CHIRIS OFILI

Nació en Manchester en 1968. 

1987–1988 Tomo un curso básico en la Tameside College of Technology, Manchester, Reino Unido

1988–1991 Graduado con una licenciatura en Bellas Artes de la Chelsea School of Art, Londres, Reino Unido

1992 Recibió la beca de viaje del British Council, Zimbabwe

1991–1993 Graduado con una maestría en Bellas Artes en el Royal College of Art, Londres, Reino Unido

1998 Fue galardonado con el Premio Turner, Tate Gallery, Londres, Reino Unido.

2004 Fue galardonado con el Honorary Fellowship University of the Arts, Londres, Reino Unido.

2004 Recibió el premio South Bank: Visual Arts, Londres, Reino Unido

2000–2005 Fue nombrado fideicomisario, miembro del consejo de la Tate Gallery, Londres, Reino Unido.

2005 le Fue encargada la decoración del Centro Nobel de la Paz, Oslo, Noruega.

Actualmente vive y trabaja en Londres, Reino Unido.

ofili  conocido por lo colorido y ornamental de su obra, sus primeros trabajos recurren a una amplia gama de influencias, desde las pinturas de la cueva de Zimbabwe, hasta héroes de cómics y la fusión con iconos del funk y hip-hop. Su trabajo se caracteriza por la armoniosa mezcla entre lo sacro y lo pagano, la cultura popular y sus creencias. Sus exuberantes pinturas son famosas por el uso de capas de papel de revistas, a modo de cut outs, las que además en algunas ocasiones incluyen bolas de estiércol de elefante, brillos, resina y recortes de mapas. 

PATTI LEVEY

Artista nacida en Nueva York en 1959. 
En 1980 realiza su primer curso de fotografía en el Center For Photography de NY. 
Durante su segundo curso de fotografía en el Lawrence College tuvo que realizar una tarea sobre autorretratos y desde entonces se ha estado fotografiando a ella misma. 

En 1994 la exposición a los productos químicos le llevan a contraer una enfermedad que la obliga a dejar el cuarto oscuro y la fotografía durante siete años. 



En 1995 se mudará a Santa Fe, Nuevo México, donde vive actualmente

A lo que pati levey  llama el despertar a sus fotografías Autorretratos como arte y un autoexamen, potenciación y curación de más de veinte años. Fotógrafa con una maestría en en psicología clínica y terapia feminista han utilizado la fotografía Autorretrato como una forma de terapia con mujeres. El autorretrato es para ella un proceso espontáneo, intuitivo y un tanto misterioso.
Usando una cámara de formato de 2 1/4´ un trípode y un disparador de cable que incluye en muchas de sus fotografías, como prueba de que se está fotografiando a si misma y como un salvavidas o un metafórico cordón umbilical que la conecta con la cámara y por lo tanto con el espectador.

"Para mi, hacer autorretratos es una declaración política y una práctica espiritual. Creo que es tan radical para una mujer fotografiarse a si misma como el amor a si misma en cualquier sociedad que valora a las mujeres principalmente como objetos. También creo que el arte es un puente entre los mundos, interior y exterior, físico y espiritual. En este sentido, espero que mi trabajo contenga elementos que prueben este estado de gracia fugaz, este puente que nos conecta a nosotros mismos, a cada uno y a todas las cosas".

2002 comenzó a crear una serie de imágenes que reflejan sus creencias y sentimientos acerca de la política de Estados Unidos.

2004 comenzó “Memento Mori”, una serie de desnudos femeninos (esta vez no son autorretratos), en los que se confunde la forma humana con extraños objetos de la naturaleza. Estas fotografías reflejarán su propio dolor sobre la guerra, el Calentamiento Global y la extinción total.

Mas información en la pagina  www.pattilevey.com

Educación:

*1980 realizó su primer curso de fotografía en el Center For Photography de Nueva York.

*1981 Parsons School of Design, París, Francia Fotografía en París Programa

*1982 Sarah Lawrence College, Bronxville, NY BA Liberal Arts

*1983 se trasladó a San Francisco, donde residió doce años.

*1987 Instituto de Fototerapia, Vancouver, BC, Canadá

*1987 Antioch University, San Francisco, CA MA Psicología Clínica

Premios y subvenciones:

1991 Beca en memoria de Elsa Gidlow para mujeres

1987 Premio William Simpson en memoria de la mejor fotografía del espectáculo anual de fotografía en San Francisco Mujeres artistas Galería

San Francisco, California

DAMIEN HIRST.

Nace en Bristol, 1965 -Inglaterra

Considerado figura emblemática del movimiento "Young British Artists" (YBA), un fenómeno de gran éxito internacional en los años 90 que situó Londres en el epicentro de la actividad artística. Hirst es tan admirado por unos como denostado por otros y su obra es de las más polémicas.

El nacimiento artístico de Damien Hirst se produjo de la mano de una de las muestras plásticas más recordadas en Inglaterra: Freeze, una exposición colectiva de alumnos del prestigioso Goldsmith´s College de Londres y que también ligó a Hirst con su mecenas, el publicista Charles Saatchi uno de los más prestigiosos coleccionistas de arte.

Después de Freeze, Damien Hirst se embarcó en una muestra que consolidaría su fama de provocador: "Sensation", muestra colectiva en la que Hirts expuso "The Physicall Impossibillity of the Idea of Death in the Mind of Someone Living", pieza encargada por el propio Saatchi y en la cual se mostraba a un tiburón suspendido en formol dentro de una enorme vitrina.

La muerte es el tema central de su trabajo. Es conocido sobre todo por sus series de Historia natural ("Natural History"), en las cuales, animales muertos (como tiburones, ovejas o vacas) son preservados, a veces diseccionados, en formol. Uno de sus trabajos más icónicos es La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo (The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living). Se trata de un tiburón tigre de 14 pies de largo inmerso en una vitrina con formol. Debido a la descomposición del tiburón tigre, fue reemplazado con un nuevo especimen en 2006.

Además Hirst ha participado en otros géneros artísticos. Así, ha diseñado portadas de discos y ha dirigido vídeo clips y una película. Sus obras han sido expuestas en Europa, América, Corea y Australia.

VIDEOS

DAVID HOCKNEY

El artista británico  recibio la Orden de Mérito de Isabel II

Londres, 1 ene (EFE).-

El pintor británico David Hockney, considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX, ha sido galardonado por la reina de Inglaterra, Isabel II, con la Orden de Mérito, anunció hoy el Palacio de Buckingham.

Se trata de una condecoración asignada por la soberana británica como recompensa por los servicios extraordinarios logrados en el ámbito del ejército, la ciencia, el arte o la literatura.

La Orden fue creada por el rey Eduardo VII en 1902 y está limitada al soberano y veinticuatro miembros, aunque los extranjeros pueden ser incluidos aparte como "miembros honorarios".

Los miembros de la Orden de Mérito reciben una placa de esmalte roja y azul en la que pone "Por el Mérito". Cuando uno de los condecorados con este galardón fallece, esa placa es devuelta a la soberana, que además cuenta con un retrato de cada uno de los miembros de esa Orden, que forma parte de una colección real y que reúne cada cinco años a todos los condecorados.

David Hockney 

Nació en Bradford, Inglaterra, el 9 de julio de 1937. vive en Los Ángeles, California.Es un importante contribuyente del Pop Art inglés de los años 1960. Pintor, ilustrador, dibujante y escenógrafo es considerado uno de los artistas más influyentes del s. XX.

En 1961 visitó por primera vez Nueva York (Estados Unidos) dispuesto a asumir públicamente su homosexualidad, convirtiéndola en uno de los ejes, desde entonces, de su producción. La ironía y el ingenio de Hockney, junto con su talento para las composiciones y los diseños de fuerte expresividad, le llevaron a finales de la década de 1960 a un estilo más naturalista, en particular en sus retratos. Aunque sin llegar a ser totalmente realistas, estas obras, pintadas en su estilo preferido, superficies planas de pintura acrílica y gran profusión de líneas de esmerado dibujo, son representaciones sensibles que a veces tienden a realzar a sus modelos.

Las notables escenografías que realizó para diferentes óperas, tanto para la Ópera de Glyndebourne en Inglaterra como para el Metropolitan Opera House de Nueva York, fueron aplaudidas por público y crítica. Las fotografías de David Hockney (1982) es una exploración del medio de la fotografía y un registro parcial de su vida.

SARAH LUCAS

Nacida en 1962 en Londres, Inglaterra
es una artista que ha tenido reconocimiento en el grupo de los Jóvenes Artistas Británicos (Young British Artists o YBA's en inglés) en los años 1990s.

Estudio en : 
1982-1983 Working Men's College, London 
1983-1984 London College del Grabado
1984-1987 Goldsmith's College, London
Su obra es conocida por su agudo ingenio y el uso de elementos ready-made. Su obra temprana consistió en instalaciones de esculturas, y con ello formó parte de la exhibición Freeze.
En 1990, luego vivir varios años con él en Nueva York, retorna a londres.

El éxito vino en 1991 cuando expuso su obra en solitario en el City Racing. Consistió ésta en collages hechos con portadas de periódicos británicos. Las dramáticas piezas, con gran énfasis en sexo, deformidad, violencia y sensasionalismo tipificaron muchos de los elementos asociados con el YBAs. Charles Saatchi compró el set completo y lo exhibió en la Saatchi Gallery, en Londres, al año siguiente. 

SEVEN UP.1991

SOD YOU GITS .1991

Lucas usó el dinero procedente de la venta para financiar "The Shop", un proyecto ejecutado con su amiga Tracey Emin, conocido como "The Birds" en 1993. 
Muchas de las obras de Lucas de ese periodo fueron parodias sutiles del trabajo de contemporáneos suyos más famosos.
Fuera de las contribuciones que realizó a las exhibiciones Brilliant, en 1995, y Sensation, en 1997, Lucas no exhibió en solitario hasta 1998, cuando Sadie Coles le organizó una exposición en un edificio vacío en Clerkenwell. En el 2000 le fue encargada la instalación de una serie de obras en el museo Freud, lo cual estuvo acompañado de una exhibición en la galería Sadie Coles. Los trabajos allí presentados eran formas feminoides inspiradas por Louise Bourgeois. La exposición de Lucas en el 2006 realizada en el museo Tate Liverpool fue considerada por Jonathan Jones en The Guardian como mediocre.

auto-retrato con taza de te 1993

Au  Naturel 1994

where does it all end 1994

Auto-retrato con huevos fritos 1996

negro y el conejito blanco # 3  1997

Braga de pollo 1997

you  know what 1998

Pauline conejito 1997

el suicidio es genético 1996

tiene un salmón # 2 1997

tetas de cigarrillos 1999

Time to plant tears, 2005

a ella le gusta lo acogedor 2005

botas de concreto 2005

Dios es padre 2005

el hombre contra la naturaleza humana 2005

oh soldado 2005

la  oración en la plaza 2005

read yourself little table 2005

The sperm thing, 2005

tia jam 2005

Skull Whand, 2008 

nud cicladic 2010

penetralius

OBODDADDY  2, 2010

OBODDADDY 1,2010

arbol # 1

comentarios:
1 .- Sarah Lucas lejos de caer en el tristón y plomizo repiqueteo del feminismo trasnochado, ha recuperado los tópicos machistas para transgredirlos, ridiculizarlos y convertirlos en arte. La ironía y el brutal sarcasmo que destilan sus obras -sus famosos autorretratos y algunas instalaciones donde aparecen, por ejemplo, unas manos de cerdo sobre unos viriles calzoncillos- la han convertido en una de las máximas exponentes de un movimiento de chicas malas que comenzó su rebelión en Gran Bretaña.

2.-  la carrera de sarah lucas se basa en tomar objetos de la vida cuotidiana, para hacer trabajos basados en el humor, chistes visuales, la metáfora sexual para discutir el sexo y la muerte. En general sus obras trasmiten lo que es la interpretación de la baja cultura y de todo lo que de ruidoso tiene lo cotidiano.

FOUAD BELLAMINE

Nacido en marruecos el 28 de nov de 1950 en la ciudad de fez, proveniente de una familia de artesanos Después de la secundaria, abandonó su ciudad natal en 1967 para la Escuela de Artes Aplicadas de Casablanca.

Expuso por primera vez en 1972 en la galería de "Discovery" en Rabat. El mismo año se incorporó a la docencia como profesor de arte antes de continuar su educación con un Diploma de Estudios Aplicados en Historia y Teoría del Arte en la Universidad de la Sorbona, de París VIII.

Este artista debate mucho  sobre el tema de la identidad en Marruecos y su impacto en el arte y la cultura. Esto lo llevó más tarde a decir "no hay pintura marroquí, sólo hay... pintores marroquíes". Su pasión por la pintura e historia del arte se combina con una curiosidad que consiste en la investigación, tanto en términos de teoría y práctica.

Ha participado en exposiciones  en Francia, Bélgica y el Reino Unido, España, Portugal, Finlandia, Oriente Medio y Egipto, Senegal, California, Túnez.

1987,  participó en la Bienal de Sao Paulo en Brasil.

Desde 1989,  ha contribuido activamente a la promoción del arte contemporáneo en  su país.

En 1997, iniciado una colección permanente de arte contemporáneo en el Hospital de Niños de Rabat.

Sus obras han sido adquiridas por colecciones públicas y corporativas , como las instituciones marroquíes, así como el Museo del Mundo Árabe Institución (IMA) en París, el Fondo Nacional de Arte Contemporáneo (FNAC) de París, el Museo de Arte Moderno de París , el Museo de África y Oceanía en París, la Fundación Un poco.

Vive y trabaja en Rabat.