ALEXEJ VON JAWLENSKY

Torsok, 1864-Wiesbaden, 1941

De origen ruso, Alexej von Jawlensky desarrolló la mayor parte de su carrera artística en Alemania, donde colaboraría estrechamente con su compatriota Wassily Kandinsky y otros artistas alemanes. 

Su llegada a Múnich tuvo lugar en 1896, cuando, desilusionado con los métodos de enseñanza de la Academia de San Petersburgo, se trasladó hasta allí para continuar su formación como pintor. Asistió a las clases de Anton Azˇbé y fue en su escuela donde, en 1907, conoció a Kandinsky, que se convertiría en su amigo y colaborador artístico. En 1905 realizó su primer viaje a Francia, donde se familiarizó con las obras de Paul Gauguin y Vincent van Gogh. 

Asimismo tuvo la oportunidad de conocer a Henri Matisse y la obra de los pintores fauves, junto a los que expondría en el Salon d’Automne de ese mismo año. Tras su regreso a Múnich, pasó varios veranos en Murnau junto a Kandinsky, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin, pintora rusa con la que Jawlensky había llegado a Alemania. Con ellos creó en 1909 la Neue Künstlervereinigung de Múnich, en la que permanecería hasta 1912, fecha en la que se unió al grupo expresionista Der Blaue Reiter (El Jinete Azul). Como a la mayoría de sus colegas de Múnich, el sentido musical del color y una concepción mística inspirada en la teosofía marcaron el destino espiritual y artístico de Jawslensky. 

En 1917 comenzó su conocida serie Cabezas místicas, y al año siguiente Cabezas abstractas, en las que se combinan las notas fauvistas y expresionistas con la tradición y espiritualidad del arte ruso.

Tras la Primera Guerra Mundial, durante la que se vio obligado a emigrar a Suiza, se estableció en Wiesbaden. Con Paul Klee, Lyonel Feininger y Wassily Kandinsky formó el grupo Die Blaue Vier (Los Cuatro Azules) en 1924 y expuso junto a ellos en numerosas ocasiones en América y Europa. Desde finales de la década de 1920, Jawlensky sufrió una fuerte artritis que fue restringiendo su movilidad hasta impedirle completamente continuar pintando. En 1938 comenzó a dictar sus memorias. Murió en Wiesbaden, Alemania, el 15 de marzo de 1941

Fuentes: es.findagrave.com/, epdlp.com, Wikipedia, museothyssen.org, YouTube

MIJAÍL LARIÓNOV

Nace en Tiraspol (Rusia, Moldavia) en 1881.

Fallece: El 10 de mayo de 1964 (82 años) en Fontenay-aux-Roses, Francia

Destacado representante de la vanguardia rusa anterior a la Primera Guerra Mundial

Transcurre su juventud en Moldavia en casa de sus abuelos donde la belleza natural de los paisajes que le rodean  tiene un papel significativo en su arte.

Estudia en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú (1898-1910).

Mijaíl Lariónov fue, junto a Natalia Goncharova, el iniciador del rayonismo, un estilo no figurativo relacionado estrechamente con el futurismo italiano. Se formó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, donde conoció a Goncharova, a la que permanecería unido durante toda su vida.

Él y Natalya Goncharova, se hacen amigos de Konstantin Korovin cuando éste toma el cargo de profesor en esta escuela en 1902. La enseñanza de Korovin cobra inmediatamente una importancia capital para el joven pintor. En 1903, Larionov se relaciona con Sergei Diaghilev, cuando una importante exposición del trabajo de Charles Rennie Mac Kintosh ; nace entonces una amistad muy fuerte y relaciones profesionales muy estrechas entre los dos hombres.

En 1908 colaboró en la preparación de la exposición Vellocino de Oro, donde las obras postimpresionistas y fauvistas francesas despertaron su interés. El estilo de Lariónov cambió para dar prioridad a los colores intensos y la pincelada gruesa, algo que poco más tarde utilizaría como herramienta para crear un arte neoprimitivista. 

En 1910 fue miembro fundador de la Sota de Diamantes, que abandonó para crear El Rabo de Burro en 1912. Por estas fechas, en las que comenzó a relacionarse con la vanguardia literaria del país, realizó sus primeras composiciones rayonistas y redactó tres manifiestos en los que exponía sus teorías sobre este movimiento, Tambien está  presente en la Exposición de Der Blue Reiter (Munich, 1912).Inspirado por el Futurismo, en 1913, Larionov y Goncharova crean lo que puede considerarse como la primera escuela rusa original de pintura no-objetiva, el Rayonismo. Larionov elabora su manifiesto que se publicará en 1914.

En 1914 visitó París para asistir al estreno del ballet Le Coq d’or, de Serguéi Diághilev, para el que Goncharova había realizado la puesta en escena. Junto a ella comenzó a colaborar con Diághilev y viajaron con su compañía a Suiza, España e Italia en 1916.

En 1919 se instaló definitivamente en París. Durante los años siguientes continuó su colaboración con Diághilev y fue, como ya había sido en Rusia, el representante de Goncharova. Tras la muerte de Diághilev en 1929, Lariónov volvió a retomar la pintura figurativa al óleo de manera más intensa.

Sus últimos años estuvieron marcados por las dificultades económicas y una precaria salud. Paralelamente, una serie de exposiciones contribuyeron al reconocimiento del importante papel representado por él y su eterna compañera Goncharova en el desarrollo de la vanguardia del siglo XX. Finalmente, en 1955, ambos se casaron, y en 1964, dos años después de la muerte de Goncharova y pocos meses antes su propia muerte, volvió a contraer matrimonio con Alexandra Tomilina.

Larionov está llamado a la guerra pero él considerará siempre que ésta le hizo perder parte de su creatividad y perturbó para siempre su vida artística. Sin embargo seguirá ofreciendo su contribución a la pintura, a las artes gráficas y al mundo del teatro. Publicará sus propios escritos, ilustrará todavía numerosas obras.

Mikhail Larionov muere en Francia (Paris) en 1964, sólo dos años tras la desaparición de Goncharova.

fuentes: epdlp.com, Wikipedia, museothyssen.org, youtube

GABRIELE MÜNTER

Gabriele Münter fue una de las pocas figuras femeninas vinculadas al desarrollo del expresionismo alemán. Alumna, colaboradora y compañera sentimental de Wassily Kandinsky durante los años previos a la Primera Guerra Mundial, participó activamente en diversos movimientos artísticos muniqueses como Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).

Se formó en la Malschule für Damen, la escuela de dibujo para mujeres de Düsseldorf, en 1897 y después, en 1901, en la escuela Phalanx, donde tuvo como maestro a Kandinsky. Junto a él visitó Túnez, Bélgica, Italia y Austria, para volver a Berlín en 1908 y establecerse finalmente en Múnich. 

En 1909 compró una casa en el pueblo bávaro de Murnau, que se convirtió, los veranos siguientes, en punto de encuentro con Kandinsky, Alexej von Jawlensky y Marianne Werefkin. En Murnau el arte de Münter evolucionó hacia la simplificación de la forma, influida por las experiencias de sus compañeros y por el descubrimiento de las pinturas sobre cristal típicas de esa zona de Baviera.

Tras participar durante 1909 y 1910 en las exposiciones de la Neue Künstlervereinigung de Múnich, abandonó esta asociación a la vez que Kandinsky y Franz Marc para participar en las exposiciones y la creación del almanaque de Der Blaue Reiter. En 1914, con motivo del comienzo de la Primera Guerra Mundial, Münter se trasladó con Kandinsky a Suiza y después, ya en solitario, a Copenhague.

La relación con Kandinsky finalizaría poco después. Concluida la guerra, Münter regresó a Murnau que sería desde entonces su lugar de residencia.

Desde la ventana de Griesbraeu

En 1927 conoció al filósofo e historiador del arte Johannes Eichner, al que permaneció unida hasta la muerte de éste. Cuando tras la Segunda Guerra Mundial surgió un renovado interés por el expresionismo alemán, se comenzó a reivindicar la relevancia de esta artista. Artísticamente, Münter comenzó a desarrollar un estilo abstracto propio, con brillantes colores sin mezclar, formas fuertes, todo delineado por oscuras líneas de separación. Se convirtió en miembro fundadora de la Neue Künstlervereinigung München (Nueva unión de artistas de Múnich) iniciada por Kandinsky y que incluía el núcleo de los artistas del Blaue Reiter.

En 1937, Münter tenía organizada una exposición en la Asociación de Arte de Munich, pero su contenido expresionista era considerado por los nazis como “arte degenerado” (como la mayor parte de manifestaciones artísticas de vanguardia) por lo que la exposición fue clausurada por las autoridades. Desde entonces, Gabriele estuvo en el punto de mira de los nazis, por lo que decide retirarse de la vida pública.

Pero Gabriele Münter va a ser protagonista de un episodio que salvará el legado incalculable de algunos de sus colegas frente al fanatismo nazi, convirtiéndola en heroína al poner en peligro su vida.

Durante la persecución nazi a los artistas de vanguardia, Gabriele escondió en su casa de Murnau más de 80 pinturas y unos 300 dibujos de Kandinsky y otros miembros de Der Blaue Reiter (que había conservado durante años), además de obras propias, salvándolas de la destrucción nazi. A pesar de que su casa fue registrada en varias ocasiones, nunca consiguieron localizarlas.

Gabriele Münter decidió en 1957 regalar todas estas pinturas, que había protegido incluso arriesgando su propia vida, a la ciudad de Munich, y donde ahora son exhibidas en el célebre museo alemán Lenbachhaus donde se muestra lo mejor del arte impresionista mundial.

Su casa en Munrau es hoy en día también en un importante museo. 

Numerosas exposiciones y premios siguieron después de la guerra (por ejemplo, el premio cultural de la ciudad de Munich de 1956).

El 19 de mayo de 1962 Gabriele Münter fallecía en su hogar de Murnau am Staffelsee, el que fuera centro del arte expresionista durante sus años gloriosos. A pesar de que la obra de Gabriele estuvo siempre eclipsada por la de Kandinsky y otros grandes pintores de su tiempo, poco a poco ha ido recuperando el lugar que se merece en el mundo del arte.

Fuentes: ecured.cu, lembranzas1.blogspot.com, wikipedia,  museothyssen.org, artycultura.net/

“DER BLAUE REITER” EXPRESIONISMO

Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) fue uno de los movimientos más significativos y originales de la pintura alemana, no sólo de comienzos del siglo XX.

Integrantes:

Franz Marc, Vasili Kandinski, , August Macke, 

Paul Klee, Gabriele Münter, Alexej von Jawlensky, 

HeinrichCampendonk, Natalia Goncharova, Mijaíl Lariónov, 

Marianne von Werefkin, LyonelFeininger, 

Arnold Schoenberg, David Burliuk

El nombre del grupo deriva de un cuadro del mismo nombre del año 1903 de Kandinsky, que sirvió como ilustración de la portada de 1912 del Almanach (Almanaque).

El grupo se dirigió en contra la pintura tradicional de las academias, y buscó, impregnada por los encuentros con los movimientos del arte contemporáneo, nuevas formas de expresión de lo "espiritual en el arte" (Kandinsky).

Kandinsky y Marc iniciaron durante la preparación de la exposiciones un almanaque de arte que fue publicado en Munich en mayo de 1912 bajo el título El Jinete Azul (Der Blaue Reiter). El almanaque de una tirada de 1.100 ejemplares, contenía 141 reproducciones de cuadros, tres composiciones de música, y 19 artículos incluyendo un poema y la obra escénica  de Kandinsky El sonido amarillo. Su título, Jinete Azul remite a la preferencia de los dos editores del almanaque para el color azul, así como para el motivo jinete que Kandinsky pintó ya en 1903 y lo grabó en 1911 en madera. En este se basa la ilustración de la portada del almanaque, que sigue siendo uno de los textos programáticos más importantes del arte del siglo 20.

Al Almanaque contribuyeron numerosos amigos artistas  con textos e imágenes de las diferentes esferas de las Bellas Artes, pero también de acuerdo a la demanda de la igualdad de los diferentes manifestaciones artísticas, del arte popular, música y teatro. Según Franz Marc el almanaque debería informar de  Los más nuevos movimientos pictóricos en Francia, Alemania y Rusia, y enseña sus finos hílos de conexión con el Gótico y con los primitivos, con África y el gran Oriente, con el arte originario del pueblo tan fuertemente expresivo y con el arte infantil, especialmente con los movimientos musicales y de los escenarios más modernos de Europa de nuestro tiempo (Franz Marc, 1912).

El grupo Der Blaue Reiter fue formado en Munich en 1911. Recibió una importante aportación internacional, sobre todo del cubismo y el futurismo, ya que entre sus filas figuraban numerosos extranjeros.  El Jinete Azul apenas duró tres años y quedó irrumpido por la llegada de la primera Guerra Mundial. A lo largo de su vigencia se organizaron dos exposiciones. La primera se celebró entre diciembre de 1911 y enero de 1912 en la Galería Moderna Thannhäuser en Múnich. Se mostraron 49 obras de Henri Rousseau, Albert Bloch, Heinrich Campendonk, Robert Delaunay, Wassily Kandinsky, Macke, Münter entre otros. Más adelante se convirtió en una exposición itinerante recorriendo varias ciudades, entre ellas Colonia y Berlín.

La segunda exposición se desarrolló desde el 12 de febrero hasta el 18 de marzo de 1912 en la librería y galería de arte muniquesa Hans Goltz. En ella se exhibieron 315 acuarelas, dibujos y la obra gráfica de más de 30 artistas de esa exposición.

fuentes: wikipedia , franzmarc.com ,palabrasilencio.blogspot.

EL MANDRIL 1913 DE FRANZ MARC

El mandril, óleo sobre lienzo 91 x131 cm 

El mandril es el  cuadro más colorido de la fase tardía de la artista alema Franz Marc. En cuanta su inspiración, los historiadores de arte creen que se vio influenciado por las muestra del artistas  Robert Delauna  en Berlín en 1913. Para ser más específicos, la obra "Sol y Luna", el artista alemán se adentra en la abstracción, pero sin renunciar completamente al motivo animal. En la incandescencia de colores se ve, en un primer momento y como en un rompecabezas solo la estructura geométrica, una aglomeración de prismas, conos, semicirculos de fuertes colores y las formas mixtas que se derivan de ellas. Hay dos diagonales que entran en la pintura y abren una cierta profundidad de campo; sin embargo, esto es simplemente una sugerencia de profundidad, ya que los valores cromáticos de los colores avanzan dando como resultado un efecto de aplanamiento.

Tras una inspección más cercana, el espectador finalmente descubre al animal en el centro de la composición. El poderoso simio está compuesto por todos los colores en el espectro cromático, y parece que se distingue voluntariamente de los otros colores y formas que lo rodean. Uno puede distinguir claramente una cabeza con un hocico largo y una mata de cabello. Moviéndose hacia abajo hay dos brazos arqueados que terminan en dos manos agarrando dos objetos a medida que el mandril se abre paso a través de su entorno.

Franz Moritz Wilhelm Marc

Pintor de corta e intensa vida, representante del expresionismo alemán del siglo XX. Más conocido como Franz Marc

Nació en Munich,1880  
Era hijo del pintor paisajista Wilhelm Marc y de Sophie Maurice, institutriz de profesión. 

Cursó estudios de filosofía y teología influenciados por su madre, que era una fervorosa creyente.

Entre 1899 y 1903 estudió en la Academia de Bellas Artes de Munich. Viajó por Italia, Grecia y Francia. En París descubrió la pintura fauvista, que tuvo mucha influencia en su estilo. Desde 1906 comenzó a estudiar la anatomía de los animales concienzudamente. Para Marc, los animales encarnaban la belleza pura y era a través de la naturaleza como se buscaba la espiritualidad.

En 1910 entabló amistad con August Macke y Kandinsky. Con este último coescribió el primer ejemplar de «Dier Blaue Reiter» («El Jinete Azul»). Luego formarían un grupo (de 1911-1914), con el que llegaron al primer expresionismo alemán, con un misticismo que les llevó a la abstracción, aunque, en el caso de Franz Marc, no fue total; siempre mantuvo algún motivo de tipo naturalista (sobre todo animales). Daba a los brillantes colores primarios que utilizaba, valores psicocromáticos.

Estando en Baviera, en la granja que compartía con su mujer , con sus ciervos y otros animales, se alistó como voluntario para luchar en la Primera Guerra Mundial, convencido de que ésta era necesaria para purificar el alma de Europa. Después de un año en el frente se desencantó de la idea de la guerra y justo cuando el gobierno alemán le había concedido la vuelta a casa, a su querida granja de Ried, ya que lo quería proteger por considerarlo un artista destacado, le alcanzó una granada en la batalla de Verdún y murió por el impacto de la metralla en la cabeza. FRANZ MARC  murió el 4 de marzo de 1916 cerca de Verdun en Francia. A sus  36 años de edad.

Biografía : franzmarc.com , milartgranada.com ,wikipedia

LA SEMANA DEL ARTE EN BOGOTA 2019

ARCHIVO DE FOTOS 

Este año, septiembre fue el mes escogido para la semana del arte en la ciudad de Bogotá, la cual comienza a partir de hoy, 17. Son cinco las ferias que siguen afianzándose en sus diferentes propuestas. Atrayendo así la mirada hacia Colombia como parte del movimiento cultural latino americano. Por otra parte, en este 2019 estas ferias se alternan con otros eventos de arte que le dan aún más realce a la semana del arte de la capital colombiana.

Recuerde que cada feria cuenta con su propia programación y actividades alternas con el objetivo de brindarle al público un acercamiento al arte desde múltiples tendencias.

En este 2019,   tendremos:

ARTBO 15: Del  19 al 22 de septiembre, Gran Salón de Corferias

La Feria, en sus 15 años, continúa posicionándose como una de las más importantes dentro del circuito ferial en América Latina, con su modelo único de ocho secciones de carácter comercial y no comercial. Cinco de ellas presentarán proyectos curados: Referentes, Artecámara, Proyectos, Articularte y Libro de Artista.

BARCÚ: Del  17 al 22 de septiembre, Barrio la Candelaría

El circuito artístico Barcú plantea muestras de arte, música, teatro, arte urbano y cultura en un espacio denominado Zona de Galerías que invita a hacer un recorrido por la zona histórica de la Candelaría, el cual inicia en la calle 10 #1-45.

FERIA DEL MILLÓN: Del  20 al 22 de septiembre, Hospital San Juan de Dios

Es la   séptima versión de la feria, la cual tiene como enfoque ser un espacio   para artistas emergentes del país, y contará con los trabajos de 76 artistas plásticos. Este año la feria se realizará en el complejo hospitalario San Juan de Dios, un monumento nacional y bien de interés cultural de la nación. La feria   ofrece tres espacios: el Inmunológico, el San Roque y el Convento, donde se realizará Voltaje (salón de arte y tecnología).

ODEÓN INTENSIVO: Del  14 al 22 de septiembre, Espacio Odeón

La segunda edición de Odeón Intensivo en el Espacio Odeón ofrecerá una variedad de eventos interdisciplinarios y gratuitos.

EL   19 de septiembre comenzará oficialmente la segunda edición de Espacio Odeón Intensivo con un concierto de Los Pirañas en el espacio público.

ARTCHICO 5: Del  21 al 22 de septiembre, Barrio La Macarena (Calle 27 No 4A -33)

Es la quita edición de La feria  Art chico que este  año usará el formato de subastas silenciosas e interactivas con obras de más de 50 artistas nacionales y extranjeros que se `podrán observar en su sede propia de la Macarena.

45 SALÓN NACIONAL DE ARTISTAS: Del  14 de septiembre al 4 de noviembre

Con la participación de 166 artistas, El Salón Nacional de Artistas regresa a Bogotá después de 13 años de ausencia.   Los espacios que   acogerán al Salón Nacional son:  MAMBO, Galería Santa Fe, Sala de exposiciones ASAB, Cinemateca Distrital, Espacio Odeón, Laboratorio Interdisciplinario de las Artes, Museo de Artes Visuales UJTL (Tadeo Lozano), El Parqueadero (MAMU, del Banco de la República), el Centro Colombo Americano de la calle 19 y el edificio Pastas El Gallo - Bronx Distrito Creativo.

El X Premio Luis Caballero

En 2019 los habitantes de la ciudad de Bogotá podrán interactuar con las ocho propuestas de intervención artística para sitio específico nominadas al X Premio Luis Caballero. Se trata de ocho proyectos concebidos por el mismo número de artistas y colectivos para transformar y resignificar 8 espacios asignados: la nueva Galería Santa Fe, el Museo de Arte Moderno de Bogotá, el Museo Santa Clara, el Monumento a los Héroes y El Parqueadero del Banco de la República.

Referencia: Información toma de los boletines de prensa de las diferentes actividades culturales

5 MINUTOS ANTES

La galería 5-33 inauguró el pasado sábado 6 de julio la muestra: "5 minutos antes: aproximaciones a una idea de paisaje".  Con esta exposición la galería espacio 5-33 comienza una nueva etapa direccionada hacia el arte contemporáneo. 

En la exposición participan cuatro artistas emergentes egresados de la Universidad Nacional: Jhony Chaparro, Santiago Lemus, Carolina Rosero, Nicolas Rueda quienes están acompañados por la fundadora de la galería, Elsa Russi.  La curaduría de la muestra estuvo a cargo de  Camilo Chico.

La exhibición estará abierta al publico hasta el 4 de agosto. La galería esta  ubicada en la calle 118 # 5-33 en Usaquén. El horario es de 1:30 p.m. a 6:30 p.m. de domingo a domingo

La muestra se compone por fragmentos de interpretaciones personales del  paisaje: Johnny Chaparro participa con pinturas en relación con el páramo de Chingaza que hacen  parte de su trabajo de grado de la universidad. Es un artista que comienza a crear sus pinturas a partir de la reacción que el páramo ejerce sobre él.

Bosque alto andino/2018

Nicolás Rueda que participa con pintura, la cual parte de su cercanía con la serranía de cota, la  transformación del paisaje y la cultura en el territorio. Como detalle especial en sus pintura trabaja con ceniza vegetal  haciéndola parte del pigmento de sus obras.

Después del Incendio/2018

Carolina Rosero participa con una instalación partiendo de su interacción  con el mantenimiento del jardín de  su casa; empieza a realizar  unos pequeños dibujos de sus plantas para, desde allí, fijarse en esa maleza que crece entre sus plantas y comienza a interesarse por esa maleza la cual magnífica en la instalación.

Afección Intrusa/2018

Santiago Lemus participa con fotografías en las cuales presenta un seguimiento por más de cinco meses del volcán Colima en México desde sus computador, en el seguimiento  se analiza como el volcán influye  en el paisaje.

Detalle/ Ineludible/2016

La quinta artista  que acompaña la  exposición es la  fundadora del  espacio,  Elsa Russi, quien participa con acuarelas  que son el resultado de los recuerdos de las visitas a parajes que le llegan a su memoria.