Técnica y/o materiales: láminas metálicas, policromadas y atornilladas
Localización: Avenida Jiménez carrera 11
Ubicación: Plaza de San Victorino
Localidad: Santafé
DOBLE VICTORIA ALADA
Autor: Eduardo Ramírez Villamizar
Material: Laminas de hierro Ubicada en la Av. El Dorado con Carrera 108, perteneciente a la localidad de Fontibón. Obra homenaje a la (*victoria de samotracia) considerada por Ramírez Villamizar como la síntesis de la escultura. Esta obra fue donada por el artista ala ciudad 1994.
La Victoria alada de Samotracia, también conocida como Victoria de Samotracia y Niké de Samotracia, es una escultura en bulto redondo perteneciente a la escuela rodia del periodo helenístico. Se encuentra en el Museo del Louvre, París. Tiene una altura de 245 cm y se elaboró en mármol hacia el 190 a. C. Procede del santuario de los Cabiros en Samotracia. Algunos expertos la atribuyen con cierta probabilidad a Pithókritos de Rodas. Fue descubierta en 1863 en la isla de Samotracia por el cónsul francés Charles Champoiseau, un arqueólogo aficionado.
EL CARACOL
Obra del ramirez villamizar Hierro soldado y pintado
Dimensiones: Altura: 8.42 metros ancho: 12.0 metros , peso: 9 toneladas
Ubicación: Avenida el Dorado transversal 48. esta escultura fue escogida por que es parte de la trayectoria cotidiana hacia la universidad. utiliza la geometría como base estética y logra crear un híbrido con la morfología natural del caracol abstrayendo la esencia de su espacio interno por medio de planos lineas y curvas. Fue diseñado en 1980 y construido en 1985 por COMESA. Esta escultura fue una donación de DISTRAL SA para la empresa de energía de Bogotá (EEB)
Inauguración: 17 de abril de 198o (elaborada por la firma acero estructural)
Ubicación: plazoleta centro de convecciones Jiménez de Quezada calle 26 con carrera 13a
Su peso aproximado de 25 toneladas elaborada en acero policromado con unas medidas de 10 mts de largo x 8 de alto elaborada al regreso del exterior del artista, inspirada en la osamenta de un ave. Ramírez llamo esta obra el pájaro antediluviano, aunque hoy se conoce como nave espacial
16 TORRES
Material:
concreto.
Altura
7 mts. Parque nacional, Bogotá
La escultura 16 fue un obsequio que Ramírez Villamizar le dio a Bogotá, su inicio fue en 1972 con el apoyo de la alcaldía mayor. El cemento empleado fue donado por cementos diamante y el hierro por acerías paz del rio. Se inauguro en 1973
ESPEJO DE LA LUNA
Autor:
Eduardo Ramírez Villamizar
Ubicada:
plazoleta de entrada edificio world trade canter
Calle
100 carrera 9ª
Localidad:
chapinero
Técnica
y/o materiales: laminas de hierro
En
el año 1989 el maestro Eduardo Villamizar gana el concurso para realizar una
obra en la entrada del edificio world trade center de Bogotá con el proyecto
espejo de luna fue instalada en 1990 en el mes junio
MUJER CON RUEDA Y ALAS N1, N2, N3
Autor:
Jim Amaral
Elaboración:
1996
Ubicada:
plazoleta de entrada edificio Bancafé y Corfivalle
Dirección:
carrera 7a. Calle 72
Localidad:
chapinero
Tres
piezas realizadas en bronce
RITA 5:30 PM
Monumento a la regeneración étnico-urbana Autor: enrique grau Fecha de elaboración: 2000
Ubicación: administración parque
nacional Dirección: carrera 7a. Av. 39 Parque
nacional alameda peatonal
Localidad: Santafé Rita es una prostituta triste y vieja, que cada vez que son las
5:30 recuerda que su tiempo esta acabando paralelo a su belleza, Rita alberga
en sus piernas de bronce grafitis de enamorados y demonios, lo hace con
paciencia y amor, porque en sus piernas negras y voluptuosas solo hay espacio
para la tristeza y el desahogo, Rita es así, silenciosa, nunca ha cantado y
nunca ha importado a nadie, a menos que sea para mirarla… Rita sabe que Grau la
mira desde algún punto de una galaxia inventada por los hombres, y que se
alegra de verla tan imponente y solitaria, porque de lo contrario estaría
celoso, Rita también sabe que el hombre que vende dulces a unos cuantos pasos
de ella a veces mira obscenamente sus ligas y corsé tratando de develar una
desnudez inexistente. Rita ríe de nosotros…eso era lo único que no
sabíamos.
BOSQUE
CULTURAL Autor:
Bernardo salcedo Año
creación: abril de 1997
Ubicación:
entrada biblioteca Luis ángel Arango, en Bogotá. Comentarios del artista :
"la obra que hice en la biblioteca Luis ángel Arango es, simplemente, la
idea de que ahí debería haber arboles”.
La
obra fue elegida tras ganar el concurso realizado por el banco de la república
para adornar la salida de la biblioteca Luis ángel Arango Bernardo Salcedo.
1939-2007,
Bogotá, Colombia. Realizó estudios de Arquitectura en la Universidad Nacional
de Colombia, Bogotá, 1968. Ha realizado múltiples exhibiciones individuales
como Las Flores del Mal, Galería El Museo, Bogotá, Colombia, 1989; Cosas
Nuevas, Estudio Actual, Caracas, Venezuela, 1980; Proyectos de Cajas, Galería
Seiquier Madrid, España, 1978. Asimismo, exhibiciones en grupo como Arte
Colombiano Contemporáneo, Pabellón de las Artes, Expo-Sevilla 92, España, 1992;
XVIII Bienal de Sao Paulo, Brasil, 1983; Bienal de Venecia, Giardini di
Castello, Italia, 1984; FIAC`86 - Feria Internacional de Arte Contemporáneo,
Galería Garcés Velásquez, Granel Palais, París, Francia,1986
SIN TITULO
Autor:
John Castles
Técnica:
acero soldado
Año: diciembre 1 de 1984
Ubicación:
Banco de crédito, Bogotá.
Dimensiones:
210 x 610 x 525 cms
DINAMISMO
Autor:
Edgar Negret
Año
de emplazamiento: 1974
Técnica
y/o materiales: láminas de hierro policromadas
Ubicación:
carrera 5 a con calle 15, en la plazoleta de entrada del edificio de la
procuraduría
Esta
pieza fue instalada para la inauguración del edificio del banco ganadero ubicado
en la calle 16 con carrera 5. Fue inaugurada por Misael pastrana Borrero el 3
de julio de 1974.
Por
petición del artista la obra permaneció en el mismo lugar pece al traslado del
banco ganadero.
La
obra fue retirada el 23 de mayo del 2005 para ser restaurada por Luis Pérez
García y la pieza fue re inaugurada el 15 de mayo del 2006.
LA
GRAN CASCADA
Autor.
Edgar Negret
Ubicación:
parque el virrey carrera 15 con 87
La
instalación de la escultura fue en diciembre del año 2000 como parte del pan de
recuperación del parque y el espacio público en la administración del alcalde
enrique peñaloza, mide 4x4x7 metros de altura, hierro pintado
EL VIGILANTE
Autor: Edgar Negret
Dimensiones: 315 x 410x 300 cm4
Inauguración. 6 de julio de 1979
Ubicada en la plaza de armas del palacio de Nariño
LANZANDO LA
ONDA
Autor:
Alejandro Obregón
Inauguración:
abril de 1975
Altura: 7
mts peso: 12 toneladas
Lugar: calle
24, carrera 13 plazoletas telecom
Se trata de
un monumento que rinde homenaje al Alfonso López Pumarejo y al desarrollo de las
comunicaciones en Colombia.
Outsider art (Arte marginal) Mientras término de Dubuffet es muy específico, en ingles "Outsider Art" o "arte marginal" se aplica a menudo de manera más amplia, para incluir determinados artistas autodidacta o naif del arte que nunca se institucionalizaron. Por lo general, los etiquetados como artistas de fuera tienen poco o ningún contacto con el mundo del arte convencional o instituciones de arte. En muchos casos, su trabajo se descubre sólo después de su muerte. A menudo, "Outsider Art" se muestra extrema estados mentales, las ideas no convencionales, o mundos de fantasía elaborados.
Arte marginal ha surgido como un arte exitoso comercialmente (una feria de este tipo de arte se realiza en Nueva York anualmente desde 1992). El término es a veces liviana como una etiqueta de marketing de catch-all para arte creado por personas de fuera de la corriente principal "mundo del arte," independientemente de sus circunstancias o el contenido de su trabajo.
El término Arte marginal fue acuñado por el crítico de arte Roger Cardinal en 1972 trasladando al inglés el concepto de Art Brut concebido por el artista francés Jean Dubuffet para describir el arte creado fuera de los límites de la cultura oficial; el interés de Dubuffet se dirigía especialmente hacia las manifestaciones artísticas llevadas a cabo por pacientes de hospitales psiquiátricos. Mientras que el término de Dubuffet es bastante específico, el término outsider art se hacía extensivo a los artistas autodidactas o naïf, aunque nunca hubiesen sido internados en una institución psiquiátrica. El artista marginal es por tanto aquel que desarrolla su labor creativa sin contacto alguno con las instituciones artísticas establecidas, respondiendo a una fuerte motivación intrínseca y haciendo uso frecuentemente de materiales y técnicas inéditos. Una gran parte del arte marginal refleja estados mentales extremos, idiosincrasias particulares o elaborados mundos de fantasía. Desde el año 2000 el Premio Europeo EUWARD, que galardona a artistas mentalmente discapacitados, viene proveyendo a este tipo de arte con un forum internacional.
El contexto cultural del arte marginal El interés en las prácticas de "outsider" entre artistas del siglo XX y los críticos puede verse como parte de un mayor énfasis en el rechazo de los valores establecidos dentro del ambiente de arte modernista. La primera parte del siglo XX dio lugar a cubismo y los movimientos dadaísta, constructivista y futurista en el arte, todos los cuales participan un movimiento dramático lejos de las formas culturales del pasado. Dadaísta Marcel Duchamp, por ejemplo, abandonado "pictórico" técnica para permitir que las operaciones de la posibilidad de un papel en la determinación de la forma de sus obras, o simplemente para re-contextualize los objetos "ready made" existentes como arte. Artistas de mediados de siglo, incluyendo a Pablo Picasso, Miró "fuera" de las tradiciones de la alta cultura como fuente de inspiración, de dibujo de los artefactos de las sociedades "primitivas", la ilustración de los niños y vulgar publicidad gráfica. Dubuffet defensa del arte brut – de los enfermos mentales y otros en los márgenes de la sociedad – es otro ejemplo del arte de vanguardia desafiante había establecido los valores culturales.
ART BRUT (ARTE BRUTO) El Art Brut es un término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por gentes ajenas al mundo artístico sin una formación académica. Dubuffet omenzó a reunir una colección de esta clase de obras y a divulgarlas por medio de exposiones y de publicaciones después de la segunda guerra mundial para quitarle a las obras el rótulo de arte de enfermos mentales. Dubuffet afirmaba que todos llevamos un potencial creativo que las normas sociales actuales anulan. Esto se observa en las creaciones de personas que se mantienen al margen de la sociedad, tales como: internos de hospitales psiquiátricos, autodidactas, solitarios, inadaptados o ancianos. Desde 1945 Dubuffet recoge estas obras, fundando en 1948 la "Compagnie d´Art Brut" junto a André Breton, Michel Tapié y otros. La colección formada llega a las 5000 obras, que se exponen por primera vez en 1967 en el Musée des Arts Decoratifs de París, instalándose definitivamente en 1976 en el Château de Beaulieu de Lausana. La colección está formada en su mayoría por obras de enfermos psiquiátricos, generalmente esquizofrénicos; pese a ello, Dubuffet rechazó siempre la idea de "arte psiquiátrico" afirmando que "no existe un arte de los locos". El art brut constituye un aspecto fundamental del primitivismo asumido (aunque se trate de una expresión muy revaluada en la actualidad) asumido a lo largo de todo el siglo XX por ciertos artistas que permanecen al margen de la modernidad. ARTE DE LOS ENFERMOS MENTALES 1:
El interés en el arte de los reclusos manicomio había comenzado a crecer en la década de 1920. En 1921 el Dr. Walter Morgenthaler publicó su libro "Ein Geisteskranker als Künstler (Un paciente psiquiátrico como Artista) sobre Adolf Wölfli, un paciente psicótico a su cuidado. Wölfli tomo esta actividad artistica por que lo hacia permancer calmado Su obra más destacada es una épica ilustrada de 45 volúmenes en la que narra la historia de su propia vida imaginaria. Con 25.000 páginas, ilustraciones 1.600, 1.500 y collages, es una obra monumental. También produjo una serie de pequeñas obras, algunas de las cuales fueron vendidos o dados como regalos. Su obra se exhibe en la Fundación Adolf Wölfli en el Museo de Bellas Artes de Berna. Un momento decisivo fue la publicación de der Bildnerei Geisteskranken (arte de los enfermos mentales) en 1922, por el doctor Hans Prinzhorn. Las personas con algún tipo de formación artística y artistas bien establecidos no son inmunes a la enfermedad mental y también puede ser institucionalizada. Por ejemplo, William Kurelek, más tarde recibió la Orden de Canadá por su obra artística, como un hombre joven fue ingresado en el Hospital Maudsley de Psiquiatría, donde fue tratada de la esquizofrenia. En el hospital pintó, la producción de "El Laberinto", una pintura oscura de su juventud torturado. Este trabajo de 1953 fue utilizado como la portada en 1981 de un album de Van Halen Advertencia álbum de rock la Feria. Su experiencia en el hospital fue documentado en el libro de ciencias de la vida de Bibliotecas de la Mente, publicado en 1965.
2: En el año 1922, el psiquiatra Hans Prinzhorn, quien trabajaba en la Heidelberg Psychiatric Clinic, publica el primer estudio detallado de las expresiones visuales de personas internadas. Prinzhorn sostiene que la expresión artística de estas personas emerge de la misma fuente que cualquier otra expresión plástica profesional, clasificándolos en el de expresión, el del juego, el decorativo ornamental, el que marca el ritmo y la regla, el copiado y el de la necesidad de lo simbólico. Valoriza extremadamente la producción realizada por los enfermos. Jean Dubuffet Demostrando que una pulsión creadora, una necesidad de expresión instintiva sobrevive a la desintegración de la personalidad, señala: "Nuestros pacientes se encuentran en contacto, de manera totalmente irracional, con las más profundas verdades, y muchas veces revelan, inconscientemente, visiones de trascendencia. Reencontramos así, en un contexto diferente, la idea de la existencia de formas de expresión psíquica y de objetos de formas correspondientes que en todos los hombres, en determinadas condiciones, serían casi idénticas, como los procesos fisiológicos". La obra de Prinzhorn rápidamente ejerció influencia en el medio artístico (Alfred Kubin, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Max Ernst, Andre Breton). Entre 1929 y 1933, varias exposiciones temporarias fueron realizadas en Francia, Alemania y Suiza. En 1933 la clínica de Heidelberg es tomada por el nazismo. Carl Schneider instala el programa de exterminación de los enfermos mentales y usa la colección para fines de propaganda nazi. Se inicia una serie de exposiciones en Alemania y Austria comandada por Joseph Goebbels, que comparaba despreciativamente el acervo de Heidelberg con obras de artistas de arte moderno, como Cézanne, Van Gogh, Klee, Kandinsky, Kokoshka, Chagall y otros .Estas exposiciones tenían como título "Arte degenerado" allí se presentan alrededor de 600 obras de arte contemporáneo, que habían sido confiscadas las semanas anteriores por los nacionalistas en los museos alemanes.
Jean Dubuffet y art brut
El artista francés Jean Dubuffet comenzó su propia colección de dicho arte, que él llamó arte brut o raw. En 1948, formó la Compagnie de l ' Art Brut junto con otros artistas, incluyendo a André Breton. La colección que estableció fue conocida como la colección de l ' Art Brut. Contiene miles de obras y ahora se encuentra permanentemente en Lausana, Suiza.Dubuffet caracteriza arte brut como:"Esas obras crearon de soledad y de puros y auténticos impulsos creativos – donde las preocupaciones de la competencia, reconocimiento y promoción social no interfieren – son, debido a estos hechos muy, más preciosos que las producciones de profesionales. Después de una cierta familiaridad con estas flourishings de un feverishness exaltado, vivió tan plenamente y tan intensamente por sus autores, nosotros no podemos evitar la sensación de que, en relación con estas obras, arte cultural en su totalidad parece ser el juego de una sociedad inútil, un desfile falaz."- Jean Dubuffet. Coloque à l'incivisme (camino de realizar para Incivism). Imágenes y texto no.27 (diciembre de 1987 - febrero de 1988). p.36 Dubuffet escritura sobre el arte brut fue objeto de un programa destacado en el club de arte de Chicago en los años 50. Dubuffet argumentó que «cultura», que es la cultura convencional, logró asimilar cada nuevo desarrollo en el arte y al hacerlo se quitó cualquier poder podría haber tenido. El resultado fue asfixiarlo expresión genuina. Art brut fue su solución a este problema – sólo arte brut era inmune a las influencias de la cultura, inmune a ser absorbida y asimilados, porque los mismos artistas no estaban dispuestos o capaces de ser asimilados.
Dubuffet, Jean El Havre, 1901 - París, 1985 Pintor francés. Hijo de un importante comerciante de vinos continua la labor de su padre hasta 1942, año en el que, de manera casi autodidacta, decide dedicarse seriamente a la pintura. En su primera exposición en 1946 muestra pinturas hechas de escayola, cola, masilla y asfalto, con guijarros, trozos de botellas rotas, arañazos y garabatos para dar la impresión de paredes viejas. Contrario al uso de materiales artísticos tradicionales, Dubuffet pronto se erige como un precursor en la precoz elección de materiales extra-pictóricos considerados indignos (asfalto, carbón, arena, etc) que surge en la posguerra. Le interesan sobremanera los dibujos infantiles, los graffittis de los muros urbanos, el dibujo de los analfabetos y los locos y, en general, todo lo que recoge de forma inmediata la experiencia personal sin influencias de las tradiciones culturales. En esta linea organiza una exposición en 1947 bajo el nombre de art brut, término que se convierte en la denominación del movimiento que define muy bien su estilo y que cuenta con seguidores en Estados Unidos y Europa. En la década de los años cincuenta su obra se centra en la experimentación con los materiales, convirtiénse en un representante del informalismo; son representativas de esta época las series Suelos y terrenos (1951-52), en las que modela la pasta para representar la tierra con la huella de estructuras geológicas, Assamblages de huellas (1955) con vegetaciones miserables y Texturologías (1956-58) que evocan muros antiguos, madera o cortes geológicos exentos de cualquier clase de organización espacial. A partir de 1961 su obra da un fuerte giro con la larga serie llamada L´Hourloupe: figuras que aluden a motivos familiares emergen de la fragmentación de la superficie, piezas contorneadas en negro, rayadas en azul y negro y concebidas espacialmente como un rompecabezas, trascienden la pintura y se extienden a la escultura, el environment y la arquitectura.
performance se refiere en gran parte a un rendimiento que se presenta a una audiencia, pero que no pretende presentar una obra teatral convencional o una narración lineal formal o que alternativamente no pretende representar un conjunto de caracteres ficticios en formales de las interacciones con secuencias de comandos. Por lo tanto, a menudo incluirá alguna forma de acción o la palabra hablada, que es una forma de comunicación directa entre el artista y audiencia, en lugar de un guión escrito de antemano. A menudo, implica un artista intérprete o ejecutante dramático que es directamente consciente y en comunicación con el público, lo mismo como un cantante o el malabarista en un concierto o espectáculo de variedades podría decirse que realizar directamente para una audiencia, en lugar de crear un personaje ficticio que habita un ajuste dramático ficticio en el escenario.
Arte de la performance a menudo rompe la cuarta pared, lo que significa que la artista de performance no tratar a comportarse como si inconsciente de la audiencia. Algunos arte de rendimiento pueden utilizar una secuencia de comandos o crear una configuración dramática ficticia, pero aún constituye el arte de la performance en que no debe tratar de seguir la norma habitual dramática de la creación de una configuración de ficticia con una secuencia de comandos lineal que sigue convencional mundo real dinámica; por el contrario, intencionalmente trataría a satirizar o a trascender la dinámica habitual de reales que se utiliza en obras teatrales convencionales. De esta manera, la propia obra de rendimiento goza de una forma de comunicación directa con el público, apoyándose en de familiaridad la audiencia con locales dramáticos nominales y normas, a fin de ir más allá de ellas o eludir a ellos, incluso si los caracteres dentro de los trabajos propios no evince dicha conciencia. Aunque podría decirse arte de performance para incluir formas relativamente estándar de rendimiento tales como la danza, la música y las cosas relacionadas con el circo como fuego de respiración, malabarismo y gimnasia, estos son normalmente en su lugar conocido como las artes escénicas.
Tomar 40 personas. Les visten de blanco. A continuación, prepararlos para un paseo lento, sereno, arriba y abajo de los pasos del Capitolio de Utah hasta la ruptura de la madrugada. Machu y befuddlement saludaron 'Espera', una pieza de arte de la performance de 12 horas por el artista basada en Nueva York Ernesto Pujol. Música compuesta por Rosi Hayes
Historia Orígenes Las primeras formas de arte de la performance empezaron en la edad media, en las formas de poetas itinerantes, como juglares, trovadores, los bardos y en algunos casos de bufones. Estos fueron los artistas que a menudo compuso e interpretó sus propias obras. En el caso de los juglares, sus poemas a menudo fueron compuestas espontáneamente y llevaba directamente pertinentes a la audiencia y su sociedad. por lo tanto, constituyen una forma primitiva de arte de la performance. Esto evolucionó en diversas formas en las diversas culturas, como la del arte de la comedia en Italia, pantomima en Gran Bretaña, artistas de mime (que son bastante distintas de pantomima), harlequinade en varias de las sociedades europeas, skomorokh en Rusia y el folk juega en diversos países. En la era moderna, sigue habiendo algunos papeles paradigmáticos que encaja esta función, tales como saltimbanquis. Desarrollo moderno En la era moderna, ha habido una variedad de nuevas obras, conceptos y artistas que han dado lugar a nuevos tipos de arte de la performance. Andy Warhol se señaló para nuevos tipos de eventos masivos y arte de la performance en Nueva York, en particular con la Velvet Underground y también con el Warhol Superstars de ensayo. Arte de la performance de Laurie Anderson asistiéramos a un número de lugares importantes, como el Lincoln Center. Modernos conceptos artísticos como el surrealismo y el dadaísmo fueron utilizados por varios artistas para producir nuevos tipos de arte de la performance. En la década de 1960, un número creciente de artistas produjo nuevas formas de arte de performance, incluyendo Yves Klein, Allan Kaprow, quien acuñó el término Happenings — Carolee Schneemann, Hermann Nitsch, Yoko Ono, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Barbara T. Smith, Vito Acconci, Joan Jonas, las mujeres asociadas con el taller de Studio feminista y la creación de la mujer en Los Angeles y Chris Burden. Pero arte performance fue, sin duda, anticipó, si no formulado explícitamente, por grupo de Gutai de Japón de la década de 1950, sobre todo en obras como "Electric Dress de Atsuko Tanaka" (1956) [1]. En 1970 la pareja de británicos Gilbert y George creó la primera de sus actuaciones "vivir la escultura" cuando pintaban oro y cantó "Underneath The Arches" durante períodos prolongados. Yalkut de Jud, una artista de vídeo pionera y otros, tales como Carolee Schneemann y Sandra Binion, comenzó a combinar vídeo con otros medios de comunicación para crear obras experimentales. Teatro de guerrilla, o teatro de calle, incluyendo las actuaciones de los estudiantes y otros, han aparecido regularmente dentro de las filas de los movimientos contra.El grupo contra de anarquista los Yippies, en parte organizado por Abbie Hoffman, realiza teatro callejero cuando cayeron cientos de billetes de dólares desde el balcón de la bolsa de valores de Nueva York. También debe mencionarse el Latino, grupos de teatro de calle de América Latina y otros, incluidos los como el San Francisco Mime Troupe, que se derivan del circo y tradiciones de teatro itinerante. A pesar de que no puede no ser antecedentes directos de rendimiento del mundo del arte, debe señalarse su influencia, especialmente en los Estados Unidos — como se debe a que el artista conceptual de U.S. Sol LeWitt, convertidos en la década de 1960 dibujo mural-estilo en un acto de rendimiento por otros. Arte de la performance, debido a su relativa fugacidad, había una presencia bastante robusta en la vanguardia de los países del bloque del este, especialmente de Yugoslavia y Polonia, por la década de 1970. Teóricos culturales occidentales a menudo rastrear la actividad de arte de la performance volver a comienzos del siglo XX. Dada, por ejemplo, proporcionó un progenitor significativo con las actuaciones no convencionales de la poesía, a menudo en el Cabaret Voltaire, por los gustos de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara. También hubo artistas de rusa futurista que pudieron ser identificados como artistas de rendimiento, tales como David Burliuk, quien pintó su rostro por sus acciones (1910-20). Sin embargo, hay cuentas de artistas del Renacimiento poniendo en actuaciones públicas que podrían decirse son primeros ancestros de arte moderno de rendimiento. Algunos artistas y teóricos apuntan a otras tradiciones e historias, que van desde tribales a eventos deportivos y rituales o religiosos. Arte de la performance de actividad no se limita a las tradiciones de arte europeo o americano; muchos practicantes notables se encuentran en Asia y América Latina.
Olivier de Sagazan
Extracto de la actuación de Olivier de Sagazan Festival de arte & terrorismo / sonido: Olivier zol
Géneros Los géneros de arte de la performance incluyen
body art, fluxus, suceda, poesía de la acción y la intermedia. Algunos artistas, por ejemplo, la Actionists vienés y neo-dadaístas, prefieren usar el arte vivo de términos, "arte de acción", intervención o "maniobra" para describir sus actividades. Estas actividades son mencionadas también a veces simplemente como "acciones".
Body art es arte realizadas, con, o consistan, en el cuerpo humano. Las formas más comunes de body art son tatuajes y piercings de cuerpo, pero otros tipos incluyen escarificación, marca, scalpelling, la conformación (por ejemplo una estrecha-lazado de corsés), el tatuaje de cuerpo completo y la pintura corporal
en el body arte el body art (arte del cuerpo) es también una sub-categoría de arte de performance, en la que los artistas usan o abusan de su propio cuerpo para hacer sus declaraciones en particular.en representaciones mas extremos pueden implicar cosas tales como la mutilación o el sometimiento al cuerpo a exsigencias físicos hasta limites muy fuertes. dentro de body art tenemos: bodypainting pintura corporal, o, a veces, es una forma de arte corporal. A diferencia del tatuaje y otras formas de arte corporal, body painting es temporal, pintado sobre la piel humana, y sólo dura varias horas, o como máximo (en el caso de Mehndi o "henna tatuaje") un par de semanas. Consejo de pintura que se limita a la cara que se conoce como pintura de la cara. La pintura corporal también se conoce como (una forma de) tatuaje temporal; a gran escala o de cuerpo entero-la pintura es más comúnmente conocida como pintura corporal, mientras que el trabajo más pequeños o más detalladas se conoce generalmente como tatuajes temporales.
Body modification (o alteración del cuerpo) es la alteración deliberada del cuerpo humano por motivos no médicos, tales como el mejoramiento sexual, un rito de pasaje, razones estéticas, que denota pertenencia, confianza y lealtad razones, religiosas, el valor de choque, y la auto- expresión. Puede variar desde la decoración socialmente aceptable (por ejemplo, las orejas perforadas en muchas sociedades) a la religión sea necesario (por ejemplo, la circuncisión en una serie de culturas), y por todas partes. el arte corporal es la modificación de cualquier parte del cuerpo humano de carácter espiritual, religioso, artístico o estético razones.
Instalaciones artisticas la instalacion presenta obras tridimensionales, específica del sitio, diseñados para transformar la percepción de un espacio. Por lo general, el término se aplica a espacios interiores, Considerando que las intervenciones exteriores son llamadas a menudo Land art; sin embargo se superponen los límites entre estos términos.
Arte de instalación puede ser temporal o permanente. Obras de arte de instalación han sido construidos en los espacios de exposición, como museos y galerías, así como público - y espacios privados.
El género incorpora una muy amplia gama de materiales cotidianas y naturales, que a menudo son escogidos por sus cualidades evocadoras, así como de los nuevos medios de comunicación, como vídeo, sonido, performance, realidad virtual inmersiva y la internet. Muchas instalaciones son específicas del sitio en que están diseñados para que sólo existen en el espacio para el que fueron creados.comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970.
Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado.
Los artistas de instalaciones por lo general incorporan el espacio de demostración , tomando este espacio como un elemento mas de la obra, sean estos espacios públicos museos, galerías de arte o espacios urbanos diversos.
HistoriaEste género de arte contemporáneo adquirió relevancia en los años setenta. Muchos buscan las raíces de este arte en artistas de épocas más remotas como Marcel Duchamp o kurt Schwitter y su arte objeto, en lugar de arte más tradicional basado en la escultura. La intención del artista es primordial en el arte de instalación más tardío cuyas raíces se encuentran en el arte conceptual de los años sesenta. Esto nuevamente parte de la escultura tradicional que pone énfasis en en la forma. El arte de instalación no occidental incluye eventos puestos en escena por el grupo Gutai en Japón iniciando en 1954, que influyó a los pioneros de la instalación americana como Allan Kaprow . Aunque se considera que la primera instalación como tal, es decir efímera, fue la realizada en 1956 en una tienda de Barcelona por el poeta Joan Brossa, "instalación" como nomenclatura para una forma específica de arte empezó a utilizarse recientemente; su primer uso como lo documenta la OED fue en 1969. Se acuñó en este contexto en referencia a una forma de arte que había supuestamente existido desde la prehistoria pero no fue considerada como una categoría hasta mediados del siglo veinte. Allan Kaprow utilizó el término "ambiente" en 1958 para describir sus espacios interiores transformados; esto más tarde unió términos como "arte proyecto" y "arte temporal". Esencialmente, instalación/ambiente toma en cuenta toda la experiencia sensorial del espectador... El filósofo, performer y artista multi-media argentino Eduardo Sanguinetti inicia a mediados de la década del setenta la presentación de sus Instalaciones Habitables. Ubicadas en espacios naturales, se tornaban funcionales, en la medida que plantas, animales y minerales, asimiladas a los cuatro elementos: agua, aire, fuego y tierra, se hacían cargo de es topos particular, y adquirían más tarde el ruido de códigos capaces de catalogar visualizaciones, olores y colores,completando de ese modo la idea originaria de Sanguinetti, demasiado consustanciado en su calidad de ecólogo , con la naturaleza y su radiación especular. La interacción Instalación - pintura -ambientación- música -performance, propuesta por Eduardo Sanguinetti, con la designación de Solum, serie que devino en diez "Acciones" presentadas en espacios naturales de la Pampa Húmeda, en el Centro Cultural Recoleta 1987, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Buenos Aires El Pedestal Vacío1994, en la Kunsthalle de Recklinhausen , Bochum, Alemania, en concordancia del artista alemán Igadim 1991 ,entre otros espacios, persiguiendo un propósito sensorial, que no descarata la envergadura conceptual , formal y material. La naturaleza y la ciudad ingresan al dominio del arte en función de una verdadera alfombra de pastura y tierra natural y una carpeta asfáltica que sintetiza el itinerario de la traslación de la idea que Sanguinetti pone en acto. Con paquetes de promesas para el imaginario con el agregado de presencias vivientes: caballos, a los que hay que sumarle mujeres pintadas, en un body art muy particular ya que exalta el color , músicos trashumantes y obreros con instrumentos industriales como tornos, tambores de petróleo, yunques, mazas y demás y el piano acústico y la voz de Sanguinetti que emite el sonido minimalista, en otro aspecto de la obra, es su ambientación multi-media y multi-solum, posibilidad de búsqueda de un lugar que hasta ese momento se ha mostrado efímero entre lo provisorio y lo culminante de una experiencia. La obra de Eduardo Sanguinetti no aparece de manera abrupta, está determinada por su momento histórico, con todas las decepciones inherentes que lo obligan a obrar aisladamente y optar por el impulso individual. He aquí la construcción de un mundo vital-no rentable-que ritualiza la acción artística, aceptando el mito de su caída y el simulacro de su renacimiento. El arte consciente de abordar artisticamente todos los sentidos en relación con la experiencia del espectador en su totalidad hizo un gran debut en 1849 cuando Richard Wagner concibió una Gesamtkunstwerk, o un trabajo operístico para el escenario que se inspira en el teatro griego en su inclusión de todas las principales formas de arte: pintura, escritura, música, etc., .... La importancia central del punto de vista subjetivo cuando se experimenta el arte de instalación, apunta hacia el descuido de la teoría de la imagen platónica tradicional. En efecto, toda la instalación adopta el carácter de simulacro o estatua defectuosa: deja de lado cualquier forma ideal en favor de optimizar su apariencia directa frente al observador. La instalación opera completamente dentro del ámbito de la percepción sensorial, en un sentido "instalar" al espectador a un sistema artificial que apela a su percepción subjetiva como su fin último
ACCESS es un una instalación interactiva que permite a los usuarios de la web realizar un seguimiento de individuos anónimos en lugares públicos, les persiguiendo con un foco robótico y un sistema de haz acústico.
READY MADE (Arte encontrado) Palabra inglesa que en una traducción no literal, pero bastante aceptada, se conoce como "lo ya visto", y que deriva en el "objeto encontrado" del surrealismo. El término arte encontrado –más comúnmente objeto encontrado (en francés objet trouvé; en inglés, found art o ready-made) o confeccionado– describe el arte realizado mediante el uso de objetos que normalmente no se consideran artísticos, a menudo porque tienen una función no artística, sin ocultar su origen, pero a menudo modificados. Marcel Duchamp fue su creador a principios del siglo XX.
El arte encontrado deriva su identidad como arte del nombre que se le da por el artista. El contexto en el que se ubica, generalmente una galería o museo, es también un factor muy relevante. La idea de dignificar objetos cotidianos de esta manera era originalmente un desafío chocante para la distinción hasta entonces aceptada entre lo que se consideraba arte en oposición a lo que no era arte.
PRECEDENTES En obras de arte medievales se introducía el oro, presente por sus cualidades innatas, por lo que puede considerarse un «objeto encontrado», lo mismo que se introducían piedras preciosas. La diferencia esencial entre esta forma antigua de introducir objetos directamente en el cuadro y el «objeto encontrado» actual es el valor de los materiales introducidos directamente. En el pasado se incrustaban objetos valiosos (oro, joyas), mientras que en el arte moderno lo que se usan son principalmente objetos cotidianos, vulgares, que se elevan a un estatus especial al emplearse en una manifestación artística. Hay excepciones, como el uso que hicieron en 2003 los Hermanos Chapman de un conjunto de grabados de Goya, Los desastres de la guerra, que ellos «adaptaron» colocando en las figuras rostros de payasos y marionetas de manera que las láminas fueron valiosas ya por derecho propio como arte.
En el siglo XIX, el escritor francés Conde de Lautréamont había llamado la atención sobre las posibilidades de transformar objetos vulgares con la frase, hoy famosa de «Bello como el encuentro fortuito de una máquina de coser y un paraguas sobre una mesa de disección».
Desarrollo El uso de objetos encontrados fue una técnica asumida de forma inmediata por el movimiento dadaísta, usándolo tanto Man Ray como Francis Picabia quien lo combinó con arte tradicional al unir peines a una pintura que representaba el pelo. [2] Una obra bien conocida de Man Ray es The Gift (Le Cadeau en francés), un ready-made temprano realizado con la ayuda de Erik Satie que consiste en una plancha con catorce clavos pegados en su parte inferior, realizada en 1921 en París.
Wolf Vostell: obra realizada con objetos encontrados en Malpartida de Cáceres.La combinación de varios objetos encontrados es un tipo de readymade a veces conocido como ensamblaje (assemblage). Está ejemplificado en la obra de Marcel Duchamp Why Not Sneeze Rose Sélavy?, formada por una pequeña jaula para pájaros que contiene un termómetro, un jibión y 151 dados de mármol que parecen azucarillos.
Para cuando se celebró la Exposición Surrealista de Objetos de 1936 se había desarrollado toda una subclasificación entre objetos encontrados (found objects), preparados (ready-made), perturbados (perturbed), matemáticos, naturales, naturales interpretados, naturales incorporados, oceánicos, estadounidenses y surrealistas. En este momento, el líder surrealista, André Breton, definió a los objetos preparados como «objetos manufacturados elevados a la dignidad de obras de arte a través de la elección del artista».
Pablo Picasso usó objetos encontrados como la base de su Babuino y joven y unió un «sillín de bicicleta» con «manillar» a una cabeza de toro.
En los años sesenta los objetos encontrados estaban presentes en la obra del movimiento Fluxus y también en el Pop art. Joseph Beuys mostraba objetos encontrados modificados, como piedras con un agujero en la que se incluía piel y grasa, o ununa furgoneta con trineos por debajo y una viga oxidada. En 1973 Michael Craig Martin dijo, de su obra titulada An Oak Tree, «No es un símbolo. He cambiado la sustancia física del vaso de agua por la de un roble. No cambié su apariencia. El roble real está físicamente presente, pero en la forma de un vaso de agua»
Ready made y el siglo XXI Marcel Duchamp inspiró a muchos con sus percepciones del arte y sus propuestas. Impacta por ser un artista que le fue indiferente su oficio, que terminó sus días jugando ajedrez, pero sigue vivo con la semilla que sembró en todo aquel que le siguió en la producción de obras de arte y en la estética, propuestas que sorprenderá hasta el día de hoy. Marcel Duchamp nació en 1887 que viene de una familia de clase media alta francesa, de 7 hermanos, de los cuales cuatro fueron artistas, Gastón, Gustav, Marcel y Suzanne. Cuando cumple diecisiete años ingresa a Good Art Academy en Paris. Marcel llegará a tener influencias de Cezanne, del Fauvismo, Cubismo y Simbolismo, pero para el año 1912 cambia su forma de pintar, a una técnica de captar el movimiento para llegar a la abstracción, a finales de ese año deja casi por completo la pintura. Duchamp comienza a buscar otras maneras para explorar con los límites de la mente y dejar de complacer solamente a la vista. En sus siguientes obras Marcel jugará con ideas de lo que para él es el arte, obras que jugaban con la suerte, como fue la obra de Canned chance, donde experimentaba con una cuerda de un metro de longitud la estiraba y la dejaba caer en un canvas rectangular y dejando que se moviera al azar con su gravedad y así comenzó navegar aguas sin trazar con la idea, con el concepto. Más tarde llegará a concebir una nueva idea, que comenzó como un pasatiempo y se convertiría en una idea grandiosa para muchos y para otros una basura, el READY MADE El Ready made es la idea de jugar con lo que es y no es arte, lo que inicio un gran debate que sigue a nuestros tiempos. El ready made es una idea que en sí comenzó antes de que se le concibiera como tal, la primer obra fue en 1913 con una rueda de bicicleta empotrada en un taburete que simplemente era una distracción diaria, más tarde se le ocurriría llamarlo ready made. Otra de sus obras, la más emblemática es la fuente compuesta de un urinario volteado, que le puso la fecha y un seudónimo, otra más es una pala para la nieve, que le grabaría el escrito In advance of the broken arm. El ready made puede caracterizarse por su falta de gusto, materiales sencillos, objetos cotidianos, desechables, y por ser neutros. Para Marcel Duchamp el gusto es algo que se hace por costumbre, algo que se hace después de muchas repeticiones, esa acción crea el gusto, y para él, tenía que tener una falta de buen o mal gusto, estas propuestas no pueden ser clasificadas como antiarte, más bien como una intersección entre el arte y el no arte, en sus límites. Duchamp quería causar en el espectador que su mente llegara a otras lecturas de un objeto hecho en serie. A Duchamp le preocupaba el abuso de esta nueva forma de crear arte, y para solucionarlo solo hizo unos pocos cada año, Duchamp dijo en un informe al museo de arte moderno de Nueva York en 1961: Comprendí por esa época que, para el espectador más aun que para el artista, el arte es una droga de hábito y quise proteger mis ready mades contra una contaminación de tal género. Lo que tiene un ready made es que no es único, es una pieza en serie, esto es del mismo modo que un tubo de pintura es manufacturado y ya hecho, se pudiera decir que todas las telas del mundo son ready mades (Marcel Duchamp) . Marcel Duchamp, como afectaron sus ideas el siglo actual Duchamp influyo de manera importante en el siglo XX ya que propuso una forma diferente de ver el arte y sembró una semilla que se irá desarrollando a través del modernismo, el post modernismo a la actualidad, es otra propuesta que hizo del ready made, su crítica de la pintura retinal, la pintura idea y la importancia del contexto en la formación de la experiencia estética. La crítica de Duchamp invade la estética, y ésta disciplina se creó para comprender, percibir y apreciación de las ideas del arte y terminaría lazándola con el arte y su historia. El modernismo inició en el siglo XVIII junto con la creación del museo y la elaboración del concepto arte y estética, aquí el cubismo propondría muchas visiones de la modernidad, la contradictoria del dadaísmo en el concepto de arte, este movimiento es adoptado por los jóvenes artistas por su insatisfacción sociopolítica, era el movimiento antiarte. La incorporación a Duchamp en el dadaísmo, con su propuesta de cero gusto con el ready made, pone a relucir la falta de conciencia en la concepción del objeto de arte como una pieza singular de la privatización del mismo arte, cuando debía ser una pieza del proceso del esfuerzo intelectual, sería una crítica a las instituciones en general del arte, en torno a la obra misma del arte. Duchamp puso en evidencia el mercantilismo del arte y como objeto de consumo. La idea de arte es lo que se denomina arte de Marcel Duchampo, abre las posibilidades para crear arte y esto se puede ver en varias corrientes como el pop con Andy Warhol y su caja de detergente Brillo que fue una pieza que fue hecha en serie. A igual que el minimalismo, son propuestas contradictorias del arte pop, pero sus piezas también son en series, como lo fue el land art que usa el mismo proceso de elaboración, que es usar piezas ya existentes para crear otra como es el Spiral Jetty que fue hecha con piedras, sales y minerales, que terminaban exhibiendo una serie de piedras y documentación en los museo, el arte povera usa una forma de ensamble de materiales orgánicos y de la basura para hacer sus propuestas, como fue un montón de ropa apilada con una estatua dando la espalda al público, estas son algunas de las muchas propuestas a lo largo de esta idea que nació en Nueva Cork, que incluso el apropiacionismo hace lo mismo, cuando exhibe en las galerías sus piezas de objetos de consumo.
Conclusión La idea de arte ha ido cambiando a través de la historia. En un principio sólo era un recurso más del ser humano para llenar su vida de belleza, que incluso nos dejaba perplejos, pero gracias a esta preocupación de expresarnos y preguntarnos, que es arte? que me produce? nos motivó a estudiarla más a fondo y llegar a crear un concepto de arte y como se enlaza con la belleza y el observador. Como raza en evolución, siempre existen los que pueden ver más allá del horizonte y cuestionan todo, gracias a las ideas de estos tenemos un sin fin de posibilidades. El ser humano es capaz de todo, si lo puede concebir en su mente. Duchamp propuso una nueva forma de ver hacer arte, que sigue inspirando a muchos a proponer nuevas ideas y a motivar la producción de conceptos.
VARIACIONES DE READY MADE Escultura de materia prima En los ochenta surgió una variación del arte encontrado, llamado commodity sculpture (escultura de materia prima) donde objetos producidos en masa comercialmente se colocaban en la galería de arte como una escultura. El centro de atención de esta variedad de escultura estaba en el marketing, en la exhibición de los productos. Entre estos artistas se encontraban Jeff Koons, Haim Steinbach y Ashley Bickerton (quien más tarde se dedicó a otros tipos de obra).
Una de las primeras obras firmadas de Jeff Koons fue Two Ball 50/50 Tank, 1985, que estaba formada por dos balones de baloncesto flotando en el agua, que llena hasta la mitad un depósito de cristal (una influencia sobre Damien Hirst).
Arte basura
Un Lincoln Continental y otros restos del paso del Katrina por Nueva Orleáns se ha convertido en una obra de arte basura temporal titulada Bushmobile, una referencia sarcástica al presidente George W. Bush.Un subgénero específico dentro del arte encontrado es lo que se conoce como «arte basura» (trash art o junk art). Estas obras están formadas principalmente de componentes que han sido tirados. A menudo vienen literalmente de la basura. Muchas organizaciones esponsorizan competiciones de arte basura.
Contemporánea A lo largo de los noventa, los Young British Artists (YBA) hicieron amplio uso de «objetos encontrados», a menudo con una fuerte reacción por parte de la prensa. Aunque es una técnica admitida con carácter general, el uso que estos Jóvenes Artistas Británicos hicieron de él suscitó las controversias en la prensa, la crítica y el público.
(Young British Artists « Jóvenes artistas británicos» o YBAs (véase Brit artists o Britart) es un grupo de artistas contemporáneos del Reino Unido, provenientes la mayoría del Goldsmith college of arts de Londres.
La expresión «Young British Artist» procede de una serie de exposiciones con este nombre, organizadas en la galería Saatchi a partir de 1992, que lanzó a estos artistas a la fama. Destacaron por su «táctica de choque», el uso de materiales inusuales y de animales. Obtuvieron una amplia cobertura en los medios de comunicación y dominaron el arte británico durante los años noventa del siglo XX. De esta forma, YBA se ha convertido en una expresión histórica, aunque la mayoría de estos artistas alcancen hoy la cincuentena. El artista más emblemático y conocido del grupo es Damien Hirst.)
Como Marcel Duchamp antes que él, Damien Hirst ha sugerido que una pintura puede ser considerado un objeto encontrado adaptado (el objeto que se pinta) esto es, la historia del arte se basa toda ella en objetos encontrados. Hirst expuso un tiburón conservado en formaldehído en un depósito de cristal y lo llamó The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living («La imposibilidad de la muerte en la mente de alguien vivo»). Ha llevado esta idea hasta los extremos al presentar de la misma forma una vaca y un ternero cortados en secciones y en A Thousand Years («Mil años») la cabeza podrida de una vaca, gusanos y moscas.
Artistas Steven Adamson Fiona Banner Christine Borland Angela Bulloch Simon Callery Jake and Dinos Chapman Mat Collishaw Ian Davenport Tacita Dean Tracey Emin Angus Fairhurst Anya Gallaccio Liam Gillick Marcus Harvey Damien Hirst Gary Hume Michael Landy Abigail Lane Steve McQueen Lala Meredith-Vula Chris Ofili Sarah Lucas Martin Maloney Stephen Park Cornelia Parker Richard Patterson Simon Patterson Marc Quinn Fiona Rae Jenny Saville Georgina Starr Sam Taylor-Wood Gavin Turk Gillian Wearing Mark Wallinger Rachel Whiteread The Wilson Sisters
Autor: Édgar Negret
Autor: Édgar Negret
