DIANA AL-HADID

Artista contemporánea .
Nació en Aleppo, Siria en 1981, vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.
Recibió el pregrado de Bellas Artes (BFA) en escultura de la Universidad Estatal de Kent de Ohio (2003), graduada (MFA) en escultura por la Virginia Commonwealth University, Richmond (2005), residente de la Skowhegan School of Painting and Sculpture, Skowhegan, Maine (2007).


Al-Hadid construye grandes esculturas arquitectónicas en diferentes materiales, como el poliestireno, yeso, fibra de vidrio, madera y cera. 
Estos materiales se combinan para dar a la obra la sensación de extrema fragilidad e inmediatez, en contraste con su escala monumental y construcción robusta. El aspecto físico de su trabajo contribuye a articular su preocupación por el derrumbe inevitable de las ambiciosa construccioness humanas. La Torre de Babel, las catedrales medievales, como la de Chartres, y los laberintos, como el laberinto de Creta se encuentran entre las muchas referencias que Al-Hadid utiliza para ilustrar su todo, a un tiempo con grandilocuencia histórica y profundidad personal. (tomado de wikipedia)
visiten la pagina wed de la artista :http://www.al-hadid.wsdia.com/

HAMRA ABBAS

Nació en Kuwait en 1976
vive y trabaja entre Boston e Islamabad. 
Estudios

2004 Meisterschueler, Universitaet der Kuenste, Berlin, Germany

2002 MA, Visual Arts, National College of Arts, Lahore, Pakistan

1999 BFA (Sculpture), National College of Arts, Lahore, Pakistan

La práctica artística de Abbas se basa en una gran variedad de fuentes y adopta diversas formas. Sus obras se originan a partir de encuentros y experiencias, una imagen, un ícono o un gesto, que son manipulados por el artista transformando su escala, función o medio. Su intención es deconstruir el acto de ver recreando imágenes que forman parte de una memoria colectiva. Sin restricciones por el tema o los medios de comunicación, toma un enfoque de investigación para producir un cuerpo de trabajo diverso y holístico que aborde las nociones de historia cultural, sexualidad, violencia, ornamentación, devoción y fe.

Hamra Abbas fuer la ganadora en  2011 del Premio de Arte Abraaj Capital, fue galardonada con un premio del jurado en la Bienal de Sharjah 9. 
Su trabajo ha sido incluido en el arte asiático Bienal, Taiwán (2011);? La Artista Internacional de Tesalónica s Taller Bienal Internacional de Incheon y la Bienal de Mujeres Artistas (2009); Guangzou Trienal (2008); Bienal de Estambul (2007), la Bienal de Sidney (2006), y la Bienal de Cetinje (2004). Abbas? el trabajo ha sido exhibido en Singapore Art Museum, el Royal Ontario Museum, Toronto, V & A Museum, Londres; Asia Society Museum, Nueva York, ARTIUM de Álava, Vitoria-Gasteiz, España, Manchester Art Gallery, Reino Unido; REDCAT, de Los Ángeles. Abbas recibió BFA y una maestría en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes, Lahore y Meisterschueler de Universitaet der Kuenste, Berlín en 2004.
visite para mayor información la pagina de la  artista:  http://www.hamraabbas.com/

Please Do Not Step:
La pérdida de una historia magnífica  (2017)

Bodies (2016) es un grupo de calzado de madera tallados de manera intrincada, tomado de las fotos que Abbas había tomado fuera de las entradas a los lugares sagrados, un marcador de segregación entre el interior y el exterior.

paradise Bath (2009) es un conjunto de 9 fotografías, y el resultado de un performance en Thessaloniki, Grecia. en la primera casa de baños otomana construida allí en 1444.

BARBARA HEPWORTH

Nació en 1903, en Wakefield (West Yorkshire). 

Acudió a la Wakefield Girls High School, y estudió en la Leeds School of Art (donde conoció a Moore) 

entre 1920 y 1921, así como en el Royal College of Art de Londres 

1921-1924. Más tarde estudió durante un tiempo en Italia.

Sus comienzos estuvieron influidos por la obra, entre otros, de Henry Moore, con el cual tenía amistad. Perteneció a un importante grupo de artistas europeos que trabajaron los materiales tradicionales de manera innovadora. Su obra se caracteriza por los espacios huecos dentro de la escultura. Para ella las propiedades naturales del material debían de formar definitivamente la obra. Trabajó sobre todo en madera o piedra; efectuando una actividad de carácter abstracto.

Su primer matrimonio fue con el escultor John Skeaping, de quien se divorció en 1933. 

Su segundo matrimonio, celebrado en 1938, fue con el pintor y escultor abstracto Ben Nicholson, al que había conocido en 1931 y de quien había tenido trillizos en 1934; se divorciaron en 1951. 
Hepworth y Nicholson fueron miembros claves en el movimiento de arte abstracto inglés de la década de los treinta.


Tras la Segunda Guerra Mundial se convirtió, junto a su colega Henry Moore en una de las revelaciones de la escultura más importantes de su generación. Con los años sus obras fueron alcanzando mayor tamaño; véase, por ejemplo, Single Form, el monumento a Dag Hammarskjöld (1964) en la sede de las Naciones Unidas en Nueva York, Estados Unidos, que es una de sus obras más prestigiosas.

Fue nombrada Dama en 1965, 
20 de mayo de 1975  ala edad de 72 años fallece durante un fuego en su taller de St Ives en Cornualles, 
El taller y su casa forman actualmente el Museo Barbara Hepworth.

Vídeos Barbara Hepworth: Pionera en escultura moderna.

CHIRIS OFILI

Nació en Manchester en 1968. 

1987–1988 Tomo un curso básico en la Tameside College of Technology, Manchester, Reino Unido

1988–1991 Graduado con una licenciatura en Bellas Artes de la Chelsea School of Art, Londres, Reino Unido

1992 Recibió la beca de viaje del British Council, Zimbabwe

1991–1993 Graduado con una maestría en Bellas Artes en el Royal College of Art, Londres, Reino Unido

1998 Fue galardonado con el Premio Turner, Tate Gallery, Londres, Reino Unido.

2004 Fue galardonado con el Honorary Fellowship University of the Arts, Londres, Reino Unido.

2004 Recibió el premio South Bank: Visual Arts, Londres, Reino Unido

2000–2005 Fue nombrado fideicomisario, miembro del consejo de la Tate Gallery, Londres, Reino Unido.

2005 le Fue encargada la decoración del Centro Nobel de la Paz, Oslo, Noruega.

Actualmente vive y trabaja en Londres, Reino Unido.

ofili  conocido por lo colorido y ornamental de su obra, sus primeros trabajos recurren a una amplia gama de influencias, desde las pinturas de la cueva de Zimbabwe, hasta héroes de cómics y la fusión con iconos del funk y hip-hop. Su trabajo se caracteriza por la armoniosa mezcla entre lo sacro y lo pagano, la cultura popular y sus creencias. Sus exuberantes pinturas son famosas por el uso de capas de papel de revistas, a modo de cut outs, las que además en algunas ocasiones incluyen bolas de estiércol de elefante, brillos, resina y recortes de mapas. 

PATTI LEVEY

Artista nacida en Nueva York en 1959. 
En 1980 realiza su primer curso de fotografía en el Center For Photography de NY. 
Durante su segundo curso de fotografía en el Lawrence College tuvo que realizar una tarea sobre autorretratos y desde entonces se ha estado fotografiando a ella misma. 

En 1994 la exposición a los productos químicos le llevan a contraer una enfermedad que la obliga a dejar el cuarto oscuro y la fotografía durante siete años. 



En 1995 se mudará a Santa Fe, Nuevo México, donde vive actualmente

A lo que pati levey  llama el despertar a sus fotografías Autorretratos como arte y un autoexamen, potenciación y curación de más de veinte años. Fotógrafa con una maestría en en psicología clínica y terapia feminista han utilizado la fotografía Autorretrato como una forma de terapia con mujeres. El autorretrato es para ella un proceso espontáneo, intuitivo y un tanto misterioso.
Usando una cámara de formato de 2 1/4´ un trípode y un disparador de cable que incluye en muchas de sus fotografías, como prueba de que se está fotografiando a si misma y como un salvavidas o un metafórico cordón umbilical que la conecta con la cámara y por lo tanto con el espectador.

"Para mi, hacer autorretratos es una declaración política y una práctica espiritual. Creo que es tan radical para una mujer fotografiarse a si misma como el amor a si misma en cualquier sociedad que valora a las mujeres principalmente como objetos. También creo que el arte es un puente entre los mundos, interior y exterior, físico y espiritual. En este sentido, espero que mi trabajo contenga elementos que prueben este estado de gracia fugaz, este puente que nos conecta a nosotros mismos, a cada uno y a todas las cosas".

2002 comenzó a crear una serie de imágenes que reflejan sus creencias y sentimientos acerca de la política de Estados Unidos.

2004 comenzó “Memento Mori”, una serie de desnudos femeninos (esta vez no son autorretratos), en los que se confunde la forma humana con extraños objetos de la naturaleza. Estas fotografías reflejarán su propio dolor sobre la guerra, el Calentamiento Global y la extinción total.

Mas información en la pagina  www.pattilevey.com

Educación:

*1980 realizó su primer curso de fotografía en el Center For Photography de Nueva York.

*1981 Parsons School of Design, París, Francia Fotografía en París Programa

*1982 Sarah Lawrence College, Bronxville, NY BA Liberal Arts

*1983 se trasladó a San Francisco, donde residió doce años.

*1987 Instituto de Fototerapia, Vancouver, BC, Canadá

*1987 Antioch University, San Francisco, CA MA Psicología Clínica

Premios y subvenciones:

1991 Beca en memoria de Elsa Gidlow para mujeres

1987 Premio William Simpson en memoria de la mejor fotografía del espectáculo anual de fotografía en San Francisco Mujeres artistas Galería

San Francisco, California

DAMIEN HIRST.

Nace en Bristol, 1965 -Inglaterra

Considerado figura emblemática del movimiento "Young British Artists" (YBA), un fenómeno de gran éxito internacional en los años 90 que situó Londres en el epicentro de la actividad artística. Hirst es tan admirado por unos como denostado por otros y su obra es de las más polémicas.

El nacimiento artístico de Damien Hirst se produjo de la mano de una de las muestras plásticas más recordadas en Inglaterra: Freeze, una exposición colectiva de alumnos del prestigioso Goldsmith´s College de Londres y que también ligó a Hirst con su mecenas, el publicista Charles Saatchi uno de los más prestigiosos coleccionistas de arte.

Después de Freeze, Damien Hirst se embarcó en una muestra que consolidaría su fama de provocador: "Sensation", muestra colectiva en la que Hirts expuso "The Physicall Impossibillity of the Idea of Death in the Mind of Someone Living", pieza encargada por el propio Saatchi y en la cual se mostraba a un tiburón suspendido en formol dentro de una enorme vitrina.

La muerte es el tema central de su trabajo. Es conocido sobre todo por sus series de Historia natural ("Natural History"), en las cuales, animales muertos (como tiburones, ovejas o vacas) son preservados, a veces diseccionados, en formol. Uno de sus trabajos más icónicos es La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo (The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living). Se trata de un tiburón tigre de 14 pies de largo inmerso en una vitrina con formol. Debido a la descomposición del tiburón tigre, fue reemplazado con un nuevo especimen en 2006.

Además Hirst ha participado en otros géneros artísticos. Así, ha diseñado portadas de discos y ha dirigido vídeo clips y una película. Sus obras han sido expuestas en Europa, América, Corea y Australia.

VIDEOS

DAVID HOCKNEY

El artista británico  recibio la Orden de Mérito de Isabel II

Londres, 1 ene (EFE).-

El pintor británico David Hockney, considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX, ha sido galardonado por la reina de Inglaterra, Isabel II, con la Orden de Mérito, anunció hoy el Palacio de Buckingham.

Se trata de una condecoración asignada por la soberana británica como recompensa por los servicios extraordinarios logrados en el ámbito del ejército, la ciencia, el arte o la literatura.

La Orden fue creada por el rey Eduardo VII en 1902 y está limitada al soberano y veinticuatro miembros, aunque los extranjeros pueden ser incluidos aparte como "miembros honorarios".

Los miembros de la Orden de Mérito reciben una placa de esmalte roja y azul en la que pone "Por el Mérito". Cuando uno de los condecorados con este galardón fallece, esa placa es devuelta a la soberana, que además cuenta con un retrato de cada uno de los miembros de esa Orden, que forma parte de una colección real y que reúne cada cinco años a todos los condecorados.

David Hockney 

Nació en Bradford, Inglaterra, el 9 de julio de 1937. vive en Los Ángeles, California.Es un importante contribuyente del Pop Art inglés de los años 1960. Pintor, ilustrador, dibujante y escenógrafo es considerado uno de los artistas más influyentes del s. XX.

En 1961 visitó por primera vez Nueva York (Estados Unidos) dispuesto a asumir públicamente su homosexualidad, convirtiéndola en uno de los ejes, desde entonces, de su producción. La ironía y el ingenio de Hockney, junto con su talento para las composiciones y los diseños de fuerte expresividad, le llevaron a finales de la década de 1960 a un estilo más naturalista, en particular en sus retratos. Aunque sin llegar a ser totalmente realistas, estas obras, pintadas en su estilo preferido, superficies planas de pintura acrílica y gran profusión de líneas de esmerado dibujo, son representaciones sensibles que a veces tienden a realzar a sus modelos.

Las notables escenografías que realizó para diferentes óperas, tanto para la Ópera de Glyndebourne en Inglaterra como para el Metropolitan Opera House de Nueva York, fueron aplaudidas por público y crítica. Las fotografías de David Hockney (1982) es una exploración del medio de la fotografía y un registro parcial de su vida.