guía de Esculturas y Monumentos en el Espacio Público, Instituto Distrital de Patrimonio Cultural. * Biblioteca Luis Ángel Arango

ARTISTAS ENSAMBLISTAS 3

H.C Westermann 
(Horace Clifford "Cliff" Westermann) (11 de diciembre de 1922 (los Ángeles, California) – 3 de noviembre de 1981, (Danbury, Connecticut))
grabador y escultor cuyo arte constituye un comentario mordaz sobre el militarismo y el materialismo.
Sus esculturas con frecuencia incorporan las técnicas tradicionales de la carpintería y marquetería.Westermann trabajó en los campos de registro como un trabajador ferroviario en el noroeste del Pacífico. Durante la guerra sirvió como un artillero en el cuerpo de Marines de Estados Unidos en el portaaviones USS Enterprise, asistiendo a numerosos ataques kamikaze y el hundimiento de varios buques. Hizo una gira el Lejano Oriente como un acróbata con la organización de servicio de United y en 1947 se matriculó en la escuela del Art Institute de Chicago.En 1950, Westermann realistada en los Marines para servicio en la guerra de Corea. Después de su aprobación de la gestión, regresó a la escuela del Art Institute de Chicago y completó sus estudios en Bellas Artes. Los efectos psicológicos de sus experiencias durante la guerra fueron un tema subyacente en su trabajo.En 1967, fue uno de los famosos que aparece en la portada del álbum de los Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.Se le dio una retrospectiva en el Museo Whitney de arte estadounidense en 1978. 

Kurt Schwitters

(Hannover, Alemania, 1887-Ambleside, Reino Unido, 1948) Pintor alemán. Cursó estudios de arte en las Academias de Dresde y Berlín. A través de la revista Der Sturm entró en contacto con la vanguardia alemana, en concreto con el expresionismo, a través del cual llegó a la definición de su propio estilo.
Éste comenzó a tomar forma en torno a 1920, cuando realizó sus primeros collages a partir de pequeños fragmentos de madera, recortes de periódico, billetes de tranvía y otros materiales de «desecho», que se transfiguraban en sus obras mediante la incorporación del color o la adición de palabras o frases. A estas creaciones el artista las denominó Merz, por el fragmento de la palabra Kommerz que aparecía en un recorte de periódico incluido en uno de sus collages del comienzo.
Su estilo evolucionó desde un recargamiento inicial hacia un mayor purismo, pero el artista nunca abandonó los Merz, las obras a las que debe su fama. Esta misma palabra dio título a una revista que fundó en 1923 y se publicó hasta 1932. En ella, Schwitters y sus colaboradores difundieron el espíritu del dadaísmo, corriente artística a la que pertenece el pintor, además de contribuir a la modernización de la tipografía y el diseño gráfico.



Lucas Samaras
(n. 14 de septiembre de 1936) es un artista griego. Samaras nació en Kastoriá, Grecia.
Estudió en la Rutgers University, donde conoció a Allan Kaprow y George Segal. Participó en los "Happenings," de Kaprow y posó para las esculturas de plástico de Segal. Claes Oldenberg, en cuyos Happenings también participó, posteriormente se refiere a Samaras como uno de sus compañeros de la "escuela de Nueva Jersey," que también comprende a Kaprow, Segal, George Brecht, Robert Whitman, Robert Watts, Geoffrey Hendricks y Roy Lichtenstein.
Antes de comenzar a realizar fotografías Samaras realizó obras como pintor, escultor, y artes escénicos.

ARTISTAS ENSAMBLISTAS 2

Edward Kienholz
(23 de octubre de 1927 – 10 de junio de 1994)
es un artista norteamericano especializado en instalaciones. Su trabajo fue sumamente crítico de diversos aspectos de la vda moderna. A partir de 1972 y hasta su muerte, realizó numerosas obras en colaboración con su esposa, Nancy Reddin Kienholz. Las mismas son genéricamente identificadas como "Kienholz ".

Claes Oldenburg  
(nacido el 28 de enero de 1929) es un escultor estadounidense, pionero del Pop Art. Es conocido sobre todo por sus instalaciones de arte público que representan réplicas a gran escala de objetos cotidianos. Otro tema en su obra son las versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros
Oldenburg nació en Estocolmo (Suecia), hijo de un diplomático sueco. Siendo niño se trasladó con su familia a los Estados Unidos en 1936, primero a Nueva York y después a Chicago donde se graduó en la Latin School de Chicago. Estudió en la Universidad de Yale desde 1946 hasta 1950, después regresó a Chicago donde estudió bajo la dirección de Paul Wieghardt en el Art Institute of Chicago hasta 1954.Mientras desarrollaba su arte, trabajó como periodista en prácticas para el City News Bureau de Chicago. Abrió su propio taller y, en 1953, se naturalizó ciudadano estadounidense. Regresó a Nueva York en 1956. Allí conoció a toda una serie de artistas, incluyendo Jim Dine, Red Grooms, y Allan Kaprow, cuyos Happenings incorporaban aspectos teatrales y proporcionaban una alternativa al expresionismo abstracto que había llegado a dominar la escena artística.
Oldenburg vive la consolidación de la sociedad de consumo de finales de los años 50 en EE.UU. y ve como a la gente le gusta cada vez más llamar la atención, por eso la época se caracteriza por la opulencia. El mundo estaba empezando a evolucionar muy rápidamente, gracias, en parte, a los medios de comunicación, que hicieron cambiar las bases de las relaciones humanas. Oldenburg y otros artistas, a partir de este pretexto, decidieron usar las innumerables posibilidades de difusión para transmitir mensajes a través de sus obras, ya que si su arte está relacionado con la situación social, resulta más fácil mostrar y entender sus composiciones al público.En 1961 inauguró su primera tienda, llamada El taller, donde vendía figuras de escayola pintada, normalmente de medidas considerables o de forma natural. Solían ser productos gastronómicos: frutas y utensilios de cocina o domésticos. Al principio solo empleaba materiales blandos y baratos.Después de haber pasado los primeros años de su carrera artística en el Coger East Side, se instaló en Broome Street (Nueva York). Sus obras reúnen todas las características del Pop Art, ya que generalmente, sus creaciones son elaboradas con objetos sencillos y fáciles de conseguir. Pretende que sus obras comuniquen al artista con el público.
En 1977, el artista se casó con la también artista Cojees Van Bruggen. Desde entonces, firman las obras juntos, y Cojees asesora y aconseja al artista en sus creaciones. En 1978, fijaron su residencia en Broome Street, donde crearon su propia empresa, después de haber restaurado y arreglado dos edificios de esa calle. Allí, reunieron las obras creadas hasta el momento del artista; las restauraron y las expusieron en diversos sitios de la ciudad. Aun así, Oldenburg sigue manteniendo sus principios artísticos; sigue usando materiales sencillos, creando sus obras de forma industrial, que tienen que ver con bienes cotidianos, etc. Su esposa rebautizó algunas obras de los 60 y 70 de Oldenburg.

Robert Rauschenberg
(* 22 de octubre de 1925, Port Arthur, Texas;† 12 de mayo de 2008, Tampa, Florida) fue un pintor y artista estadounidense, que alcanzó notoriedad en 1950 en la transición desde el expresionismo abstracto al Pop-Art del cual era uno de los principales representantes del mismo en su país.
Rauschenberg estudió en el Instituto de Arte de Kansas y en la Academia Julian en París, donde conoció a la pintora Susan Weil, con la que se casaría en 1950 que sería la madre de su hijo, el fotógrafo Christopher Rauschenberg (1951-). En 1948 Rauschenberg y Weil decidieron ir al Black Mountain College en Carolina del Norte.
En el Black Mountain su maestro de pintura fue la renombrada figura de la Bauhaus, Josef Albers. Su estricta disciplina y sentido del método inspiraría a Rauschenberg, como el mismo dijo, para hacer "exactamente lo contrario" de lo que Albers le enseñó.El compositor John Cage, con cuya música Rauschenberg conectaría perfectamente, también asistió a la facultad de Black Mountain 

video tomado de Moca  

EDUARDO PAOLOZZI
Nace un 7 de marzo de 1924 – fallece un 22 de abril de 2005), 
fue un escultor y artista escocés. Paolozzi nació en Leith al norte de Edimburgo, el hijo mayor de inmigrantes italianos. Estudió en el Edinburgh College of Art in 1943, brevemente en la St Martin's School of Art en 1944, y luego en la Slade School of Art en Londres desde 1944 hasta 1947, después de lo cual trabajó en París, Francia.
Ampliamente surrealista, Paolozzi llamó la atención pública en los años 1960 al producir varios impresionantes serigrafías. Paolozzi fue el fundador del Independent Group, que es considerado como precursor del movimiento británico pop art de los 60s. Su collage de 1947 I was a rich man's plaything [1], a veces es etiquetado como la primera muestra real del Pop Art, si bien él ha descrito su obra como surrealista. Posteriormente se haría mejor conocido como escultor. Paolozzi es conocido por crear bastantes estatuas casi reales, pero con elementos rectilíneos (a menudo cúbicos) agregados o removidos, o formas humanas deconstruidas de un modo cubista.
Entre sus obras están:
.Las paredes llenas de mosaicos de la Tottenham Court Road tube station.
.La cubierta del álbum de Paul McCartney Red Rose Speedway.
.La paneles de los techos y la tapicería de las ventanas del Castillo Cleish.
.La escultura "Piscator" fuera de la Euston Station de Londres.
.Puertas de aluminio con relieves para el Hunterian Museum and Art Gallery de la Universidad de Glasgow
..Casos de displayamientos en el Museo de Escocia.
Enseñó escultura y cerámica en varias instituciones, tales como la Universidad de California, Berkeley (en 1968) y en el Royal College of Art. Paolozzi ha tenido una larga relación con Alemania, habiendo trabajado en Berlín desde 1974 como parte del Artists Exchange Scheme. Fue profesor de la Fachhochschule en Colonia desde 1977 hasta 1981, y posteriormente enseñó escultura en la Akademie der Bildenden Künste en Múnich.
Paolozzi fue condecorado con la CBE en 1968 y en 1979 fue elegido para la Royal Academy. Recibió el título de Her Majesty's Sculptor in Ordinary for Scotland en 1986, conservando el oficio hasta su muerte. Se convirtió en Sir Eduardo después de su ordenación en 1989.En 1994 Paolozzi dio a la Scottish National Gallery of Modern Art una buena cantidad de sus obras, y mucho del contenido del estudio del artista. En 1999 las Galerías Nacionales de Escocia abrieron la Dean Gallery para mostrar su colección, y la galería muestra una reproducción del estudio de Paolozzi, con sus contenidos arreglados como lo estaban en su ubicación original en Londres.
En 2001 Paolozzi sufrió un accidente cerebrovascular casi fatal (causando un reporte incorrecto en una revista que señalaba que había muerto).Sin embargo, la enfermedad lo confinó a una silla de ruedas, y murió en un hospital de Londres en abril de 2005.





 Louise Nevelson (Kiev, 23 de septiembre de 1899 – Nueva York, 17 de abril de 1988), pintora y escultora rusa. El apellido por el que se la conoce es el de casada.
nació en Leah Berliawsky, población cercana a Kiev, trasladándose a los siete años a los Estados Unidos. En 1920 se casó con Charles Nevelson, agente naviero, trasladándose a Nueva York. En 1922 nació su hijo Myron.
En 1929 comenzó a estudiar en la Art´s Student´s League, decisión que no gustó a su marido, y que a la postre fue una de las causas de su separación.
Tras una breve estancia en Alemania, de donde tuvo que marcharse precipitadamente a la llegada del partido nazi al poder, se estableció en París, donde mantuvo una relación sentimental con el marchante Georges Wildenstein. Comenzó así una vida bohemia, alternado el ejercicio de la pintura con incursiones en la escultura. En 1943 realizó una gran exposición en la Norlyst Gallery, donde a pesar del éxito de crítica, no consiguió vender ninguna obra. Continuó siendo una personalidad en el mundillo artístico neoyorquino hasta su muerte.

John Aubrey Clarendon Latham: 23 de febrero de 1921 Livingstone , Rhodesia del Norte (ahora Maramba , Zambia ), Murió 1 de enero de 2006 (84 años) Londres , Inglaterra

Estudio en Chelsea College de Arte y Diseño

fue un artista conceptual cuyo trabajo se basó en sus creencias éticas y científicas personales. Por ejemplo, él creía que la violencia y el conflicto entre los pueblos del mundo es el resultado de diferencias ideológicas. Se casó con la compañera de trabajo y colaboradora Barbara Steveni en 1951 y juntos idearon la idea de 'tiempo llano', basada en la física teórica de Event Structure

George Herms (nacido en 1935) es un artista americano más conocido por hacer ensamblajes a partir de objetos desechados, a menudo oxidados, sucios o rotos todos los días, y yuxtaponiendo esos objetos para infundirlos con poesía, humor y significado.  También es conocido por sus trabajos en papel, incluyendo trabajos con tinta, collage, dibujo, pintura y poesía. El prolífico Herms también ha creado piezas de teatro, sobre las cuales él ha dicho, "Yo lo considero como una caja de Joseph Cornell lo suficientemente grande como para caminar por ahí. Es sólo una continuación de mi escultura, un año a la vez. " El curador legendario Walter Hopps , quien conoció a Herms en 1956, "colocó a Herms en un continuum deslumbrante de artistas de ensamblaje que incluye a Pablo Picasso , Kurt Schwitters , Marcel Duchamp y Joseph Cornell, así como a Wallace Berman y Edward Kienholz . "A menudo llamado miembro del movimiento de la Costa Oeste Beat , Herms dijo que Wallace Berman le enseñó que "cualquier objeto, incluso un rechazo mundano, podría ser de gran interés si se contextualiza adecuadamente". "Eso es todo", dice Herms. "Me convierto en mierda en oro, sólo quiero ver algo que nunca he visto antes."  George Herms vive y trabaja en Los Angeles

ARTISTAS ENSAMBLISTAS 1

ENRICO BAJ
(Milán, 31 de octubre de 1924 – Vergiate, 15 de junio de 2003)
fue un artista italiano y escritor sobre arte. Muchas de sus obras muestran una obsesión con la guerra nuclear. Creó grabados, esculturas, pero especialmente collages. Estuvo próximo a los movimientos surrealista y dadá, y más tarde se relacionó con el arte pop. Como escritor, ha sido descrito como un promotor líder de la vanguardia. Trabajó con Umberto Eco entre otros. Tuvo un largo interés en el movimiento pseudofilosófico llamado patafísica.


Nació en el seno de una rica familia milanesa, pero dejó Italia en el año 1944 tras disgustar a las autoridades y para evitar la conscripción. Estudió en la facultad de derecho de la Universidad de Milán y en la Academia de Bellas Artes de Brera.



ALBERTO BURRI
nació en Città di Castello, dentro de la provincia de Perugia (Umbría), en 1915. Entre 1934 y 1939 estudió medicina, obteniendo la titulación en 1940 de la Universidad de Perugia y fue médico militar durante cuatro años en la Segunda guerra mundial. Después de que su unidad fuera capturada en el Norte de África, fue internado en un campo de prisioneros en Hereford, Texas en 1944, donde comenzó a pintar. Después de su liberación en 1946, Burri se trasladó a Roma y se dedicó en exclusiva a la pintura; su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería La Margherita en 1947. Después expuso en la Galería Malborough de Nueva York y en la galería de France de París.
De 1973 es su primer Cretto, imágenes que se realizaba en arcilla que, al cocerse en caolín, formaban grietas en la superficie. La más destacada de esta serie de obras es el Grande Cretto Nero que hizo para el jardín de esculturas de la Universidad de California en Los Ángeles (1976).
Joseph Cornell
(24 de diciembre de 1903 – 29 de diciembre de 1972) fue un artista y escultor norteamericano, uno de los pioneros y exponentes más destacados del denominado arte de assemblage. Recibió influencias de los surrealistas, además fue un cineasta experimental vanguardista.


Jean Dubuffet


En 1951 fundó el movimiento arte nuclear con Sergio Dangelo, que a diferencia del arte abstracto era abiertamente político. El propio Baj se alineó con el movimiento anarquista. Sus obras más conocidas son probablemente una serie de «Generales»: personajes absurdos realizados con objetos encontrados como cinturones o medallas.
Hizo numerosas obras usando motivos de otros artistas, desde Leonardo da Vinci a Picasso. A veces recreó obras enteras de otros pintores.
En 1972 la exposición pública de una gran obra, Funeral por el anarquista Pinelli (una referencia a la famosa pintura de Carlo Carrà El funeral del anarquista Galli de 1911) fue prohibida después del asesinato del oficial de policía que se creía responsable de la muerte de Giuseppe Pinelli bajo custodi. Sin embargo, su obra siguió siendo política. En sus últimos años creó una serie de pinturas a modo de protesta por la elección de Silvio Berlusconi.


En 1951, junto con otros artistas como Giuseppe Capogrossi o Ettore Colla fundó en Roma el grupo «Origen», en cuyas actividades participó. Marchó a Estados Unidos, donde impartió clases de arte desde 1953 hasta 1960. Participó en documenta 2, 3 y 7 de Kassel. Volvió a trabajar en Roma a partir de 1960. Su primera exposición retrospectiva se celebró en la Bienal de Venecia de 1960; en 1972 se celebraron retrospectivas en Turín y París.
Burri recibió la Orden del mérito italiano en 1994. Città di Castello lo recuerda con un gran museo permanente de sus obras.
EstiloBurri pronto se volvió hacia la abstracción (1949), con los catrame, obras realizadas con alquitrán y óleo sobre lienzo. Realizó cuadros de pintura matérica abstracta, muy cercanos al informalismo, especialmente español de la década de los años cincuenta. Su obra se relaciona con el tachismo europeo, el expresionismo abstracto estadounidense, y la abstracción lírica. Cultiva una «estética del desperdicio», con el uso de materiales poco convencionales próxima al Art brut de Jean Dubuffet y el nuevo realismo; se ha señalado además otras tendencias como origen de los elementos de su obra, como el neodadaísmo, el constructivismo y el arte povera. A su personal estilo se le denominó «polimaterialista».
Utilizó la técnica del collages a partir de 1950, y la de ensamblajes de materiales diversos. Burri cogía de la realidad cotidiana materiales poco ortodoxos como pumita, alquitrán o arpillera. Empezó a realizar una serie de cuadros que se transformaban en tridimensionales. De 1952 son sus primeras pinturas sobre sacos. Burri comenzó a producir obras experimentando con madera, metal y plástico; hizo cuadros con madera carbonizada y arpillera como la primera serie de Cuadros negros; más tarde, probó con chapas de hierro soldadas. También hace lienzos con arpillera rota y papel quemado (serie de grandes Telas de saco, 1952-1956). Desde 1956 empieza sus Combustiones y la serie de los Hierros. Comenzó a experimentar con materiales sintéticos quemados, como el plástico, que arrugaba, doblaba y quemaba con una antorcha. A principios de los setenta comenzó sus pinturas «rotas».

Creó, desde 1979 hasta los noventa, una serie de obras integrando en ellas el material industrial llamado cellotex (mezcla de serrín y cola) en tres colores: negro, blanco y oro.


Joseph Cornell nació en Nyack, Nueva York, su padre era Joseph Cornell, un acomodado diseñador y comerciante de telas, y Helen TenBroeck Storms Cornell, que era maestra de jardín de infantes. Joseph tenía tres hermanos, Elizabeth (n. 1905), Helen (n. 1906), y Robert (n. 1910). Sus dos padres provenían de familias socialmente prominentes de raices neerlandesas, asentadas desde hacia mucho tiempo en el estado de Nueva York.scultura y collage
Las obras más características de Cornell eran conjuntos de objetos contenidos en cajas. Los mismos consistén de cajas simples, por lo general con un vidrio en su frente, dentro d elas que ordenaba una colección sorprendente de fotografías o bric-à-brac victorianos, de forma de combinar la austeridad formal del Constructivismo con la fantasía del Surrealismo. Muchas de sus cajas, tales como la famosa caja Medici Slot Machine, son interactivas y han sido concebidas para ser manipuladas.
Al igual que Kurt Schwitters, Cornell podía crear poesía a partir de temas cotidianos. Sin embargo, a diferencia de Schwitters, él no estaba fascinado con lo descartado o basura, pero si por los fragmentos de objetos que una vez fueron hermosos y preciosos y que encontraba en sus frecuentes búsquedas por las librerías y tiendas de thrift stores of New York.[1] Sus cajas se basaban en la técnica surrealista de juxtaposición irracional y en las evocaciones a la nostalgia. Aunque Cornell admiraba las obras y técnicas de los surrealistas como Max Ernst y René Magritte, él nunca se consideró un surrealista; he disavowed the Surrealists' "magia negra," proclamando que él solo deseaba realizar magia blanca con su arte. La fama de Cornell como un importante surrealista norteamericano le permitió frecuentar a varios miembros del movimiento surrealista cuando se establecieron en Estados Unidos huyendo de la Segunda Guerra mundial. Posterirmente sería aclamado como el heraldo del arte pop y el arte de instalaciones. Cornell was heavily influenced by American Transcendentalists, Hollywood starlets (to whom he sent boxes he had dedicated to them), los simbolistas franceses tales como Stéphane Mallarmé y Gérard de Nerval, y grandes bailarinas de ballet del siglo XIX tales como Marie Taglioni y Fanny Cerrito.
A Cornell también lo cautivaban las aves y por esta razón creó los “Aviarios” a mediados de la década de 1940 y principios de 1950, en los cuales combinó imágenes muy coloridas de aves contra fondos blancos y fríos.


Jean Philippe Arthur Dubuffet (31 de julio de 1901 en Le Havre - 12 de mayo de 1985 en París) fue un pintor y escultor francés de los más famosos de la segunda mitad del siglo XX.
Dubuffet resusito en Le Havre. Se mudó por primera vez a París en 1918 para estudiar pintura en la Académie Julian, pero luego de seis meses dejó la academia para estudiar de forma independiente. En 1924, dudando del valor del arte, dejó de pintar y se hizo cargo del negocio de su padre vendiendo vinos. Retomó la pintura nuevamente en la década de 1930, pero se detuvo nuevamente, sólo volviendo por largo tiempo en 1942. Su primera muestra individual se produjo en 1944. Se aproximó al surrealismo en 1948, luego a la patafísica en 1954.
Influenciado por el libro de Hans Prinzhorn, Artistry of the Mentally Ill, Dubuffet acuñó el término Art Brut (arte en bruto) para el arte producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas, tales como el arte de los pacientes mentales, prisioneros y niños. Él formó su propia colección de tal forma de arte, incluyendo a artistas tales como Aloïse Corbaz y Adolf Wölfli. Dubuffet pretendía crear un arte tan libre de las preocupaciones intelectuales como el Art Brut, crea figuras elementales y pueriles y, a menudo crueles:(se inspiro en los dibujos de los niños,los criminales y dementes) personajes bufos, morbosos,como las mujeres de su serie"DAMES"; o seres infrahumanos,figuras deformes,absurdas y grotescas como los ciclos "BARBAS"
Muchos de los trabajos de Dubuffet fueron realizados con óleos, utilizando un lienzo reforzado con materiales tales como arena, alquitrán y paja, otorgándole al trabajo una inusual superficie texturada. Desde 1962 produjo una serie de obras en las cuales se limitaba a sí mismo con los colores rojo, negro, blanco y azul. Hacia finales de la década de 1960 se volcó más a la realización de esculturas, produciendo trabajos en poliestireno, a los cuales pintaba con vinílico.

EL ARTE COLOMBIANO DE LUTO

El pintor, grabador y escultor colombiano Omar Rayo, quien se caracterizó por sus figuras geométricas y de gran colorido, falleció este lunes en la población de Roldanillo, en el departamento (provincia) de Valle (suroeste), informaron allegados del artista.

Rayo, de 82 años, sufrió un infarto en su residencia de Roldanillo, donde desde 1981 dirigía el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano, una sede 
cultural donde exponía su obra y daba cabida a los nuevos exponentes del arte.

BREVE BIOGRAFIA.

Nombre real : Ómar Rayo Reyes

Nacimiento: 20 de enero de 1928Roldanillo, Colombia

Fallecimiento: 7 de junio de 2010 (82 años)Palmira, Colombia

Nacionalidad: COLOMBIANO

Área: Pintor, grabador y escultor

Inicio su carrera en el barrio siloé dibujando e ilustrando para los periódicos y revistas de Cali. Desde 1948 expuso varias veces sus obras en varias ciudades de Colombia, gano el Salón Nacional de Artistas de Colombia. En 1954 comenzó a viajar por América Latina para estudiar. Vivió en México de 1959 a 1960 y se radicó en Nueva York desde entonces.

En 1981 estableció el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en su natal Roldanillo. Fue diseñado por el arquitecto mexicano Leopoldo Gout. Se exponen dos mil cuadros y grabados de la producción de Rayo, además de quinientos de diferentes artistas latinoamericanos que hacen parte de su colección personal. Funcionan allí diferentes módulos como el de las exposiciones permanentes, las itinerantes, una biblioteca y el taller de artes gráficas, además de un teatro con capacidad para 150 personas.

La obra de Rayo está dedicada a la figura geométrica sin ser abstracto. Su estilo original, con imágenes claras, pinta objetos concretos. Es un artista geométrico-óptico, que ama los cuadrados, los rectángulos y las líneas en zig zag y se expresa con el blanco, el negro y el rojo. Nos demuestra que el arte geométrico pertenece tanto al pasado ancestral como al futuro insondable. Utilizando el rastro primordial de los ancestros indígenas, descubre nuevas maneras de ejecutar y presentar los intrincados laberintos visuales y geométricos.