sábado, 29 de febrero de 2020

GABRIELE MÜNTER


Gabriele Münter fue una de las pocas figuras femeninas vinculadas al desarrollo del expresionismo alemán. Alumna, colaboradora y compañera sentimental de Wassily Kandinsky durante los años previos a la Primera Guerra Mundial, participó activamente en diversos movimientos artísticos muniqueses como Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).

Se formó en la Malschule für Damen, la escuela de dibujo para mujeres de Düsseldorf, en 1897 y después, en 1901, en la escuela Phalanx, donde tuvo como maestro a Kandinsky. Junto a él visitó Túnez, Bélgica, Italia y Austria, para volver a Berlín en 1908 y establecerse finalmente en Múnich. 

En 1909 compró una casa en el pueblo bávaro de Murnau, que se convirtió, los veranos siguientes, en punto de encuentro con Kandinsky, Alexej von Jawlensky y Marianne Werefkin. En Murnau el arte de Münter evolucionó hacia la simplificación de la forma, influida por las experiencias de sus compañeros y por el descubrimiento de las pinturas sobre cristal típicas de esa zona de Baviera.

Tras participar durante 1909 y 1910 en las exposiciones de la Neue Künstlervereinigung de Múnich, abandonó esta asociación a la vez que Kandinsky y Franz Marc para participar en las exposiciones y la creación del almanaque de Der Blaue Reiter. En 1914, con motivo del comienzo de la Primera Guerra Mundial, Münter se trasladó con Kandinsky a Suiza y después, ya en solitario, a Copenhague.
La relación con Kandinsky finalizaría poco después. Concluida la guerra, Münter regresó a Murnau que sería desde entonces su lugar de residencia.

Desde la ventana de Griesbraeu
En 1927 conoció al filósofo e historiador del arte Johannes Eichner, al que permaneció unida hasta la muerte de éste. Cuando tras la Segunda Guerra Mundial surgió un renovado interés por el expresionismo alemán, se comenzó a reivindicar la relevancia de esta artista. Artísticamente, Münter comenzó a desarrollar un estilo abstracto propio, con brillantes colores sin mezclar, formas fuertes, todo delineado por oscuras líneas de separación. Se convirtió en miembro fundadora de la Neue Künstlervereinigung München (Nueva unión de artistas de Múnich) iniciada por Kandinsky y que incluía el núcleo de los artistas del Blaue Reiter.

En 1937, Münter tenía organizada una exposición en la Asociación de Arte de Munich, pero su contenido expresionista era considerado por los nazis como “arte degenerado” (como la mayor parte de manifestaciones artísticas de vanguardia) por lo que la exposición fue clausurada por las autoridades. Desde entonces, Gabriele estuvo en el punto de mira de los nazis, por lo que decide retirarse de la vida pública.
Pero Gabriele Münter va a ser protagonista de un episodio que salvará el legado incalculable de algunos de sus colegas frente al fanatismo nazi, convirtiéndola en heroína al poner en peligro su vida.

Durante la persecución nazi a los artistas de vanguardia, Gabriele escondió en su casa de Murnau más de 80 pinturas y unos 300 dibujos de Kandinsky y otros miembros de Der Blaue Reiter (que había conservado durante años), además de obras propias, salvándolas de la destrucción nazi. A pesar de que su casa fue registrada en varias ocasiones, nunca consiguieron localizarlas.


Gabriele Münter decidió en 1957 regalar todas estas pinturas, que había protegido incluso arriesgando su propia vida, a la ciudad de Munich, y donde ahora son exhibidas en el célebre museo alemán Lenbachhaus donde se muestra lo mejor del arte impresionista mundial.
Su casa en Munrau es hoy en día también en un importante museo. 

Numerosas exposiciones y premios siguieron después de la guerra (por ejemplo, el premio cultural de la ciudad de Munich de 1956).

El 19 de mayo de 1962 Gabriele Münter fallecía en su hogar de Murnau am Staffelsee, el que fuera centro del arte expresionista durante sus años gloriosos. A pesar de que la obra de Gabriele estuvo siempre eclipsada por la de Kandinsky y otros grandes pintores de su tiempo, poco a poco ha ido recuperando el lugar que se merece en el mundo del arte.
Fuentes: ecured.cu, lembranzas1.blogspot.com, wikipedia,  museothyssen.org, artycultura.net/

jueves, 27 de febrero de 2020

“DER BLAUE REITER” EXPRESIONISMO

Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) fue uno de los movimientos más significativos y originales de la pintura alemana, no sólo de comienzos del siglo XX.

Integrantes:

El nombre del grupo deriva de un cuadro del mismo nombre del año 1903 de Kandinsky, que sirvió como ilustración de la portada de 1912 del Almanach (Almanaque).

El grupo se dirigió en contra la pintura tradicional de las academias, y buscó, impregnada por los encuentros con los movimientos del arte contemporáneo, nuevas formas de expresión de lo "espiritual en el arte" (Kandinsky).


Kandinsky y Marc iniciaron durante la preparación de la exposiciones un almanaque de arte que fue publicado en Munich en mayo de 1912 bajo el título El Jinete Azul (Der Blaue Reiter). El almanaque de una tirada de 1.100 ejemplares, contenía 141 reproducciones de cuadros, tres composiciones de música, y 19 artículos incluyendo un poema y la obra escénica  de Kandinsky El sonido amarillo. Su título, Jinete Azul remite a la preferencia de los dos editores del almanaque para el color azul, así como para el motivo jinete que Kandinsky pintó ya en 1903 y lo grabó en 1911 en madera. En este se basa la ilustración de la portada del almanaque, que sigue siendo uno de los textos programáticos más importantes del arte del siglo 20.
Al Almanaque contribuyeron numerosos amigos artistas  con textos e imágenes de las diferentes esferas de las Bellas Artes, pero también de acuerdo a la demanda de la igualdad de los diferentes manifestaciones artísticas, del arte popular, música y teatro. Según Franz Marc el almanaque debería informar de  Los más nuevos movimientos pictóricos en Francia, Alemania y Rusia, y enseña sus finos hílos de conexión con el Gótico y con los primitivos, con África y el gran Oriente, con el arte originario del pueblo tan fuertemente expresivo y con el arte infantil, especialmente con los movimientos musicales y de los escenarios más modernos de Europa de nuestro tiempo (Franz Marc, 1912).

El grupo Der Blaue Reiter fue formado en Munich en 1911. Recibió una importante aportación internacional, sobre todo del cubismo y el futurismo, ya que entre sus filas figuraban numerosos extranjeros.  El Jinete Azul apenas duró tres años y quedó irrumpido por la llegada de la primera Guerra Mundial. A lo largo de su vigencia se organizaron dos exposiciones. La primera se celebró entre diciembre de 1911 y enero de 1912 en la Galería Moderna Thannhäuser en Múnich. Se mostraron 49 obras de Henri Rousseau, Albert Bloch, Heinrich Campendonk, Robert Delaunay, Wassily Kandinsky, Macke, Münter entre otros. Más adelante se convirtió en una exposición itinerante recorriendo varias ciudades, entre ellas Colonia y Berlín.
La segunda exposición se desarrolló desde el 12 de febrero hasta el 18 de marzo de 1912 en la librería y galería de arte muniquesa Hans Goltz. En ella se exhibieron 315 acuarelas, dibujos y la obra gráfica de más de 30 artistas de esa exposición.


fuentes: wikipedia , franzmarc.com ,palabrasilencio.blogspot.

EL MANDRIL 1913 DE FRANZ MARC

El mandril, óleo sobre lienzo 91 x131 cm 

El mandril es el  cuadro más colorido de la fase tardía de la artista alema Franz Marc. En cuanta su inspiración, los historiadores de arte creen que se vio influenciado por las muestra del artistas  Robert Delauna  en Berlín en 1913. Para ser más específicos, la obra "Sol y Luna", el artista alemán se adentra en la abstracción, pero sin renunciar completamente al motivo animal. En la incandescencia de colores se ve, en un primer momento y como en un rompecabezas solo la estructura geométrica, una aglomeración de prismas, conos, semicirculos de fuertes colores y las formas mixtas que se derivan de ellas. Hay dos diagonales que entran en la pintura y abren una cierta profundidad de campo; sin embargo, esto es simplemente una sugerencia de profundidad, ya que los valores cromáticos de los colores avanzan dando como resultado un efecto de aplanamiento.
Tras una inspección más cercana, el espectador finalmente descubre al animal en el centro de la composición. El poderoso simio está compuesto por todos los colores en el espectro cromático, y parece que se distingue voluntariamente de los otros colores y formas que lo rodean. Uno puede distinguir claramente una cabeza con un hocico largo y una mata de cabello. Moviéndose hacia abajo hay dos brazos arqueados que terminan en dos manos agarrando dos objetos a medida que el mandril se abre paso a través de su entorno.

Franz Moritz Wilhelm Marc
Pintor de corta e intensa vida, representante del expresionismo alemán del siglo XX. Más conocido como Franz Marc
Nació en Munich,1880  
Era hijo del pintor paisajista Wilhelm Marc y de Sophie Maurice, institutriz de profesión. 
Cursó estudios de filosofía y teología influenciados por su madre, que era una fervorosa creyente.
Entre 1899 y 1903 estudió en la Academia de Bellas Artes de Munich. Viajó por Italia, Grecia y Francia. En París descubrió la pintura fauvista, que tuvo mucha influencia en su estilo. Desde 1906 comenzó a estudiar la anatomía de los animales concienzudamente. Para Marc, los animales encarnaban la belleza pura y era a través de la naturaleza como se buscaba la espiritualidad.
En 1910 entabló amistad con August Macke y Kandinsky. Con este último coescribió el primer ejemplar de «Dier Blaue Reiter» («El Jinete Azul»). Luego formarían un grupo (de 1911-1914), con el que llegaron al primer expresionismo alemán, con un misticismo que les llevó a la abstracción, aunque, en el caso de Franz Marc, no fue total; siempre mantuvo algún motivo de tipo naturalista (sobre todo animales). Daba a los brillantes colores primarios que utilizaba, valores psicocromáticos.

Estando en Baviera, en la granja que compartía con su mujer , con sus ciervos y otros animales, se alistó como voluntario para luchar en la Primera Guerra Mundial, convencido de que ésta era necesaria para purificar el alma de Europa. Después de un año en el frente se desencantó de la idea de la guerra y justo cuando el gobierno alemán le había concedido la vuelta a casa, a su querida granja de Ried, ya que lo quería proteger por considerarlo un artista destacado, le alcanzó una granada en la batalla de Verdún y murió por el impacto de la metralla en la cabeza. FRANZ MARC  murió el 4 de marzo de 1916 cerca de Verdun en Francia. A sus  36 años de edad.

Biografía : franzmarc.com , milartgranada.com ,wikipedia

martes, 17 de septiembre de 2019

LA SEMANA DEL ARTE EN BOGOTA 2019

ARCHIVO DE FOTOS 

Este año, septiembre fue el mes escogido para la semana del arte en la ciudad de Bogotá, la cual comienza a partir de hoy, 17. Son cinco las ferias que siguen afianzándose en sus diferentes propuestas. Atrayendo así la mirada hacia Colombia como parte del movimiento cultural latino americano. Por otra parte, en este 2019 estas ferias se alternan con otros eventos de arte que le dan aún más realce a la semana del arte de la capital colombiana.


Recuerde que cada feria cuenta con su propia programación y actividades alternas con el objetivo de brindarle al público un acercamiento al arte desde múltiples tendencias.

En este 2019,   tendremos:

ARTBO 15: Del  19 al 22 de septiembre, Gran Salón de Corferias
La Feria, en sus 15 años, continúa posicionándose como una de las más importantes dentro del circuito ferial en América Latina, con su modelo único de ocho secciones de carácter comercial y no comercial. Cinco de ellas presentarán proyectos curados: Referentes, Artecámara, Proyectos, Articularte y Libro de Artista.

BARCÚ: Del  17 al 22 de septiembre, Barrio la Candelaría
El circuito artístico Barcú plantea muestras de arte, música, teatro, arte urbano y cultura en un espacio denominado Zona de Galerías que invita a hacer un recorrido por la zona histórica de la Candelaría, el cual inicia en la calle 10 #1-45.

FERIA DEL MILLÓN: Del  20 al 22 de septiembre, Hospital San Juan de Dios
Es la   séptima versión de la feria, la cual tiene como enfoque ser un espacio   para artistas emergentes del país, y contará con los trabajos de 76 artistas plásticos. Este año la feria se realizará en el complejo hospitalario San Juan de Dios, un monumento nacional y bien de interés cultural de la nación. La feria   ofrece tres espacios: el Inmunológico, el San Roque y el Convento, donde se realizará Voltaje (salón de arte y tecnología).

ODEÓN INTENSIVO: Del  14 al 22 de septiembre, Espacio Odeón
La segunda edición de Odeón Intensivo en el Espacio Odeón ofrecerá una variedad de eventos interdisciplinarios y gratuitos.
EL   19 de septiembre comenzará oficialmente la segunda edición de Espacio Odeón Intensivo con un concierto de Los Pirañas en el espacio público.

ARTCHICO 5: Del  21 al 22 de septiembre, Barrio La Macarena (Calle 27 No 4A -33)
Es la quita edición de La feria  Art chico que este  año usará el formato de subastas silenciosas e interactivas con obras de más de 50 artistas nacionales y extranjeros que se `podrán observar en su sede propia de la Macarena.

45 SALÓN NACIONAL DE ARTISTAS: Del  14 de septiembre al 4 de noviembre
Con la participación de 166 artistas, El Salón Nacional de Artistas regresa a Bogotá después de 13 años de ausencia.   Los espacios que   acogerán al Salón Nacional son:  MAMBO, Galería Santa Fe, Sala de exposiciones ASAB, Cinemateca Distrital, Espacio Odeón, Laboratorio Interdisciplinario de las Artes, Museo de Artes Visuales UJTL (Tadeo Lozano), El Parqueadero (MAMU, del Banco de la República), el Centro Colombo Americano de la calle 19 y el edificio Pastas El Gallo - Bronx Distrito Creativo.

El X Premio Luis Caballero
En 2019 los habitantes de la ciudad de Bogotá podrán interactuar con las ocho propuestas de intervención artística para sitio específico nominadas al X Premio Luis Caballero. Se trata de ocho proyectos concebidos por el mismo número de artistas y colectivos para transformar y resignificar 8 espacios asignados: la nueva Galería Santa Fe, el Museo de Arte Moderno de Bogotá, el Museo Santa Clara, el Monumento a los Héroes y El Parqueadero del Banco de la República.
Referencia: Información toma de los boletines de prensa de las diferentes actividades culturales

martes, 9 de julio de 2019

5 MINUTOS ANTES

La galería 5-33 inauguró el pasado sábado 6 de julio la muestra: "5 minutos antes: aproximaciones a una idea de paisaje".  Con esta exposición la galería espacio 5-33 comienza una nueva etapa direccionada hacia el arte contemporáneo. 
En la exposición participan cuatro artistas emergentes egresados de la Universidad Nacional: Jhony Chaparro, Santiago Lemus, Carolina Rosero, Nicolas Rueda quienes están acompañados por la fundadora de la galería, Elsa Russi.  La curaduría de la muestra estuvo a cargo de  Camilo Chico.

La exhibición estará abierta al publico hasta el 4 de agosto. La galería esta  ubicada en la calle 118 # 5-33 en Usaquén. El horario es de 1:30 p.m. a 6:30 p.m. de domingo a domingo
La muestra se compone por fragmentos de interpretaciones personales del  paisaje: Johnny Chaparro participa con pinturas en relación con el páramo de Chingaza que hacen  parte de su trabajo de grado de la universidad. Es un artista que comienza a crear sus pinturas a partir de la reacción que el páramo ejerce sobre él.
Bosque alto andino/2018
Nicolás Rueda que participa con pintura, la cual parte de su cercanía con la serranía de cota, la  transformación del paisaje y la cultura en el territorio. Como detalle especial en sus pintura trabaja con ceniza vegetal  haciéndola parte del pigmento de sus obras.
Después del Incendio/2018
Carolina Rosero participa con una instalación partiendo de su interacción  con el mantenimiento del jardín de  su casa; empieza a realizar  unos pequeños dibujos de sus plantas para, desde allí, fijarse en esa maleza que crece entre sus plantas y comienza a interesarse por esa maleza la cual magnífica en la instalación.
Afección Intrusa/2018
Santiago Lemus participa con fotografías en las cuales presenta un seguimiento por más de cinco meses del volcán Colima en México desde sus computador, en el seguimiento  se analiza como el volcán influye  en el paisaje.
Detalle/ Ineludible/2016
La quinta artista  que acompaña la  exposición es la  fundadora del  espacio,  Elsa Russi, quien participa con acuarelas  que son el resultado de los recuerdos de las visitas a parajes que le llegan a su memoria.

viernes, 28 de junio de 2019

VISITA AL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Entrevista Con El Director Gustavo A. Ortiz Serrano  Artista Plástico de la Universidad Nacional de Colombia, Máster en Museología de la Universidad de Valladolid, docente universitario, autor de libros sobre arte y cultura contemporánea.
Fotografías: Tito Aillón

* Ensambles 1966t: ¿exposiciones actuales y futuras?
*Gustavo Ortiz:
En este momento hay dos muestras  una titulada “Manifiesto Descolonizado” del artista peruano ENTES el cual trabaja el grafiti;  es un artista que trabaja en la calle, que tiene una técnica bien interesante por la cual se pudo traer al MAC. 
Es una técnica que se utilizó y que aún se sigue utilizando para muchos procesos de restauración que se llama el Strappo, que se utiliza específicamente para desprender murales, por ejemplo, cuando se piensa en demoler un monumento  o iglesia  y no se quiere perder las obras de arte que se encuentran allí o por razón de traslado o porque el edificio se encuentra en muy malas condiciones,  se extraen estos murales con esta técnica  la cual consiste en adicionar al muro una serie de telas sobre puestas hasta que el soporte de la tela es más pesado que el del muro y arranca la capa pictórica que luego de su desprendimiento es trasladada a otro muro o a un lienzo grande donde se van desprendiendo las telas  que se adhirieron para recuperar el mural. Así se han hecho muchas veces en Italia, en Francia, aquí mismo en Colombia muchos murales del maestro Pedro Nel Gómez se recuperaron así. 
El caso del mural del Maestro Acuña en el antiguo teatro Almirante que pasó a ser el centro médico Almirante Colon. Pero en el caso específico de ENTES se utilizó el concepto de strappo  pero con una técnica más contemporánea y es la utilización de la fibra de vidrio. Todo lo que se encuentra en la explosión son intervenciones que realiza ENTES en casas viejas, muros de calles etc., a los que le agrega esta capa de fibra de vidrio que luego desprende la obra por ello se puede ver esta muestra en el museo (MAC). El montaje que se realizó para el museo es especial.  Las piezas no se encuentran adheridas a las paredes del museo si no que están flotantes porque lo que buscamos es que se sienta que son fragmentos de muros  intervenidos fuera del museo, y que no sea tan obvio que utilizó la fibra de vidrio para pintar sobre ellos, si no que fueron arrancados de muros originales en diferentes localidades de Lima.


Ensambles 1966t: ¿Qué temática maneja esta muestra?
*Gustavo Ortiz:
La temática de ENTES es la reivindicación; tanto de los afroperuanos como de los indígenas peruanos; tiene un carácter muy político, muy social que encaja en el trabajo de significado social que  viene realizando el Museo de Arte Contemporáneo y la visibilización  de las minorías afro e indígenas  en todo lo que es nuestra América Latina.
Adicionalmente, ENTES realizó varias intervenciones  en el museo. La primera en la parte externa que también habla de lo afroperuano y en dos muros en la parte interna del museo que tiene que ver con la reivindicación de muchos de los valores y de la situación actual de Perú en cuanto a la política, justicia y desarrollo del país. También se encuentra una pintada que es muy diciente la cual dice “la revolución no se verá en Instagram” y esto quiere decir que a veces vemos la realidad a través de las pantallas y las redes sociales pero la realidad es totalmente diferente y cuando se realiza un cambio, el cambio no se da porque se tengan más o menos  likes, o porque se tengan más o menos seguidores; el cambio se da por el compromiso con una causa y por eso es que ese escenario social real que es la calle es muy diferente al escenario social de las redes sociales donde esta mediado por una pantalla y por una serie de filtros y defectos que hacen distorsionar un poco o mucho esa realidad. Es un fenómeno que se está analizando muchísimo desde la sociología y la semiótica.


En el tercer piso encontramos la una muestra del Colectivo 101 Estudio  el cual emplea varias técnicas como video proyección, instalación, collage, y animación digital con las cuales trata problemáticas  sociales contemporáneas tales como la saturación del bombardeo mediático que recibimos contantemente; lo que podemos ver reflejado a través de un gran collage con luces de neón y frases que nos expresan esa realidad contemporánea. También hay una serie collages realizados en Photoshop, donde encontramos elementos cotidianos  que logran conformar algo interesante.
También encontramos una parte de la muestra que utiliza el tejido, lo que resulta en la reivindicación del tejido a mano, las telas, el cortar telas para luego realizar un collage, hay frases que invitan a una reflexión sobre cuál es la problemática social contemporánea. Los artistas que componen el colectivo son  Carlson García, Mauricio Ramírez, Juliana Santana, Silvia Chaparro, Esteban Mantilla y Andrés Frix Bustamante. Están son las Dos muestras que tenemos y que estarán hasta la segunda semana del mes de agosto.







*Gustavo Ortiz:
La próxima muestra que se inaugura el 7 de septiembre es la versión  2019 del proyecto tesis. Estamos en este momento analizando las tesis de grado de las universidades. Hay 35 universidades invitadas y hemos recibido más de 25 propuestas y más 80 proyectos de tesis. Esperamos esta semana la llegada de algunas más para completar el número que siempre analizamos que está entre las 100 tesis de las cuales escogeremos 40 o 45 que es lo que se muestra en el espacio del museo. Esta muestra estará desde septiembre hasta la primera semana de noviembre; en la segunda semana del noviembre  se inaugura una muestra que va durante noviembre, diciembre, enero y  parte de febrero; esta exposición lleva como nombre “Foot of War”. Este es un colectivo internacional que ha venido trabajando la comida dentro del conflicto en diferentes países del mundo. Trabajando como caso específico Ucrania con la comida que tiene radiaciones, y trabajan todo lo que tiene que ver con el proceso de Chernóbil.  La comida de los límites fronterizos entre Israel y  Palestina, la comida en Brasil, toda la gastronomía afro frente a la comida de la supremacía blanca, la comida mexicana en Estados Unidos, o aquí en Colombia con diferentes acciones gastronómicas como el realizado con las arepas colombianas y las arepas venezolanas buscando zonas en común referenciando lo que ha sido el desplazamiento de venezolanos y el desplazamiento dentro nuestro país.
Este proyecto es muy interesante porque nos muestra como la comida es la que nos une a pesar de las diferencias políticas, ideológicas, y religiosas y como a través de la comida se pueden generar nuevos vínculos y formas de entendimiento. La muestra en Colombia se llamará “Comida de Guerra Paz en Las Mesas”. La exposición contará con una serie de acciones en la plaza del Minuto de Dios. Vendrán artistas de Brasil, México, Ucrania, e Inglaterra. La primera exposición para 2020 está la curaduría de la colección permanente del Museo de Arte Contemporáneo y tendrá como línea de investigación las Identidades Hibridas y  cómo en Colombia se enfrenta esa hibridación en la identidad, cómo nosotros como país estamos buscando formas de identidad.

domingo, 16 de junio de 2019

FLORES SOLARES EN MOVIMIENTO

Del artista francés Alexandre Dang ingeniero de la École Polytechnique (París) y de la École Nationale des Ponts et Chaussées (París). Convencido de la necesidad de crear conciencia sobre el potencial de las tecnologías amigables con el medio ambiente (ecotecnologías) y el desarrollo sostenible. 
Es así que, su creación artística incorpora energía solar como fuente principal en sus obras de arte cinético.
A través de su propuesta de arte sostenible, Dang tiene como objetivo: educar a los jóvenes sobre el potencial de las tecnologías ecológicas con un enfoque hacia las energías renovables.
Adicionalmente, Alexandre es cofundador de Solar Solidarity International, asociación internacional sin ánimo de lucro, que tiene como premisa generar conciencia sobre el potencial de las fuentes de energía renovable. A través de sus obras, también ha logrado apoyar y financiar la electrificación solar de escuelas y hospitales en países en vía de desarrollo, como lo son: Togo, Tanzania, Senegal, Burkina Faso, Kenia, Ecuador y Nepal.